Живопись Пабло Пикассо

Пабло Пикассо – испанский живописец, основоположник кубизма, по опросу издания Тhe Times 2009 года самый известный художник XX столетия. Пикассо, ПАБЛО (Picasso, Pablo) (1881–1973) – французский живописец испанского происхождения.

Эволюция стиля живописи Пабло Пикассо

Среди наиболее известных его работ находятся картины в стиле протокубизм такие как «Авиньонские девицы» (1907), «Герника» (1937) и изображение бомбардировки Герники немецкими и итальянскими ВВС по приказу испанского националистического правительства во время Гражданской войны в Испании. В работах этого периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали (Женщина с пучком волос, 1903 Пикассо считал— кто грустен, тот искренен) движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя (Любительница абсента, 1901 Женщина с шиньоном, 1901 г Свидание, 1902 Нищий старик с мальчиком, 1903 Трагедия, 1903). Полное имя, которое будущий художник получил при крещении— Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано14 (Криспиниано15) де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо.

На каждой картине под этим названием изображен Арлекин, Пьеро и монах. К 70-и годам во многих его картинах, рисунках тушью и гравюрах в качестве темы присутствует старый, гротескный карлик безумно любящий красивых молодых моделей. Тема абсента звучит во многих картинах. Его семья была среднего класса. Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, так как сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932). По Мане (1960).

• Галерея работ Пабло Пикассо по периодам
• ТОП-10 Самые известные картины Пабло Пикассо
• Пабло Пикассо: жизнь и творчество художника
• САМЫЕ ДОРОГИЕ КАРТИНЫ ПАБЛО ПИКАССО
• Пабло Пикассо, художник, картины с описанием, биография
• Пикассо ПаблоКартины и биография

Согласно одной из версий, первое слово, которое он произнёс, было PIZ, сокращенное от LAPIZ (карандаш по-испански). По Мане (1960). Несколькими годами позже, в 1943, сотрудники гестапо, только и искавшие повода уличить Пикассо в антифашистских настроениях, регулярно наведывались к нему в парижскую квартиру под разными предлогами. В конечном счете его знают по самому первому и последнему.

Почти всю свою жизнь прожив во Франции, Пабло Пикассо всегда оставался испанцем. На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано». Пленительные изгибы тела юной любовницы диктовали художнику плавные и упругие линии и, хотя фотографическое сходство всегда было на последнем месте, белокурая девушка узнаваема всегда. Это панно стало главным событием международной выставки.

1. 10 знаменитых картин Пабло Пикассо
2. Биография Пабло Пикассо и описание его картин
3. Пабло Пикассо: немного удивительных фактов
4. Творчество и жизнь ПаблоПикассо
5. Персоны и личности (интересное о известных)
6. Любопытные факты о Пабло Пикассо – художнике, картины которого похищают чаще всего

Событие это потрясло Пикассо. Примириться с этим было невозможно и борьба с Пикассо шла по разным направлениям. Взлет был спровоцирован и произошел после продолжительной депрессии, вызванной смертью близкого друга Карлоса Касагемаса. Он стал одним из ведущих дилеров французского искусства XX века. Быстро взять Париж ему не удалось.

Это полотно было создано в Мадриде и используемый искаженный стиль напоминает Эль Греко. Однажды увидев репродукцию «Герники», гестаповцы спросили: «Это вы сделали. ». По словам матери, его первыми словами были «piz, piz», сокращение от «lpiz», что в переводе с испанского означает «карандаш». Общественный резонанс произведения Пикассо был огромен. Вторая мировая война еще усилила значение этого полотна, звучащего и воспринимающегося как пророчество.

• Биография великого испанского художника
• Пабло Пикассо «Большая одалиска»
• Последняя картина Пабло Пикассо «Лежащая обнаженная и голова»
• Пабло Пикассо «Автопортрет, 28 июня 1972»
• Наиболее известные работы Пабло Пикассо, написанные им в ранний период (до 1900)
• Работы «голубого» периода (1901-1904)
• Работы «розового» периода (1904 — 1906)
• Работы «сезанновского» кубизма («Африканский» период) (1907 — 1909)

Они написаны в холодной, сине-зеленой гамме, напоминающей Эль-Греко рисунок острый, контуры изломаны, тела нарочито удлинены ("Свидание" 1902). Светлые и тёмные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. Его впечатлили языческие идолы примитивной формы, экзотические маски и статуэтки, воплощавшие в себе великую силу природы и дистанцированные от мельчайших деталей.

Талант и тяга к рисованию у мальчика проявились с самого раннего детства. Но и не более того.

Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к Метаморфозам Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. (Впервые это появляется в портрете Гертруды Стайн. ) Самостоятельной, отдельной от тела жизнью живут почти все мужские головы подготовительных этюдов. Сотрудничество Пикассо с Русскими балетами активно продолжилось и после Парада (декорации и костюмы для Треуголки Мануэля лде Фальи, 1919).

• Работы «аналитического» кубизма (1909-1912)
• Работы «синтетического» кубизма (1912-1917)
• Работы периода неоклассицизма (1918 — 1925)
• Работы периода сюрреализма (1925 — 1936)
• Работы военного времени (1937-1945)
• Работы послевоенного периода (1945 — 1960)
• Работы позднего периода (конец 60-х — 1973)
• Обнаженная, зеленые листья и бюст

Соединение геометрических и человеческих фигур в Девочке на шаре (1905) делает эту картину прологом к тем инновациям, которые через два года войдут с кубизмом в мировое искусство. В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Голубой период. Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения (Портрет художника, в подражание Эль Греко, 1950, частное собрание) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярного на юге Франции боя быков), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959-1968). Я перестал вас видеть, когда смотрю на вас, – сказал он в ярости.

Учился рисовать Пикассо у своего отца, который был учителем рисования. Можно было б назвать ее «Слепой музыкант», но художник сделал акцент на старости, в которой единственной отдушиной является творчество. В 1956 году на французские экраны вышла документальная лента о художнике «Таинство Пикассо».

