Российские Импрессионисты

В лучших традициях импрессионизма: творчество современного российского художника

Накануне Первой мировой войны Дмитрий Мережковский, например, напечатал в одной из газет статью «Еще шаг грядущего Хама», а «грядущий Хам» для этого времени очень важная категория, описывающая восстание обывателя, пришествие обывателя. И вот тут именно с Плетнёвым происходит преображение: он пишет то, что видит. В ней мое будущее. Я её восполнила, посетив «искусство Франции» основной экспозиции музея.

Константин Коровин. Это не живопись художников 1870 – 80-х годов.

Его работа «Портрет хористки», написанная в 1883 году, стала первой ласточкой импрессионизма, которая произвела на отечественных художников большое впечатление. Для меня именно было интересно смотреть на до боли знакомые работы и сравнивать их. И в этом заключалось его главное различие с итальянским однофамильцем. Напротив того, я слышу смех и издевательство». Считаю это заслугой молодой и доброжелательной команды девушек и юношей, многие из которых являются волонтерами. Его дед Михаил Емельянович, старообрядец, владелец «ямского извоза», купец первой гильдии, в свое время помог пейзажисту Льву Каменеву поступить в Академию художеств, заметив у него способности к живописи. Характерные для данного этапа творчества картины «Днепр утром» (1881) и «Север» (1879). И наиболее эффектным примером этой тенденции была так называемая «Большая обнаженная» Жоржа Брака, которую типологически можно сопоставить с центральным произведением европейского авангарда начала ХХ века – со знаменитой картиной Пабло Пикассо «Авиньонские девки», которой русский зритель, как и европейский зритель этой поры, видеть практически не мог.

«Золотое руно» выглядело вызывающе дорого.

В 1899 году мирискусникам и Дягилеву удалось организовать в Петербурге первую экспозицию и единственную экспозицию, которая, на мой взгляд, должна была стать моделью дальнейших выставок «Мира искусства». Бенуа очень хорошо ощутил, что Пикассо теперь обозначает путь современного искусства. «Мир искусства» сложился как кружок друзей и родственников и этим он отличается от всех предшествующих русских художественных движений – от передвижничества, от абрамцевской колонии.

Русские художники импрессионисты

Бунтарей обвиняют в аморальности, беспринципности. А Щукин забирался в магазин, в галерею и просматривал всех Сезаннов, которых мог найти. В работах видится небрежность, недописанность, недосказанность.

Мой путь – к первоисточнику всех искусств: к Востоку. Портретный этюд был написан Коровиным всего за один час.

Нет, я лучше пошлю свои вещи в Нижний, мне интересней, чтоб меня знали мои же. » Бенуа говорит: «Да ведь Вас никто не понимает, не оценивает. Самым большим сюрпризом для меня была картина «Курсистка» Ярошенко. «Архангельский порт на Двине» (1894), «Мурманский берег» (1894), «Ручей св.

В этот раз ретроспективного отдела не было. С увлечением и азартом написанная на пленэре годом позже, картина «Мартовский снег» стала самым ярким по фактуре и мысли импрессионистическим полотном. Я рискну утверждать, что в этот момент та художественная сила, которая предложит русскому обществу свой образ французской живописи, будет управлять художественным дискурсом в целом. Во-первых, они показывали, что радикальные поиски той поры имеют отцов и дедов.

По сути дела, они изобрели перформанс. В своё время за полотно с художником расплатились пальто стоимостью в 25 рублей. В то же время эта претензия на объективность была маской, так как «Весы» были вопиюще партийным журналом, который отстаивал принципы именуемые передовой русской критикой, точнее, критикой, разделявшей либеральные и народно-демократические взгляды, декадентством. Неужели другие талантливые мастера не додумались. Сергей Иванович Щукин был очень предприимчивый бизнесмен, смелый, дерзкий и, судя по всему, эта экономическая политика продолжалась в его собирательской деятельности.

Это десятилетие – своего рода десятилетие некрологов. Он всегда предшествует авангарду. Стиль импрессионизм зародился во французской живописи в конце 1860-х годов. Не всё в истории этой книги может быть, наверное, выявлено до конца.

Пикассо действительно жил в доме номер 13. Эти цены на Дега, который с точки зрения реалистически воспитанного русского видения (а передвижники сделали действительно очень важную вещь – они научили русского человека, что такое искусство: искусство – это реалистическое изображение действительности) был абсолютным нонсенсом.

Импрессионизм — двойная революция в живописи: в видении мира и в живописной технике. Собственно говоря, проблема пуантилизма была решена. Статья называлась «Демоны и современность». И вот с выставкой в Москве в 1891 году связан один казус, который позволяет нам понять, чем же было для русского человека в это время само понятие «импрессионизм» – слово, с которым читатель мог столкнуться на страницах журналов, но которое оставалось просто обозначением явления, для русских пока недоступного.

Реферат: Русские импрессионисты

Я думаю, что это апокриф, так как Щукин очень хорошо понял очень скоро, что именно эта живопись теперь владеет им совершенно – начав покупать Пикассо с 1909 года, «Даму с веером» из московского Музея имени Пушкина, он затем не мог остановиться до 1914 года. В 1894 году на страницах единственного в ту пору русского художественного журнала «Артист» писатель Петр Гнедич, очень плодотворный прозаик и драматург, опубликовал рассказ «Импрессионист».