• 8 самых популярных картин Пабло Пикассо (и опрос)
• ИНТЕРЕСНЫЕ ФАКТЫ ИЗ ЖИЗНИПАБЛО ПИКАССО
• Пабло Пикассо: последние новости
• Как на самом деле выглядели женщины с картин Пабло Пикассо
• Описание картины Пабло Пикассо «Купальщица открывающая кабинку»
• Описание картины Пабло Пикассо «Столик в кафе»

Панно вытянуто в длину и построено как триптих. Ему было поручено сделать макет для огромной общественной скульптуры 50 футов (15 м) в высоту, которую должны были построить в Чикаго и обычно известную как Чикагский Пикассо. Несмотря на то, что Пикассо был крещеным католиком, позже он стал атеистом. Незадолго до смерти отличавшийся пророческим даромхудожник сказал: «Моя смерть станет кораблекрушением. Когда погибает большое судно, все, что находится вокруг него, затягивается в воронку».

Перспектива исчезает, картины Пикассо зачастую сводятся к ребусам. Форма, которую теперь создает художник, не есть средство «остановить мгновенье», она становится самостоятельной структурой, существующей по своим законам. Их старший брат Майкл Стайн и его жена Сара также коллекционировали его работы. Не удостаивал вниманием равнодушных с той же миной, что и поклонников.

Руис убедил чиновников в Академии разрешить его сыну сдать вступительный экзамен. По Делакруа» (1955) «Менины. Аполлинер и Жакоб были очень хорошими друзьями Пикассо в течение 1910-х годов. Пикассо считал – «кто грустен, тот искренен». Он воспользовался возможностью, чтобы сделать несколько рисунков композитора.

Она была не только его другом, но и покровителем, покупая его картины за небольшие деньги. Это было для художника началом тяжёлого морального кризиса, который эхом отдаётся в замечательной серии рисунков исполненных между концом 1953 и концом зимы 1954 года в них Пикассо по-своему, в озадачивающей и ироничной манере, выразил горечь старости и свой скептицизм по отношению к самой живописи. У них рождается сын Поль (4 февраля 1921 года). Все отметили его свежесть, признали, что его следование образцам импрессионизма вполне профессионально.

В 1907 году Пикассо создает большое панно «Авиньонские девицы», персонажи которого, девицы публичного дома в барселонском квартале Авиньон, предстают бесполыми существами, некими устрашающими идолами. Она стала его возлюбленной, а затем второй женой в 1961 году. Его предки были незначительными аристократами. «Голубой период» Пикассо (1901-1904) характеризуется мрачными картинами, представленными в оттенках синего и сине-зелёного, которые лишь изредка согреты другими цветами. В том же году, в возрасте 14 лет, он написал «Портрет тёти Пепы», энергичное и драматическое изображение, которое Хуан-Эдуардо Сирлот назвал «без сомнения, одним из величайших во всей истории испанской живописи».

Пришедший к власти Франко отменил ее. Тем не менее итальянское правительство запретило демонстрацию картины в Риме. Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность (Рыбная ловля ночью на Антибах, 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов (Майя и ее кукла, 1938).

1. Описание картины Пабло Пикассо «Женщина с вороной»
2. Описание картины Пабло Пикассо «Портрет Солера»
3. Описание картины Пабло Пикассо «Муза»
4. Описание картины Пабло Пикассо «Смерть тореадора»
5. Описание картины Пабло Пикассо «Минотавромахия»

Первая выставка работ произошла в Барселоне в июне 1989, в кафе Els Quatre Gats. Именно так и случилось с Пабло Пикассо, произведения которого теперь известны всему миру. За два месяца Пикассо создаёт свою «Гернику»— громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. С нее начинается новый период в его творчестве, так называемый неоклассицизм. Тот же круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску. Но, пожалуй, самым ярким образцом африканского этапа творчества Пикассо является картина «Авиньонские девицы» (на фото выше), над которой мастер трудился около года.

В 1905–1906 Пикассо отдавал много времени изучению архаики. По замыслу автора, зритель сам должен проделать определенную аналитическую работу по воссозданию образа музыкального инструмента. Среди самых красивых ранних натюрмортов художника – небольшая овальная картина «Музыкальные инструменты». «Синяя Комната» Пикассо отражает влияние этих художников и показывает эволюцию творчества Пикассо в «голубой период», который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение нескольких лет. Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. Пабло Пикассо (Пабло Руис-и-Пикассо) – знаменитый испанский художник, вместе с Ж. Браком является основателем течения "кубизм" в живописи. Картины, ознаменовавшие начало нового периода, впервые были выставлены в конце зимы 1905 году в галерее Серюрье – это «Сидящая обнаженная» и «Актер».

• Описание картины Пабло Пикассо «Петух»
• Описание картины Пабло Пикассо «Акробаты мать и сын»
• Описание картины Пабло Пикассо «Свидание»
• Художник Пабло Пикассо: детство и годы обучения
• Пабло Пикассо: произведения «розового» периода
• Гениальный человек, всегда загадка
• Интересные факты о Пабло Пикассо

Произведения, созданные в 1945-1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо (Радость жизни). В Валлорисе художник начал в 1954 году серию портретных изображений «Сильветт»1920. Пикассо создал более чем 20 тысяч работ. Голубь изображенный на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже (1949), – наиболее действенное проявление политических убеждений художника.

Период этот длился до 20-х годов. В начале июня панно, выставленное в Париже, получило мировую славу. В 1900 году Пикассо со своим другом, художником Касахемасом уехал в Париж.

• Известные высказывание Пабло Пикассо
• Известные картины Пабло Пикассо
• Самое интересное в виде мозаики

Это были времена крайней нищеты, холода и отчаяния. Как будто луч надежды проникает в души его героев вместе с появлением в красочной гамме его картин более светлых и прозрачных цветов: к осветленным оттенкам синего цвета присоединяются розовые, пепельно-розовые, золотисто-розовые тона. После произведений «голубого периода», картины «розового периода» представляют мир циркачей и бродяг («Семья акробатов с обезьяной», «Девочка на шаре», «Семейство комедиантов»). Это всё про Пабло Пикассо. Никто из критиков не смог дать удовлетворительного объяснения этим странным, дерзким композициям, даже если это были действительно превосходные картины (Менины, 17 августа 1957, Барселона, музей Пикассо). На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ (Сидящая купальщица, 1929), орущих (Женщина в кресле, 1929), раздутых до абсурда и бесформенных (Купальщица, рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы (Фигуры на берегу моря, 1931). Это не просто обычная картина, а еще и сильное политическое заявление.