Легкая и непринужденная вибрация мазка, насыщенность световыми эффектами, тонкая фактура, фрагментарная трактовка увиденных предметов – черты, роднящие полотно «Девочка с персиками» с импрессионизмом. Но именно это и позволяло художнику воссоздать «тот самый момент» и передать свое впечатление от него, что и является главной идеей классического импрессионизма. Они изображают один и тот же мотив. Мы знаем от Матисса, что Морозов, приезжая к дилеру в Париже, говорил: «Покажите мне лучших Сезаннов» – и делал выбор среди них. Даже собиралась ехать в Калугу специально, чтобы увидеть эту картину (люблю Ярошенко) Но всё-таки после посещения выставки осталась некая неудовлетворённость.

И вот эту задачу, похоже, щукинские полотна таки решили.

Русские импрессионисты – реферат

Nabis от др. -евр. Она не высохнет и будет пригодна к использованию в дальнейшем. И вот эта вот неслыханная простота Щукина совершенно покорила – он захотел такую же, результатом чего была картина «Игра в шары», колористически и с точки зрения рисунка очень близкая к картине Остхауса, где черепахи уже не было и были три мальчика, которые катают шары, как это принято на Юге Франции. Я хочу, хочу отрадного и буду писать только отрадное. Но процесс не остановился.

В общем, это вино будет примерно тем же, которое мы могли бы попробовать в самой Франции. И цены за непривычную, вопиющую живопись выглядели издевательством.

Он воплощал тот результат индустриального городского развития, который приводил к отрицанию важнейших человеческих ценностей. Никакие новые технологии не могут отменить способности людей визуально воспринимать окружающую реальность. Но мне кажется, что одна из реакций на эту статью, комическая и как бы маргинальная, тем не менее помогает нам определить, что же такое было слово и понятие «импрессионизм» для русского человека в 1890-е годы. Оскудевает содержание, понижается и достоинство исполнения». Это прежде всего Александр Мерсеро, который писал под псевдонимом Эсмер-Вальдор.

Им ни разу не пришел в голову вопрос: можем ли мы вас научить тому, что вы еще не знаете. А Мане уж давно знаменитость». Если мы посмотрим, что Бердяев через несколько лет напишет о футуризме, мы с легкостью сможем подставить вместо слова «футуризм» имя Пикассо и мы получим практически тот же самый текст. То есть люди, отделившиеся от основной массы. Хрестоматийные представления о классическом французском импрессионизме в картинах русских художников претерпели некоторые изменения, в результате которых направление приобрело ярко выраженную национальную специфику.

И вот эти выставки переворачивали представление европейца о современной живописи. И воздействие это, в общем, воспитательное, преобразующее. Его знаменитую «Девочку с персиками» до настоящего времени считают эталоном отечественного портретного импрессионизма. Можно было бы сказать «национальными корнями», если бы слово «национальный» не относилось напрямую к культуре Нового времени, а именно под культуру Нового времени, в донациональную, племенную почву уходили интересы русских будетлян. И дальше делает парадоксальное замечание: «Однако ж что это значит.

И «Мир искусства» с его модернистским происхождением, с его укорененностью в ар-нуво, в стиле модерн и символизме, с его открытостью современной европейской живописи и особенно авангард, отцами которого были Сезанн, Ван Гог и Гоген, воспринимались теперь и осознавали сами себя как явления, с одной стороны, русские, обладающие миссией с точки зрения будущего русского искусства, а с другой стороны – как явления, причастные общемировому процессу, французские по своей генеалогии. И Плетнёв, что называется, закусывает удила и с остервенением начинает писать «зеленый подбородок», так как при зеленой траве, освещенной солнцем, он и не может быть другого цвета. Это очень редкое качество. В 1904 году петербургский журнал «Мир искусства» перестал выходить.

И она есть в их искусстве, эта сила. И Матисс предлагал радикальное, революционное решение, основанное на тотальном опрощении. Для него характерна большая нагруженность смыслом и меньшая по сравнению с французским городским вариантом динамизация, что определяет его «деревенский» характер и т. н.

Русские импрессионисты в Русском музее (мои записки из серии Сам себе экскурсовод)

Работ чисто импрессионистских откровенно мало. Эта коллекция создавалась не без советов его друзей-художников.

Если бы сначала прочитала танину статью, понравилось бы больше. Те, кто в свое время представлял художественную молодежь, радикальную и мы помним симпатию Репина к импрессионистам, сейчас являются ядром художественного истеблишмента, который обвиняет молодежь в коммерческом интересе, шарлатанстве, а себя представляет защитником высокого и чистого национального искусства. Как известно, зародился импрессионизм во Франции. Нас будет интересовать аргументация. Напоминаю, что одно из центральных слов художественной и литературной критики этой поры было «декаданс», «упадок».