Техника соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости (Гитара и скрипка, 1913) или передает в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 (Портрет девушки 1914). О Пабло Пикассо слышали все. По Делакруа (1955) Менины. Посвятив всю свою энергию творчеству, Пикассо стал более смелым, а его произведения более красочными и выразительными. В годы испанской революции и войны Пабло Пикассо находится в Париже.

Он настолько разный в каждый следующий период, что кажется, что это писали разные люди. Некоторые из его поздних картин только уважение не позволяет назвать пошлыми, другие предстают перед зрителем приободряюще-наивными. В работах этого времени ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903 Пикассо считал: «кто грустен, тот искренен») движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901 «Женщина с шиньоном», 1901 «Свидание», 1902 «Нищий старик с мальчиком», 1903 «Трагедия», 1903). Произведения периода сюрреализма: «Танец», «Женщина в кресле» (на фотографии ниже), «Купальщица», «Обнаженная на пляже», «Сон» и т. д. После того как отгремели войны и мир пришел в относительное равновесие, восстанавливая все, что было разрушено, творчество Пикассо тоже обрело более счастливые и яркие краски.

А полнозвучие земных красок заменил строгой гаммой черного, серого и белого. «В один прекрасный день, – вспоминает писательница, – Пикассо переписал всю голову заново. Картина «Бойня» – последнее трагическое произведение Пикассо. Осенью 1944 года он вступает в коммунистическую партию.

В 1930—1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создаёт их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса— «Конструкция», 1931). В искусстве столь крутой поворот нуждался не только в творческой энергии. Наряду с циклом великанш и купальщиц, картины, вдохновленные помпейским стилем (Женщина в белом, 1923), многочисленные портреты жены (Портрет Ольги, 1923) и сына (Поль в костюме Пьеро) являют собой одни из самых пленительных произведений, когда-либо написанных художником, даже при том, что своей слегка классической направленностью и пародийностью они несколько озадачили авангард того времени. В центре его треугольник, вершиной которого является светильник. Рот, глаз, ухо становятся чем-то вроде универсальных деталей.

Пабло Пикассо – не просто один из самых известных художников XX столетия. Затем семья перебралась в один из красивейших городов – Барселону. Именно так Пикассо не рисовал больше никого.

Адские кони в бешенстве топчут открытую и сжигаемую на костре книгу. Конечно, в "Гернике" нет ничего от конкретного города басков, нет ни самолетов, ни убийц. После произведений голубого периода, картины розового периода представляют мир циркачей и бродяг (Семья акробатов с обезьяной, 1905, Гетеборг, Художественный музей Девочка на шаре, Москва, ГМИИ им. Свой редкий талант Пабло проявил в нежном возрасте 10 лет, когда он закончил свою первую картину под названием «Желтый пикадор», на которой изображен человек верхом на лошади во время корриды. А он творил более 70 лет.

Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Однако пожелали ему выработать свой индивидуальный, более узнаваемый стиль. Пожалуй, еще ни один женский образ не был так изуродован, как в серии «Плачущая женщина», где отвращение к Доре и к войне слились воедино. Идея подарить Франсуазе зеленые волосы принадлежала Матиссу.

В 1904году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. В этих обстоятельствах в начале 1902года Пикассо стал писать в стиле, по которому впоследствии период творчества художника в Барселоне в 1903—1904 годах был назван «голубым».

Но по настоянию отца он был допущен к сдаче вступительных экзаменов на конкурсной основе. Можно сказать, что Пикассо знал, что он ищет, когда проводил время за изучением в Лувре греческой архаики, этрусского и египетского искусства, кикладских идолов и иберийской скульптуры. Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, так как сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или так как простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность (Зеркало, 1932).

непосредственно перед «голубым периодом»), а 1904 год можно считать переходом между двумя периодами. Наказания удалось избежать исключительно благодаря влиятельным друзьям. Полотно имеет внушительные размеры – в высоту и ширину более двух метров. Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950).

Стиль этот Пикассо разработал по возвращении в Барселону в в 1903-1904 годах. В своей книге 1964 года «Жизнь с Пикассо» Жило описывает его жестокое обращение и бесчисленные измены, которые привели к тому, что она бросила его, забрав детей. Некоторые из них (Коза, 1950 Обезьяна с малышом, 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. С 1901 по 1906 («голубой» и начало «розового» периода) живопись Пикассо представляет собой театрально-драматическую разновидность «народничества», в какой-то степени свойственного искусству его великих предшественников: Ван Гога и Сезанна, у которых это качество связано не столько с сюжетом, сколько с антисалонной направленностью. Кубизм развивается в совершенно ирреальные и сюрреалистические образы. После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создаёт атмосферу конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить отчасти влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 и театральной пьесе, созданной во время войны.

Как часто это бывало раньше, все изменила женщина. Это было стремление, как писал Ван Гог, «выразить в грубой манере суровую и грубую правду». С 1968 по 1971 года он создал множество картин и сотни медных гравюр. Кроме того, стоит отметить следующие работы Пабло Пикассо: «Женщина в рубашке», «Туалет», «Мальчик, ведущий лошадь», «Акробаты. С самого детства, как и все испанцы, Пикассо ходил смотреть тавромахию (бой быков). Присущие раннему эклектичному творчеству Пикассо мягкий колорит, правильные пропорции и пространственная перспектива, эмоциональная окрашенность и психологическая характеристика персонажей (это преимущественно простые люди: рабочие, странствующие актеры, нищие, калеки и т. п. ) сменяются вариациями на тему человека, лишенного конкретных социальных, психологических и прочих характеристик: абстрактные статичные положения и позы, резкие, нарочитые цветовые сочетания, «неумелые» контуры фигур, асимметрия, ломаные линии, увеличенные, грубо заштрихованные детали, утрированно свободное обращение с пространственной перспективой и пропорциями.

Все персонажи находятся в статике и между ними не наблюдается какой-либо внутренней близости, каждого сковало внутреннее одиночество – тема всего «розового» периода. В этом кафе пройдёт его первая выставка.

Юный художник благополучно рос в городе, который со временем считал настоящим домом. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и не ровны по качеству (Мастерская в Каннах, 1956). Летом 1912 года Пикассо создает серию изображений музыкальных инструментов. И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения.