1. Русский импрессионизм: 5 выдающихся художников
2. Приключения Моне, Матисса иПикассо вРоссии
3. Современный импрессионизм: картины, на которые стоит обратить внимание
4. ИМПРЕССИОНИЗМ КАРТИНЫ СОВРЕМЕННЫХ ИМПРЕССИОНИСТОВ – КУПИТЬ КАРТИНУ ИМПРЕССИОНИСТА ГАЛЕРЕИ
5. Музей русского импрессионизма в Москве
6. ИМПРЕССИОНИЗМ В РУССКОЙ ЖИВОПИСИ
7. Русский импрессионизм – это красиво

Impression — впечатление) впервые употребилне слишком авторитетныйкритик журнала «Le Charivari» Луи Леруа в качестве язвительного заголовка для своего фельетона об этой выставке. Каждый из них имеет четкий сюжет и наполнен драматичным переживанием. Эта ситуация отражает реальность. До «Мира искусства» русская художественная школа – одна из многих европейских школ, следующих своей традиции, решающая свои локальные задачи, участвующая в международных выставках.

Схожий творческий путь прошел и Н. Богданов-Бельский. Сильвестр Щедрин был одним из первых художников, кто начал писать природу с натуры.

В собирательстве современной западной живописи публика видела крайнюю степень экстравагантности знаменитых своими причудами московских купцов. Он, в сущности, говорит о том, о чем говорят в это же время русские филологи-формалисты. И его можно понять, так как «Золотое руно» поначалу особенно было символом всего того, что претило утонченному петербургскому эстету. Например, если бы гипотетический читатель «Весов» не открывал никакого другого издания, он был бы твердо убежден, что главный художник современности в Европе – французский символист Одилон Редон, настолько большое внимание журнал Брюсова уделял ему.

В 1914 году по понятным причинам из-за начала мировой войны, Сергей Иванович, как и Иван Абрамович, перестает покупать картины за границей – там остаются заказанные вещи, такие как, например, матиссовские «Красные рыбки» из Центра Помпиду или матиссовская «Женщина на высоком табурете» из Музея современного искусства в Нью-Йорке. Наше знакомство с Матиссом началось в 1904 году, когда журнал «Мир искусства» благодаря Игорю Грабарю опубликовал репродукцию его ранней картины «Десерт» 1897 года. Я почувствовала, что дело тут не в самих картинах, а в их сопоставлении.

1. Серов, Коровин и Поленов снимают маски: русский импрессионизм покоряет Венецию
2. Музей русского импрессионизма: описание, коллекции и интересные факты
3. Наш ответ французам: 10 картин из нового Музея русского импрессионизма
4. Музей русского импрессионизма, Москва: отзывы
5. Импрессионизм не французский, но русский: Музей русского импрессионизма в Москве

«Хочешь не хочешь идти по нему – заставят, потащат», – пишет он. Но Морозов, как мне кажется, в долгу не остался. Серебристое здание Музея русского импрессионизма находится на территории кондитерской фабрики «Большевик». Дега как истинный импрессионист не дал цельных картин.

Исключительно важную роль в знакомстве русского художественного мира и русского читателя с современным художественным процессом, в выстраивании системы новых приоритетов, в объяснении русскому человеку, откуда берется современная живопись, сыграл символистский журнал «Золотое руно». И здесь надо отдавать себе отчет в стратегии Дягилева и в стратегии «Мира искусства». Два пейзажа из коллекций Щукина и Морозова. И сам Щукин, мы знаем по воспоминаниям, не без гордости показывал новоприобретенного Гогена, говоря собеседнику: «Сумасшедший писал – сумасшедший купил».

• Музей русского импрессионизмаХудожественный музей вМосква
• Русский импрессионизм во второй половине 20 века
• Русский импрессионизм и его особенности
• 10 картин из нового Музея русского импрессионизма
• Журнал счастливого путешественника /
• Канон, живопись и Парижский салон

Его работа «Портрет хористки», написанная в 1883 году, стала первой ласточкой импрессионизма, которая произвела на отечественных художников большое впечатление. Различной была их финансовая стратегия их способы выбора. Собственно, там он впервые и применяет образы, связанные с религией и демонизмом.

Там он учился в пейзажном классе сначала у Алексея Саврасова, затем у Василия Поленова. Декоративная эстетика этой поры – одна из центральных художественных и социальных проблем. Что не менее важно, может быть, более важно: впервые на этой выставке были публично показаны в России произведения Сезанна, например «Портрет мадам Сезанн в желтом кресле» из Чикагского художественного института, Гогена и Ван Гога. А вот к началу 1910-х годов две основные борющиеся силы, конфликт которых, собственно и был двигателем развития русского изобразительного искусства в эту пору, а именно модернисты (то есть традиция «Мира искусства» и художников, которые группировались около петербургского журнала «Аполлон») с одной стороны и авангардисты (условные футуристы) с другой, – обе эти силы обладали западной художественной генеалогией.

• Камиль Писсарро: воздух, пленэр и импрессионизм
• Клод Моне и Руанский собор: импрессионизм, картины, фото
• Музей русского импрессионизма на фабрике Большевик
• Отличия от французского импрессионизма
• Невероятные приключения русских в Италии

Очень мило и весело. Сам процесс усвоения импрессионизма в России был очень драматичен.

Успех этой стратегии заключается в ее двойственности. «Бубновый валет» вообще организация живописцев, ребят не очень разговорчивых и образ «Бубнового валета» формируется в русской традиции поначалу скорее оппонентами этого течения и критиками, которые подчеркивают то, что им кажется недостатками, а сами художники, как правило, остаются молчаливыми – они относительно мало публикуют текстов. И существуют две версии, мы вправе выбрать ту, которая нам кажется более симпатичной. Но конечно, кульминация этих покупок – это «Танец» и «Музыка».