В Прадо размещены картины Диего Веласкеса, Франсиско Гойя и Франсиско Сурбарана. Считается, что в это время Пикассо еще не был знаком с африканской скульптурой. А. С. Пушкина Семейство комедиантов, Вашингтон, Национальная галерея).

Если бы не курение дяди, Пабло Пикассо мог бы вообще не появиться на свет. И оставил работу над портретом». Обучение Пикассо под руководством отца началось до 1890 года. Пикассо выступил здесь как художник-борец, яростный обличитель фашизма.

По Курбе» (1950) «Алжирские женщины. С творчеством импрессионистов Пабло познакомился позднее, после того как уехал в Париж. В это же время он начинает работать с керамикой, создавая множество декоративных кувшинов, блюд, тарелок, статуэток (фото представлено выше).

По Мане» (1960). Считается, что картина продолжает тему трагедии в след за картиной «Герника». Стиль этот будет развиваться уже в Барселоне, когда художник возвратиться.

Переход от сентиментализма «голубого» и «розового» периодов к инновациям, возникающим зимой и весной 1907 в этюдах к этой картине, во многом имеет контрастный характер. Поменялся даже образ жизни художника — посещение светских раутов, костюмированных балетов и т. д. Вскоре в рисунках Пикассо не только фигура, но и лицо распадается на отдельные элементы.

Тема быков возникла в творчестве Пикассо, вероятно, во время его двух поездок в Испанию в 1933 и 1934, причем облекаются они в достаточно литературные формы: образ Минотавра, который то и дело возникает в красивой серии гравюр исполненных в 1935 году (Минотавромахия). На мой взгляд, в живописи искания не имеют никакого значения. Некоторые историки, однако, считают, что «Три музыканта» — это запоздалый ответ Пикассо Матиссу и его «Уроку фортепиано». По Курбе (1950, Базель, Художественный музей) Алжирские женщины. Мадрид хранил много других достопримечательностей. Богемный круг Парижа буквально раскололся на два лагеря: «за» и «против».

Контакты с сюрреализмом. Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточённостью увенчанные нелепыми шляпами, лица изображённые в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассечённые потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к Метаморфозам Овидия (1930) и Аристофану (1934) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Звали его Хосе Руис.

Спустя еще четыре года родители приняли решение устроить его в лучшую на тот момент передовую школу искусств – «Сан Фернандо» в Мадриде. Один из признанных шедевров «розового» периода – «Семейство комедиантов» (на фото выше). Она также не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942). Страстный защитник мира, он создал своего знаменитого "Голубя мира" (1949), которого узнала и полюбила вся планета и который стал символом борьбы человечества с войной. В картине "Три женщины у источника" (1921) он вновь обращается к реалистическим формам.

В итоге Лео Стайн переехал в Италию. В этом же номере впервые в Европе была опубликована копия картины Les Demoiselles («Авиньонские девицы»).

По Веласкесу» (1957) «Завтрак на траве. Наряду с элементами стиля модерн (ср., например, в Странствующих гимнастах рисунок пальцев рук, завитков волос, характерный для этого стиля) в его работах появляются широкие плоскости, покрытые одним цветом, признаки статичности в лицах и фигурах. Оно выражается в специфическом огрублении живописной фактуры, «опрощении» стиля. Пикассо словно расширяет параметры этого спора. Полное имя, которое будущий художник получил при крещении— Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано (Криспиниано) де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо.

Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры (Человек с агнцем), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи (Натюрморт с бычьим черепом, 1942). Испанцы плакали на выставке, стоя перед "Герникой". В музыкальных натюрмортах Пикассо заметно влияние Поля Сезанна. Он откликался на все актуальные события времени. Особый интерес представляют два рисунка женской фигуры со спины с поднятыми руками, выполненные весной 1907.

Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Среди них— Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937). После эпикурейского изящества 1920-х годов (Танец, Лондон, галерея Тейт) в творчестве Пикассо появляется атмосфера конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов. В палитре мастера преобладают голубые оттенки.

Родился в Малаге 25 октября 1881 года. Пикассо – истинный вдохновитель почти всех художественных направлений двадцатого столетия. И деформация, к которой прибег Пикассо имела глубокое обоснование. В другом случае нужно было бы сказать – образа мира.

С 1901 года по 1907 годы творчество Пикассо разделяется на два периода: "голубой" (с 1901 по 1904) и "розовый" (с 1904 по 1907). С ранних лет Пикассо показывал страсть и способности к рисованию. Большая часть работ была сожжена, чтобы обогреть маленькую комнату. Ключевыми в этот период для мастера стали такие слова, как одиночество, страх, вина, боль. В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал.

Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1923 года (Женщины, бегущие по берегу, 1922, Нью-Йорк, Музей современного искусства). К тому же, его картины не покупали. Произведения, созданные в 1945—1955 годах, очень средиземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят своё выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»). Ныне там располагается музей и фонд имени П. Пикассо. "Мать и дитя" (1922), портрет сына Поля (1923) являются характерными произведениями того времени.

Синяя Комната Пикассо (1901, Собрание Филипса, Вашингтон) отражает влияние этих художников и одновременно показывает эволюцию творчества Пикассо в голубой период, который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение последующих нескольких лет. Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения (Портрет художника, в подражание Эль Греко, 1950) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968). Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приёмы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921). Он был первым ребенком дона Хосе Руиса Бласко (1838-1913) и Марии Пикассо Лопес.

После обстоятельного анализа фактического материала, связанного с открытием африканской культуры, нельзя не признать значения примитивного искусства для инноваций в творчестве Пикассо, ведущих к разрыву с классической традицией. Дягилев сознательно делал ставку на большую провокацию и готовил её всеми доступными средствами. Достаточно взглянуть на такие полотна, как «Обнаженная женщина», «Танец с покрывалами», «Дриада», «Дружба», «Бюст моряка», «Автопортрет». Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты— клоуны, танцовщики и акробаты картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов (Семья акробата с обезьяной, 1905).

К ранним работам относятся: «Горшок, бокал и книга», «Купание», «Букет цветов в сером кувшине», «Хлеб и ваза с фруктами на столе» и т. д. В полотнах четко прослеживается, как меняется стиль художника и приобретает все более абстрактные черты к концу периода (1918-1919 годы). После потери Евы Гуель, у художника был роман с Габи Леспинасс. Всегда и во всем он должен был быть единственным. Самые известные работы периода: «Ольга Хохлова» (на фотографии выше), «Пьеро», «Натюрморт с кувшином и яблоками», «Спящие крестьяне», «Мать и ребенок», «Женщины, бегущие по пляжу», «Три грации». Можете забрать на память».

В то время он развивал новые образы и формальный синтаксис для эмоционального выражения себя, «выпуская насилие, психические страхи и эротизм, которые в значительной степени подавлялись или сублимировались в нём с 1909 года», – пишет историк искусства Мелисса Маккуиллан. Фамилию Пабло решил взять материнскую, посчитав отцовскую слишком простой.

Из первых работ Пикассо сохранились портреты отца, на которых он похож на Дон Кихота. Этой любви, самой чувственной в его жизни, он обязан созданием своих лучших шедевров, таких как «Обнаженная, зеленые листья и бюст» (Nu au Plateau de Sculpteur), «Сон» (Le Rve), «Чтение» (La Lecture). Вот таким образом он отказывал в визитах как конкурентам, так и друзьям. Тема быков возникла в творчестве Пикассо во время двух поездок в Испанию: образ Минотавра возникает в красивой серии гравюр исполненных в 1935 году («Минотавромахия»).

«Герника» – это Апокалипсис XX века, в страшных сумерках которого высвечивается растерзанная лошадь, поверженный всадник, бык, мать с убитым ребенком и женщина, которая держит в руке светильник. Грандиозный скандал 18 мая 1917 года, состоявшийся на премьере (и единственном представлении) этого балета в театре Шатле немало способствовал подъёму популярности Пикассо в широких кругах парижского бомонда. В 1902 года он вновь вернется в Барселону, однако остаться в ней так и не сможет.

В 1925 начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Орта-де-Эбро», 1909), увеличивает и ломает объёмы («Портрет Фернанды Оливье», 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твёрдым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910). Первый выпуск был опубликован 31 марта 1901 года, когда художник начал подписывать свои работы «Пикассо» прежде он подписывал их «Пабло Руис и Пикассо». В 1953 года Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Все они демонстрируют зрителю красоту и редкую для картин художника безмятежность.

«Герника» — скрупулезное изображение трагедий войны и страданий мирных жителей.

Договор с Канвейлером положил конец его изгнанию из Франции. Произведение переходного периода— от голубого к розовому— Девочка на шаре (1905, Музей изобразительных искусств, Москва). В 1955 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Именно там Пабло Пикассо познакомился с творчеством импрессионистов.

Здесь он учится в местной школе искусств (1894 – 1895). В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе увлечённый проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия.

Пабло Руис и Пикассо, также известный как Пабло Пикассо (25 октября 1881 – 8 апреля 1973), был испанским художником, скульптором, гравёром, керамиком, театральным художником, поэтом и драматургом, который провел большую часть своей жизни во Франции. Многие картины измождённых матерей с детьми датируются «голубым периодом», во время которого Пикассо разделил своё время между Барселоной и Парижем. Художник использует кубистические приемы до 1923 года («Женщины, бегущие по берегу»). Однажды нацистский офицер увидев фотографию Герники спросил у Пикассо: Это вы сделали.

На момент начала Первой мировой войны (август 1914 года) Пикассо жил в Авиньоне. В 1956 году на французские экраны вышла документальная лента о художнике «Таинство Пикассо».

Марк Шагал как-то сказал, что Пикассо меняет стиль чаще, чем носки. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, создавало монстров, неких разорванных на части существ, раздутых до абсурда и бесформенных или воплощающих агрессивно-эротические образы. Гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия и Аристофану свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Некоторые из них («Коза», 1950 «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа.

В «розовых» работах Пикассо чаще изображает не просто одного или двух людей, а целые семьи, людей, связанных не только кровными, но и духовными узами. Кубизм. Это был самый тяжелый период в жизни начинающего художника. Герои—это бедные дети и матери, старики. Свою первую серьезную картину он написал в восемь лет – «Пикадор». Пабло Руис Пикассо (Picasso Pablo) испанский художник и скульптор, с 1904 года проживавший во Франции.

Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения («Портрет художника, в подражание Эль Греко», 1950) и элементы тавромахии (Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968). «Все имеют право меняться, даже художники, »—острил сам Пикассо по этому поводу. Как правило, все картины этого периода художник выполнял в сине-зеленых оттенках. Например, «Арлекин», «Три музыканта», «Натюрморт с гитарой» (на фото выше).

После освобождения. Позировала для картины (как и для целой серии других картин) Дора Маар, которая сама работала профессиональным художником. Академический реализм легко различимый в работах середины 1890-х годов хорошо отображён в «Первом причастии» (1896), большой композиции, которая изображает его сестру Лолу.

В творчестве Пикассо этот этап длился относительно долго – с 1904 г. (осень) до окончания 1906-го – и был не совсем однородным. Его сопровождают пляшущие призраки. Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на Ольге Хохловой, успех художника в обществе— все это отчасти объясняет этот возврат к фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты (Мандолина и гитара, 1924). Их отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неравны по качеству («Мастерская в Каннах», 1956).

Первые и очень ценные уроки ему преподнес отец, который тоже был художником. Ее декоративная форма, популярная во французском искусстве XVII и XVIII веков, обладает внутренней гармонией, которая придает ей еще большее изящество. Правда этот переход в работе Пикассо обусловлен кубизмом и его пространственными отношениями, как пишет Маккуиллан «объединение ритуала и порыва в изображении напоминает примитивизм «Авиньонских девиц» и неуловимый психологический резонанс его символических работ».

Но между ними не было резкого разрыва, как кажется сначала. Фигура составлена из нескольких самостоятельных объемов: голова (шар), руки (прямоугольник), спина (треугольник) и отделенные от туловища, четко очерченные как самостоятельные объемы ноги., на что тот ему ответил: Это сделали вы. И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Для этого портрета она позировала более восьмидесяти раз. Розовый цвет становится на два года главным в творчестве Пикассо.