Получилось так, что футуризм в России приобрел сенсационную известность. Этот манифест несловесный. Очень большое искушение, проблема для русского зрителя.

• По усам текло, а в рот не попало
• Самое интересное в виде мозаики
• Музей русского импрессионизма: как добраться
• Словари и энциклопедии на Академике
• Музей, посвященный отечественному искусству конца и века
• Лучшие музеи для детей в Москве
• Афиша — самый удобный способ выбрать, как провести свободное время

И однажды эта лакуна заполнилась абсолютно выдающимся полуабстрактным поздним Сезанном – картиной, которая известна как «Голубой пейзаж» и находится сейчас в Эрмитаже.

Нет. Брюсов категорически отстаивал абсолютную свободу художника. И далее: «Можно ли питать такие же надежды Западу, я не знаю: там не только на искусство, но на все общество и государство надвигается другая гроза, несравненно более страшная и вконец разрушительная, – гроза социализма, от которой у нас, русских, есть все средства избавиться». Смотрится очень современно и как-то неожиданно на территории фабрики.

• Еженедельная рассылка «Афиши» — коротко о лучших развлечениях недели
• Импрессионизм в русской живописи конца – начала веков
• русский импрессионизм серов стилистический
• Ещё документы из категории художественная культура
• В Музее русского импрессионизма

Причем там, где Брюсов отстаивал идею совершенной свободы художника от общества, «Золотое руно» пропагандировало идеи мистического анархизма, реалистического символизма и разработанной Вячеславом Ивановым концепции соборного творчества, которая пыталась примирить интеллигентскую индивидуалистичность и национальные и социальные задачи, стоявшие перед русским обществом. Это медленное, но очень логичное избывание провинциальности. Это нужно хорошо себе представлять для того, чтобы понять революционные потенции авангарда, понять, насколько велики достижения этих художников и насколько эти достижения связаны с попыткой преодоления своего униженного положения.

С коллегами-импрессионистами Эдуард Мане никогда не выставлялся, считал, что его поле боя – пресловутый Салон. Импрессионизм так или иначе усваивается, так или иначе впитывается, так или иначе отрицается. Еще дальше пошел Александр Иванов.

И вот это ощущение ненужности художника от момента непроданной картины до экзистенциальной проблемы художнического одиночества, отчуждения исключения из прагматичного буржуазного общества, это переживание требовало от искусства решения фундаментальной задачи – возвращения искусства в жизнь. На таких выставках выделялось, безусловно, ядро самых авторитетных и успешных художников, столпов национальной художественной школы и то, что называлось тогда в немецкой критической литературе «художественный пролетариат» : десятки безымянных мастеров, от продажи на выставке зависело их будущее – и очень часто буквально. У меня есть ощущение, что за нее отчасти отвечает Александр Бенуа. Эту проблему русский художественный мир медленно решал – и, к его чести, решил успешно. Собственно, у Щукина в его большом дворце не было много места для картин: коллекция разрасталась.

Но это скорее исключение, которое подтверждает правило. Морозов собирал вещи экстра-класса и одновременно характерные, вещи с такой биографией.

Помимо Мерсеро, на страницах «Золотого руна» публиковались статьи Шарля Мориса, это символистский литератор, который был фактически соавтором Гогена в его знаменитой книге «Ноа Ноа», к этому моменту быстро приобретающей статус культовой, поскольку она воплощала драгоценные для европейского человека индустриальной эпохи идеи первобытного эскапизма, побега к естественному человеку в первобытный рай. Характерные для данного этапа творчества картины «Днепр утром» (1881) и «Север» (1879). Окно Валентина Серова – это этюд. Но нет, оказывается: он бретонскую деревню отражает с такой же примитивностью.

Одной из самых известных работ Пименова становится картина «Новая Москва» 1930х годов – светлая, теплая, будто написанная воздушными мазками Ренуара. И третьим важным участником «Золотого руна» с французской стороны был художник Морис Дени. После путешествия по Италии Валентин Серов возвращается в Абрамцево, где и создает свое самое известное и действительно «отрадное» произведение «Девочка с персиками», на котором изображена старшая дочь Саввы Мамонтова Вера. «Пименов любит Москву, ее новь, ее людей. И тут художник, только что переживший инициацию, признавший себя импрессионистом, говорит: «А это, тетуля, нечто вроде жупела, только страшней».

На самом деле Бенуа, конечно, описывает то, что уже творится на русских выставках. Недолго художник предавался беззаботной радости смотрения ему пришлось вскоре вернуться к горькому размышлению. И главным ответом авангарда стала первая в мире монография о Пикассо, вышедшая по-русски в 1917 году в Москве, в футуристическом издательстве «Центрифуга».

В 1904 году Валерий Брюсов, претендовавший на роль, в сущности, единоличного лидера русского символизма, стал издавать в Москве журнал «Весы». Он придумал в диалоге с Ларионовым такое явление, как всёчество. «Мир искусства» в общем объединение, скорее разделяющее ценности ар-нуво, югендштиля, того, что мы называем стилем модерн, нежели импрессионизма и постимпрессионизма.

Дело в том, что от внимания исследователей, которые, начиная с Анатолия Подоксика, еще в конце 1970-х годов обратили серьезное внимание на русскую дискуссию о Пикассо, ускользает его статья, первая большая русская статья о Пикассо, опубликованная в конце 1912 года на страницах газеты «Речь», в заглавии которой Пикассо не упоминается, но именно о его произведениях в коллекции Щукина и говорит Бенуа. Вторая выставка «Золотого руна», в которой участвовали современные западные художники, прошла через год, в январе и феврале 1909 года. В Музейном комплексе 5 этажей (более тысячи квадратных метров), на которых находятся помимо выставочных залов, мультимедийный кинотеатр, книжный магазин, учебная студия.

Дети слушали с большим интересом, возможно потому, что невольно сами участвовали в нем). Однако до известного рубежа им было по пути. Как мы понимаем, это история постоянной дружбы, вражды, соревнования и конкуренции. «Танец» и «Музыка» помещаются Щукиным на лестнице своего особняка, то есть в публичном пространстве.

Для русского импрессионизма характерна нагруженность смыслом и меньшая динамичность изображаемого, что делает его несколько «деревенским». Но это тоже знак того, о чем писал Добужинский: в художественном сознании на фоне политических перемен происходит очень важный концептуальный переворот – новая живопись выстраивает свою иерархию, свою последовательность и выявляет логику развития. Единственное, показалось, что маловато Хотелось бы увидеть побольше работ. И в этом отношении роль «Золотого руна» действительно парадоксальна. Однако русский импрессионизм имеет четко выраженную национальную специфику.

Творчество Пименова еще раз доказывает, что у всего «русского», привезенного из других стран, свой особенный и уникальный путь развития. От произведений членов группы французских живописцев «Наби», чьи изысканные декорации украшали квартиры французских буржуа или особняки французской аристократии, его отличает предельная, первобытная простота, но на самом деле он успешно решает ту же самую задачу. Оба живописца были в курсе страстей, разразившихся вокруг молодых французских новаторов. Замысел пожирал его.

Надо сказать, что этот образ Пикассо-демона был исключительно влиятелен. Восход солнца».

Но это еще и была борьба, безусловно, за лидерство в русском авангарде. Но только это живопись для живописи. О красоте вообще мало было разговора и даже совсем забыли о ее существовании.

Это человек, который был одним из центров «Кретейского аббатства» – своего рода коммуны в окрестностях Парижа, которая объединяла таких литераторов, как Жорж Дюамель, Шарль Вильдрак, Жюль Ромен, Рене Аркос и других. Это была очень маленькая выставка, восемь картин. Ведь он никогда до этого работ импрессионистов не видел.

И Клода Моне, хорошего, действительно было достаточно много и у Щукина и у Морозова. Вместе с тем Матисс познакомился с московской художественной жизнью и московскими музеями. Я могу привести еще и еще примеры подобного рода вызывающего славянофильства. «В начале моего пути я более всего училась у современных французов.

Это разнообразие, прослеживающееся повсюду, – экспансивность Щукина и тихость Морозова, стратегия приобретения, выбор – казалось бы, прекращается там, где мы переходим к списку. То есть и здесь, в несимпатичном ему Пикассо, Морозов сделал совершенно снайперский выбор. Неслучайно Яков Тугендхольд проницательно назвал эту инсталляцию «гогеновским иконостасом».

Он ярок, цветист, экзотичен, вот таким образом привлекателен. Французская публика жаждала экзотики.

Карл-Эрнст Отсхаус заказал Матиссу большую картину «Три персонажа с черепахой». Девушка показана здесь и сейчас, в конкретный мимолетный момент времени. О том, как мы не купили «Бар в Фоли-Бержер» я уже рассказал, но, видимо, дело еще в том, что идеальным импрессионистом для русского зрителя и русского собирателя был не Эдуард Мане, а Клод Моне.

Собственно говоря, русский неопримитивизм, сформированный Ларионовым, Гончаровой, «Бубновым валетом» и решает эту проблему. Мы знаем, что Матюшин с его теорией «Зорвед» – знающего зрения – в общем исходил из того, что человеческая природа, физическая природа в высшей степени сейчас не развита и именно через искусство, через новый перцептивный опыт мы в состоянии выйти из тех пределов трехмерного мира, которые нас ограничивают и сдерживают. К тому же он во многих моментах не совпадает с классическим французским импрессионизмом. Схожи и списки имен, которые составили их коллекцию.

Подобный случай в истории живописи далеко не единичный. Получив звание Академика живописи за работы, созданные в реалистическом ключе, он отошел от наследия передвижников и работал в русле импрессионизма («Виртуоз», 1891 «Вечер («Удильщик»)», 1925). Другое дело, что «Мир искусства» постоянно сталкивался с финансовыми сложностями и потому такая международная выставка осталась, в сущности, единственной. Музей П. И. Щукина».

С первого взгляда пронизанная светом картина покоряет свежестью и непосредственностью. Но эти совершенно авангардные качества полотен прямо связаны с тем, что они представляют собой монументально-декоративное панно. Если французские импрессионисты старались сделать упор на впечатлении, то их русские коллеги добавили отображение внутреннего состояния мастера. Результатом этого проекта, этого заказа являются два огромных полотна – «Музыка» и «Танец», которые сейчас хранятся в Эрмитаже в Петербурге, но изначально они были написаны для особняка Сергея Ивановича Щукина в Москве.