Образы «Герники» напоминают вневременные фантомы, галлюцинации. Работа Пикассо, помимо всего прочего, полна драматизма. Печать неистовствовала, критики объявили Русский балет едва ли не предателями, деморализующими французское общество в тылу во время тяжёлой и неудачной войны. Пикассо, который досконально знал принципы изобразительных систем использовал в «Гернике» и элементы линейной перспективы и принятые в кубизме наложения прозрачных плоскостей и расчлененность объемов, которую любили сюрреалисты. Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и её кукла», 1938). Он не выносил бездарных людей так же, как талантливых. Возможно, это одна из самых известных картин Пикассо.

Используемый стиль живописи представляет собой сочетание в черно-белых тонах пасторали и эпоса. Оба оставались вместе до конца жизни Пикассо. Франсуаз Жилло на протяжении десяти лет была женой Пикассо и потом написала книгу «Жизнь с Пикассо». К 1905 году Пикассо стал фаворитом американских коллекционеров Лео и Гертруды Стайн.

В течение первых пяти месяцев 1901 года Пикассо жил в Мадриде, где со своим другом анархистом Франциско де Асис-Сольером основал журнал Arte Joven («Молодое искусство»), у которого вышли пять номеров. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы: обои, куски газет, спичечные коробки. Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе увлечённый проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Глядя на это панно, вспоминаются слова Поля Элюара: «Отчаяние раздувает огонь надежды». Художник в 1937 году создает полотно «Герника» в черно-белых тонах по заказу правительства Испании для Всемирной выставки в Париже. В произведении "Война" (которое, как и панно "Мир", художник делает для Храма Мира в Валлорисе 1952) Пикассо также не изобразил ни пушек, ни танков, ни трупов.

Новая форма деятельности, яркие сценические образы и крупные объекты воскрешают в нём интерес к декоративизму и театральности сюжетов. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты— клоуны, танцовщики и акробаты картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905). Здесь уже в полной мере использован принцип архитектурного сочленения. Известный факт: талант творческих натур проявляет себя максимально ярко в сложных жизненных ситуация.

От экспериментов с цветом и передачи настроения Пикассо обратился к анализу формы: сознательная деформация натуры (Авиньонские девицы, 1907), односторонняя интерпретация системы Сезанна и увлечение африканской скульптурой приводят его к совершенно новому жанру. Яркий, выразительный образ корриды в будущем не раз появлялся в его произведениях, как и в произведениях других всемирно известных испанцев – Гойи, Хемингуэя. Гений Пикассо обнаружил себя рано: в возрасте 10 лет он написал свои первые картины, а в 15 блестяще сдал приемный экзамен в барселонскую Школу Изящных Искусств (за день нарисовав обнаженного натурщика это было задание, на которое отводился месяц). Говорят, что он назван так в честь нескольких святых и родственников.

По Веласкесу (1957) Завтрак на траве. По Курбе, 1950 Алжирские женщины. В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся.

Образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет тему картины «Герника», самого знаменитого его произведения, которое он пишет вскоре после разрушения немецкой авиацией маленького городка басков. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. «Нет, — ответил художник, — это сделали вы. За такой резкий переход от кубизма к классицизму Пикассо многие критиковали.

При этих обстоятельствах в начале 1902 года он начал делать работы в стиле, впоследствии названном «голубым периодом». Картина Бойня (1944-1945, Нью-Йорк, Музей современного искусства) – последнее трагическое произведение Пикассо. Конечно, Пикассо это всячески отрицал. Это был серьёзный удар для Пикассо.

В это время с пониманием художник относится к оступившимся, униженным судьбой и бедностью. Особенно важны в тот период скульптуры (Беременная женщина, 1950). Первое, что он воскликнул, когда Пикассо привел ее в гости: «Дорогая, если бы я рисовал ваш портрет, волосы были бы зелеными».

Родился в городе Малага в автономной области Андалузия в Испании. Оба имели сына Пауло, который вырос распущенным мотогонщиком, а позже стал шофёром отца. Произошло именно так, как он намечал. Так и произошло. Очень скоро родился знаменитый образ «женщины-цветка» — именно так художник видел свою новую музу. В свои законные права «голубой» период его творчества вступал постепенно, проявляя себя жесткими контурами фигур и утерей трехмерности изображения, уходом от классических законов художественной перспективы.

Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период (Девушка перед зеркалом, 1932). Напряженная обстановка в столице Каталонии, нищета со всех сторон и социальная несправедливость выливаются в народные волнения, постепенно охватившие не только всю Испанию, но и Европу. Особенно важны в тот период скульптуры (Беременная женщина, 1950). Фигуры массивны, тяжеловесны, лепка их нарочито огрублена. Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве.

Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. К раннему периоду его творчества относятся картины, написанные в 1986 году: «Автопортрет» Пикассо, «Первое причастие» (на ней изображена сестра художника Лола), «Портрет матери» (на фото ниже). Пикассо уделил особое внимание превращению форм в геометрические блоки (Фабрика в Хорта де Эбро, 1909), увеличивает и ломает объёмы (Портрет Фернанды Оливье, 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины (Портрет Канвейлера, 1910). Оба часто спорили.

Пикассо нарисовал портрет Гертруды и её племянника Алана Стейна. Тем не менее, на первой выставке группы сюрреалистов в 1925 году Пикассо выставил работы в стиле кубизм понятие «психический автоматизм в его чистом виде», установленное в Manifeste du surralisme («Манифест сюрреализма»), никогда полностью его не интересовало. Переполненный отвращением к войне, художник написал гигантское обвинение фашизму: так родилась на свет «Герника» (Guernica), картина тираническая, пугающая и многословная. Вот Мария-Тереза открывает своим ключом домик художника (ключ всегда прописывался достаточно четко) играет с мячом на пляже, забавляется с друзьями. В начале 1900-х в его живописи проявляется склонность к постановке ясной задачи, к решению философских проблем пластическими средствами, к концентрации изобразительных средств.

Таков язык Пикассо. С одной стороны— коммунист, прогрессивный деятель, борец за мир и трогать его было опасно с другой Дело не в том, что, с их точки зрения, он был «буржуазный формалист», с этим еще можно было примириться, главное— он был великий мастер и при сопоставлении с его работами все великие достижения советского искусства меркли и отбрасывались на столетие назад. Это последняя работа Пикассо в серии работ, нарисованных в знак протеста. Стимулом к его развитию многие считают вопрос, возникший среди художников: «Зачем рисовать. » Достоверному изображению того, что видишь, в начале 20 века можно было научить практически любого, к тому же буквально на пятки наступала фотография, которая грозила целиком и полностью вытеснить все остальное. Голубь, который стал символом движения за мир (изображен на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже), – наиболее действенное проявление политических убеждений художника. Ивану Морозову она продала картину за 13 тысяч франков.