Морозов покупал тех же художников, но выбирал другие вещи. «Золотое руно» смогло привлечь к сотрудничеству несколько очень важных французских критиков. Его друзья – великие мастера Сезанн, Дега, Гоген. Когда мы говорим о русских авангардистах, само собой выскакивает слово «футуризм». Ну например, простое слово plan, которое могло означать «плоскость», «поверхность», «фрагмент пространства», он передает как «неизвестное измерение».

«Impression, soleil levant». Это было важно вот почему: если в конце XIX века, когда на авансцену вышел петербургский «Мир искусства» и новое поколение русских модернистов, они позиционировали себя как западное явление в русском контексте их оппонентами были передвижники, которые к тому моменту русской публикой осознавались как большое русское национальное искусство.

«Гора Сент-Виктуар», написанная за несколько десятилетий до этого Сезанном и приобретенная Морозовым, – это уравновешенная, классически спокойиная, ясная картина, напоминающая о пожелании Сезанна переделать Пуссена в соответствии с природой. Лучше всего, мне кажется, о их разумении проблемы говорит манифест «Бубнового валета». Он создает декоративный ансамбль, который воздействует на человека эмоционально.

Далёкие предшественники импрессионизма — уже художники Древней Греции и Рима, например, мастера т. н. «фаюмского портрета», I-IV в. в. В 1890-х гг. Русские авангардисты были свободны от культурной традиции. На этой выставке было восемь картин Дега, восемь картин и пастелей, среди которых по-настоящему выдающиеся: например, хранящаяся сейчас в Вашингтоне «Гладильщица», «Экипаж на скачках» из Бостонского музея, «Жокеи перед скачками» из музея Вирджинии, – которых давший их на выставку Дюран-Рюэль Поль Дюран-Рюэль (1831 – 1922) – один из первых французских собирателей импрессионизма. Художник может не ограничиваться только работой в помещении, а рисовать на свежем воздухе. В начале 1910-х годов на лестнице его особняка, то есть в почти публичном пространстве, тоже появляется триптих работы Пьера Боннара «У Средиземного моря». Но современник говорит о некоем разочаровании.

Это исток современного искусства. Он не выставлялся, как и его соратник по созданию кубизма Жорж Брак, в больших Салонах: его не было ни в Осеннем салоне, ни в Салоне Независимых. Я хочу, хочу отрадного и буду писать отрадное.

Это был «Стог сена» Клода Моне, который сейчас хранится в музее Цюриха и который встретил ехидные отклики русских критиков и очень невнятную реакцию художественного сообщества. Если Щукин такой собиратель-однолюб, очень редко возвращающийся к тому, что он уже пережил (исключением были покупки в 1912 году импрессионистов у брата), то Морозов – это человек, который собирает очень размеренно и стратегически.

Там написано «monsieur Chtchoukine Moscou».

первые серьезные работы создает В. Э. Борисов-Мусатов. Путь к русскому читателю Матиссу проложил символистский журнал «Золотое руно». Все эти обстоятельства – новое видение и новое знание – породили новый живописный язык.

И таких работ в музее русского импрессионизма около 80. Кубистические произведения пугали своим новым обликом. Оказывается, новая идеология искусства обусловлена техническим прогрессом. «Не знаю, что такое слово значит. «Новая Москва» Пименова как раз великолепно отражает социальные изменения в жизни города, которые всегда вдохновляли художника.

Более того, его не особо интересовало искусство за пределами Франции. От искусства, которое наблюдает природу и пусть примитивно, пусть аляповато, пусть намеренно провокационно ее переносит на холст, художник шел к конструированию художественного объекта, обладающего собственной логикой, собственным бытием и очень опосредованно связанного с действительностью. Для того чтобы объяснить эту живописную эволюцию, для того чтобы объяснить, что художник-кубист, замыкающийся в мастерской, ставящий перед собой модель или натюрморт и превращающий модель и натюрморт в некую причудливую космогонию, где якобы есть свои внутренние логические принципы, для того чтобы это постичь, были привлечены философские аргументы.

Здесь мы сталкиваемся с очень интересным феноменом – феноменом троянского коня, который будет повторяться в истории восприятия зарубежного искусства в России не раз. Не через прямое влияние – хотя оно будет. И это явление стало интернациональным.

И мемуаристы оставили впечатляющее описание этих экскурсий. Матиссовские «Танец» и «Музыка», отрицая очень многое в живописном языке, в живописном словаре, так и не подвергают сомнению центростремительную идею композиции, структуры отчетливой, ясной, в сущности, геометрической.

Его «Прачки», «Радоница», «Северная деревня» наполнены светом и воздухом, которые сохранились в стиле его письма, устояв под натиском революционных перемен. Когда Игорь Грабарь писал свой обзор современного искусства за последние 50 лет, сидя в Мюнхене и перелопачивая колоссальный объем информации, абсолютно неизвестной для русского человека в ту пору, он, например, написал, что в Салоне 1865 года Эдуард Мане выставил картину «Девочка с кошкой».