Теперь он начинает жить какой-то своей собственной, отдельной жизнью. Он написал несколько произведений на тему бродячего цирка, которым был увлечен. «Авиньонские девицы» произвели сенсацию, картина положила начало многим экспериментам. Появляется «кубистическая тайнопись» : зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. Она была на 40 лет моложе его.

С осени 1901 года он написал несколько посмертных портретов Касагемаса, которые завершились мрачной аллегорической картиной La Vie («Жизнь») (1903), в настоящее время представлена в Музее искусств Кливленда. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931).

Образы на его картинах вновь стали чувственными и наполнились жизнью, яркостью в противовес персонажам «голубого» этапа творчества. «Портрет Амбруаза Воллара» (владельца галереи, коллекционера) выполнен в формах аналитического кубизма.

В настоящий момент картина хранится в Музее современного искусства города Нью-Йорка. На возвращение более реалистичного в творчестве Пабло Пикассо, произведения которого наполнились вновь читаемостью, фигурностью и художественной логикой, повлияли и многие внешние факторы. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имён возлюбленных, названий улиц, кабачков. После эпикурейского изящества 1920-х (Танец) Пикассо создает атмосферу конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 и театральной пьесе, созданной во время войны. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неровны по качеству. Пикассо умер на своей вилле Notre-Dame-de-Vie восьмого апреля 1973 года.

Канвейлер был немецким искусствоведом и коллекционером. Конец 20-х – начало 30-х годов для Пикассо – период самых разнообразных художественных находок, среди которых образы спокойные, классически-ясные, встречающиеся чаще всего в графике (иллюстрации к "Метаморфозам" Овидия, 1931 к "Лисистрате" Аристофана, 1934), кажутся несовместимыми с нарочитой гармонией его живописных портретов, натюрмортов, почти абстрактных декоративных полотен ("Танец", 1925 "Фигуры в красном кресле", 1932). Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточенностью увенчанные нелепыми шляпами, лица изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы (Утренняя серенада, 1942).

Это сгусток боли и страданий. Пикассо – один из тех художников, которые наиболее ярко выразили общую эволюцию искусства XX века. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мертвым ребенком и быком за её спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. В 1901 году была также написана картина «Любительница абсента». Именно в этом городе он увлекся керамикой.

В Валлорисе художник начал в 1954 году серию портретных изображений «Сильветт». В "Девочке на шаре" (1905) различие, даже противоположность и вместе с тем взаимосвязь двух образов достигается контрастным сопоставлением двух разных силуэтов (легкость и хрупкость девочки и тяжеловесность мужчины). Oливье появляется во многих его картинах «розового периода», на большую часть из которых повлияли их тёплые отношения, наряду с интенсивным изучением французской живописи. В 1953 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Творческая биография Пабло Пикассо по-настоящему экстремальна. Живопись начала 20-х – такие картины, как Женщины, бегущие по пляжу, Флейта Пана, Портрет Ольги Хохловой, построены на контрасте холодного (синего, голубого) и теплого (красного, коричневого, терракотового) тонов. Пикассо отказался от оплаты в 100000, пожертвовав всю сумму жителям города.

С 1992 года полотно хранится в музее Мадрида. По Делакруа (1955) Менины. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ (Сидящая купальщица, 1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), орущих (Женщина в кресле, 1929, Париж, музей Пикассо), раздутых до абсурда и бесформенных (Купальщица, рисунок, 1927, частное собрание) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы (Фигуры на берегу моря, 1931, Париж, музей Пикассо). Пикассо и молодая художница Франсуаза Жило познакомились в 1943 году. «Розовый период» (1904 – 1906) характеризуется более веселым стилем, оранжевыми и розовыми цветами и изображением циркачей, акробатов и арлекинов известных во Франции как «saltimbanques».

С 1905, хотя темы и остаются прежними (все те же странствующие бродяги, циркачи), колорит становится прозрачнее, пространство заполняется розовато-голубоватой или золотистой дымкой, контуры рисунка делаются мягче, общее настроение – лиричнее. Тот же круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску. Перелом происходит в 1906. В тот же период, когда Пикассо сотрудничал с труппой Дягилева, он и Игорь Стравинский работали над балетом «Пульчинелла» в 1920 году. Так же не колористическая или психологическая, но сугубо пластическая интерпретация модели сохраняется и тогда, когда Пикассо, после знакомства с Ж. Кокто и С. Дягилевым (1915) и работы над декорациями и костюмами к театральным постановкам Парад, Русский балет (1916–1919), вступает в новый, так называемый неоклассический период.

Там же Пабло в течение года проходил обучение в местной школе искусств. Он часами заставлял своих покупателей ждать в приемной и, пока чинный дворецкий утверждал, что «мсье очень занят», сам наотрез отказывался вылезать из кровати. За закрытыми дверьми он повторял: «Приходите завтра или, лучше, через месяц», а при всех похлопывал незадачливого дилера по плечу, делая вид, что сделка состоялась. Кубизм.

Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неровны по качеству (Мастерская в Каннах, 1956, Париж, музей Пикассо). Юному Пикассо на тот момент было 14 лет и он был слишком молод для того, чтобы учиться в Ла-Лонху (школа изящных искусств). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Это довольно большая картина по размеру – ширина и высота ее более 2 метров. Согласно испанской традиции Пикассо получил две фамилии по первым фамилиям родителей: отца— Руис и матери— Пикассо. Пикассо уставший от его любовницы Доры Маар, начал жить вместе с Жило.

Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо. Этот момент можно по праву назвать переходным от следования за натурой к деформации формы. Пикассо, вначале больше других отдавший дань модным темам, очень скоро и весьма остро ощутил, что живопись обладает собственными средствами для более глубокого анализа человека – «на элементарном уровне», – который был начат несколько раньше во французской поэзии, русской литературе, немецкой философии и австрийской психиатрии.

Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике Мадура в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных (Кентавр, 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950). Однако же, ничего не продавал. В ней прослеживается влияние популярного на тот момент увлечения «порочными» персонажами, характерного для французского искусства.

С последней картиной, на которой изображены ужасы войны, связана одна известная история. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мёртвым ребёнком и быком за её спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. На данный момент за работы Пикассо должен был взяться арт-дилер Леон Розенберг.

п. — атрибуты, присущие образу жизни художественной богемы начала века. Сюрреализм возродил тягу Пикассо к примитивизму и эротизму. Разделение творчества есть не что иное, как желание разложить по полочкам и втиснуть его в определенные (стилистические, временные) рамки. Кубистические формы натюрморта напоминают мандолину, лютню или гитару.

Оккупация не ослабила деятельности Пикассо: портреты, скульптуры (Человек с агнцем), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи (Натюрморт с бычьим черепом, 1942, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия). В 1944 году Пикассо становится членом Французской коммунистической партии. Коричневый цвет выходит за рамки общей цветовой гаммы картины. Этот образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет главную тему картины Герника, самого знаменитого его произведения, которое он пишет через несколько недель после разрушения немецкой авиацией маленького городка басков и которое знаменует начало его политической деятельности (Мадрид, Прадо до 1981 картина находилась в Нью-Йорке, в Музее современного искусства). Она оставила его на столе и пошла сообщить матери плохую новость. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 (Три музыканта, 1921). После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам художник считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины (Портрет Канвейлера, 1910, Художественный институт).

Вместо солнца Пикассо изобразил электрическую лампочку. В 1930-1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса (Лежащая женщина, 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма (Мужчина с букетом, 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса— Конструкция, 1931). На лице прежде и разительнее всего меняется способ изображения носа. Начало оживления жизни.

Полотном "Авиньонские девушки" (1907) Пикассо, как уже было сказано, отметил рождение кубизма. Каковы бы ни были намерения автора, результат этого пластического анализа и последующего синтеза, лаконичные конструкции, в которые он претворяет лица и фигуры своих моделей, – конкретный образ, соотносимый с тем, который, трансформируясь именно так, как это нам показывает художник (от человека «простого» к просто человеку), находится в начале 20 в. в центре искусства, литературы, философии идеологии. Здесь изображен изогнутый слепой человек, который держит большую коричневую гитару. Вначале таким отдельным от всего остального предметом становится голова. Некоторые из них (Коза, 1950 Обезьяна с малышом, 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа.

Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо»И. Самая ранняя картина Пабло Пикассо – Пикадора, которая была написана в 8 лет. В 1930-1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса (Лежащая женщина, 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма (Мужчина с букетом, 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (Пикассо создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса – Конструкция, 1931). В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис. Его гражданская позиция совершенно ясна. В возрасте 16 лет Пикассо впервые сам отправился в путь, тем не менее, юный художник невзлюбил формальное обучение и вскоре после зачисления перестал посещать занятия. В 1937 году симпатии Пикассо— на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Фрнко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолётов над позициями франкистов).

Громадная композиция (28кв. м. ), написанная в течение нескольких недель в творческом порыве, связала искусство Пикассо с жизнью всех народов, сражающихся с фашизмом против будущих "Герник". Важны только находки. Среди них— Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами (Плачущая женщина, 1937). По Веласкесу (1957) Завтрак на траве. Мать и сын», «Девочка с козлом». Уже в 50-е годы, обращаясь к теме войны в Корее ("Резня в Корее", 1951), художник прибегает к той же символике и аллегориям, что и в "Гернике". Однако его сын стал заниматься искусством в ущерб классной работе.

В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. «Герника» – пророческая картина, но в ней есть не только предчувствие страшных катастроф, но и светоч веры. Небольшой городок на севере Испании был полностью стерт с лица земли весной 1937 года немецкой авиацией. В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо.

Они возобновили свою дружбу, но Пикассо стал часто посещать новые социальные круги. Произведения, созданные в 1944-1945 года, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо (Радость жизни). Картина, выполненная масляными красками «Плачущая женщина», написана в 1937 году.

В 1953 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся18. Согласно испанской традиции Пикассо получил две фамилии по первым фамилиям родителей: отца— Руис и матери— Пикассо. Каретников, вышедшая в 1967 году. Спасти Паблито не удалось. Его похоронили в той же могиле на кладбище в Канне, где покоится прах Ольги. 6 июня 1975 года от цирроза печени умер 54-летний Поль Пикассо. Его двое детей – Марина и Бернар, последняя жена Пабло Пикассо Жаклини еще трое внебрачных детей – Майя (дочь Мари-Терез Вальтер), Клод и Палома (дети Франсуазы Жило) – были признаны наследниками художника. Начались долгие баталии за наследствоМарина Пикассо, унаследовавшая знаменитый особняк деда «Резиденция короля» в Канне, живет там со взрослыми дочерью и сыном и тремя усыновленными детьми-вьетнамцами. Она не делает между ними никакого различия и уже составила завещание, по которомувсе ее огромное состояние после кончины будет поделено на пять равных частей. Марина создала носящий ее имя фонд, который построил в пригороде Хошиминадеревушку из 24 домов для 360 вьетнамских сирот.

Новорождённый скорчил гримасу и зашёлся в плаче. Немецкая оккупация не могла испугать Пикассо: он оставался в Париже с 1940 по 1944 год. На момент поступления Пикассо было только 13 лет. Весной 1916 года Аполлинер вернулся с фронта раненным. Пикассо с блеском сдаёт все экзамены и поступает в Ла-Лонху. Некоторые из них («Коза», 1950 «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа.

Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передаёт в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914). Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике Мадура в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных (Кентавр, 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Можно смело утверждать, что именно с нее началось творчество Пабло Пикассо. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря.

Пикассо оставался в Париже в период немецкой оккупации с 1940 по 1944 год. Дело дошло даже до потасовки. Жаклин Роке (1927-1986) работала в гончарной мастерской Madoura в Валлорис на Лазурном берегу, где Пикассо делал и расписывал керамические изделия. На Родине создаются шедевры «голубого» периода: «Две сестры (Свидание)», «Старый еврей с мальчиком», «Трагедия» (фото полотна выше), «Жизнь», где еще раз возникает образ погибшего Касагемаса. В настоящее время «Любительница абсента» хранится в Эрмитаже, попав туда из частной и весьма внушительной коллекции работ Пикассо (51 произведение) С. И. Щукина после революции.

---