И это страшно важное место, так как входящий в щукинский музей человек сразу получает очень отчетливый камертон: все, что затем начнется после «Танца» и «Музыки», будет восприниматься через призму «Танца» и «Музыки», через призму максимально радикального на тот момент художественного решения. Картина получилась невероятно воздушной и свежей. То есть некое искажение перевода, как показала довольно давно уже Линда Далримпл Хендерсон изучавшая проблему четвертого измерения в искусстве ХХ века, довольно простым категориям французских живописцев он придал намеренно туманный смысл, который позволил ему, пользуясь материалом книги «О кубизме» и материалами книг ученых, поставленных вместе, в сущности сформировать собственную идею искусства, которая преодолевает ограниченность трехмерного мира, уходит в трансцендентное пространство и потенциально способна активизировать человеческое мировосприятие. И вот тут действительно футуристам приходится бороться за национальную независимость. Эта проблема – нарастающий распад целостности.

С первого взгляда пронизанная светом картина покоряет свежестью и непосредственностью. Игорь Грабарь не без иронии пишет в своих воспоминаниях, что Сергей Иванович Щукин любил, потирая руки, говорить: «Хорошие картины дешевы». «Что за иностранная саранча налетела на тощую ниву русского искусства. Чёрные, коричневые и серые цветовые тона в общем игнорируются, не включаются в палитру. держал не просто в собственной галерее – они висели у него в личной квартире. Тут нужно пояснить вот какие вещи.

Вот лишь 7 картин музея, перед которыми однозначно стоит задержаться. Более того именно Коровина часто называют родоначальником нового направления в России. И в этом отношении Маковский оказался чрезвычайно прав. Мало того что журнал по структуре своей напоминал современные европейские художественные журналы, мало того что он включал литературный и художественный отделы, его диапазон охвата был чрезвычайно широк: и русское искусство и русская икона, русская деревянная архитектура, русская крестьянская мебель занимали издателей «Мира искусства» не в меньшей степени, чем современные художественные западные явления. Надо сказать, что он держался стоически, ему, кажется, нравилось. К тому же, они стремились завершить картину за один сеанс.

В Абрамцево, где располагалась усадьба Мамонтова и где собирались члены художественного кружка, Коровину посчастливилось познакомиться и работать с Валентином Серовым. Но то, что повсюду, то вызывает меньше всего внимания.

Что это за перемены – не знает пока никто». А относительно московских купцов злые языки говорили, что Щукин тронулся. И организаторы ставили своей задачей «ярче осветить особенности развития молодой русской живописи и ее новые задачи подчеркнуть черты развития, общие русскому и западному искусству Здесь – преодоление эстетизма и историзма, там – реакция против неоакадемизма, в который выродился импрессионизм». В общем, для того, чтобы посмотреть на живопись Пикассо, нужно было ехать, допустим, в Мюнхен или в Берлин, где он принимал участие во временных выставках смотреть его произведения на таких громадных экспозициях, как Sonderbund в Кёльне в 1912 году или «Armory Show» в Нью-Йорке в 1913-м, ну или, наконец, приехать в Москву, прийти к Сергею Ивановичу Щукину и посмотреть на Пикассо там, так как Щукин купил свыше 50 произведений этого художника.

Частный же музей работал с 1895 года. Константин Коровин по эстетике своих работ был наиболее близок к импрессионистам. Самый процесс восприятия воздействует на результат. Как-то его учитель Василий Поленов воскликнул А вы, оказывается импрессионист.

Это время очень активной интернационализации художественной жизни. И это был такой мостик для московских собирателей в Париж. Повешенная рядом дюжина картин Гогена представала как нечто целостное, как фреска. Это и есть прорыв. «Девочка с кошкой» – это «Олимпия».

Мы просиживали целые вечера, обсуждая отдельные положения, составляя новые аргументы». С Пикассо у Щукина таких отношений не сложилось – у него был роман с его живописью.

Осенью 1873 года они обосновались в Париже. На самом деле Матисс ведь говорит здесь об одной из первозданных функций искусства, которая и реализуется целостным интегральным живописным ансамблем. И вот цены на картины Дега были для русского рынка абсолютно астрономические.

Вот его базовый принцип: «Свойство материала определяет роль художественного произведения и управляет всем творчеством артиста». Сюжет абсолютно непонятен: три персонажа, три человекообразных существа – там даже с полом есть некоторые неопределенности – кормят черепаху или играют с ней. Станковая живопись олицетворяла отчуждение современного человека. Например, «Семейный портрет» изображающий членов семьи Матисса «Разговор», который является портретом Матисса и его супруги некоторые другие вещи и, наконец, последний Матисс, купленный Щукиным перед войной, «Портрет госпожи Матисс» 1913 года, за 10 тысяч франков тоже. Русский читатель узнал об этом проекте из статей Александра Мерсеро и затем Александра Бенуа. Практически одновременно он писал жанровые работы («По знакомым», 1892 «Белошвейная мастерская», 1890, «Босяк», 1895) и проникнутые лиризмом и стремлением передать впечатление от увиденного «Осень» (1893), «Купальни» (1899), «Перед вечером» (1902). Эту хронику вело несколько человек.

И здесь первостепенна заслуга Сергея Дягилева. Сравнение ее с работой Клода Моне 1876 года Любительница чтения (Луг) показывает, как своеобразно трансформировалось французское влияние. Ну, Александр Родченко, наверное.

В сущности, они собирали практически один и тот же ряд мастеров.

Но, как хорошо показала Глория Грум в своем исследовании декоративной эстетики начала столетия, триптих Боннара, ориентирующийся на японскую ширму, на самом деле подвергает сомнению базовые принципы европейской живописи в гораздо большей степени, чем матиссовские «Танец» и «Музыка». Вместе с картинами Матисса в Россию пришла его репутация – репутация лидера молодого поколения, к которому очень быстро прилипла кличка «фовисты», то есть «дикие звери». Тогда же имя художника стало появляться в русской прессе. Картина В парке создана, когда Коровин ещё был студентом Московского училища живописи. Искусство должно формировать среду. Например, на картине «Площадь святого Марка в Венеции», написанной в Италии, куда отправился Серов в в 1887 году в связи с тяжелой болезнью, преобладают холодные серые тона, что дает нам представление о состоянии художника. Залогом был их национальный дух и интернациональный изобразительный язык.

Но всё равно рада, что сходила. в Москве. 1890-е годы – это была пора, когда русский художественный мир начал открываться Западу. Еще Дмитрий Владимирович Сарабьянов показал, что для значительной части русских авангардистов в начале ХХ века имя «импрессионист» было синонимично тому явлению, которое затем стало описываться понятием «футурист» или «авангардист» и что многие русские авангардисты прошли в своем очень быстром становлении стадию импрессионизма. Именно с этой точки зрения именно в этом аспекте мы понимаем новаторство «Мира искусства» и блестящую стратегическую интуицию Сергея Дягилева.

Из немецкого языка история искусства заимствовала выражение, которое, в общем используется без перевода – Gesamtkunstwerk, то есть целостное интегральное произведение искусства, в котором различные художества действуют солидарно, но сверхзадачей является преображение человеческой души и человеческой натуры. Дело в том, что русский футуризм был чрезвычайно озабочен своими корнями. И в дальнейшем на выставках русского авангарда первой половины 1910-х годов, прежде всего выставках «Бубнового валета», некоторые кубистические работы появлялись.

Итогом работы стало изображение молодой девушки, стоящей на веранде в цветущем саду. И все искусство, которое можно воспринять как искусство эволюции, пойдет под знаком революции. Он сказал: «С каких пор, Павел Михайлович, вы стали прививать вашей галерее сифилис. » При всей брутальности этой формулировки Маковский попал в десятку.

Но Грингмут в конце своего текста исключительно высоко повышает ставки. Франция в середине XIX века – безусловный художественный лидер. «Весы» были журналом поджарым, элегантным и космополитическим.

Художник считается одним из идеологов импрессионизма. Открытия французского импрессионизма могли лишь ускорить назревший процесс. В 1900 году в Париже состоялась Всемирная выставка, которая подвела итог столетию. Я заново открываю путь на Восток и по этому пути, уверена, за мной пойдут многие.

Ларионов в одном из своих текстов написал: «Поль Сезанн, художник, жил при Рамзесе II». Огорчило то, что все картины импрессионистов — из собрания ГМИИ. Один из вопросов – откуда взялась эта метафорика. Борьба за интерпретацию искусства Запада одновременно была и борьбой за Восток.

Русские мальчики, как говорил Достоевский, вернут тебе карту звездного неба исправленной. И здесь он тоже был пристрастен, так как целые периоды творчества Пикассо прошли мимо его внимания, но радикализм примитивного Пикассо превышал все остальные пределы. Короче говоря, всё очень понравилось. Эти слова Бенуа были опубликованы газетой «Речь» в феврале 1911 года.

Таким образом, ядро нового поколения ассоциирует себя в русском контексте с Западом. Константин Алексеевич Коровин родился в 1861 году. Но гораздо важнее, что футуризм для русского сознания стал символом кризиса эпохи. Как бы то ни было, «Золотое руно» сделало поразительную вещь.

«Мир искусства» – это выставочное объединение, но это одновременно и журнал, журнал, который сыграл колоссальную роль в знакомстве русского культурного общества с современным западным искусством. О мастере читайте подробнее в статье Константин Коровин. Причем это очень произвольный выбор, личный, так как, например, в 1912 году в Петербурге выставлялась и продавалась за очень большую сумму – 300 тысяч франков – величайшая картина импрессионистической эпохи «Бар в Фоли-Бержер» Эдуарда Мане. Острое неприятие публики вызвали его полотна «Олимпия» и «Завтрак на траве». Это были в основном представители так называемой вельской группы, русской колонии художников во главе с Алексеем Боголюбовым.

Что касается русских людей идеи импрессионизма им были близки всегда. Именно так и друзья и враги нового искусства зачастую описывали его. Наш импрессионист. Отзывы на Матисса в русской художественной среде полярны. Одним из полемических ходов в защите от обвинений в заимствованиях и эклектике, а мы знаем, что и Ларионов и Гончарова были художниками почти такими же многоликими, как Пикассо, была остроумная идея, которую сформулировал летом и осенью 1913 года Илья Зданевич.

Теперь краску в свинцовой тубе можно закрыть крышкой и отложить. Но прямое влияние – это не самое интересное. И Матисс в галерее Остроухова видит эти вещи, приходит от них в восторг и в нескольких интервью говорит, в частности, что из-за этих икон стоило ему приехать и из более далекого города, чем Париж и что эти иконы выше теперь для него, чем Фра Беато Анджелико – один из самых утонченных изысканных, простодушных и популярных в конце XIX – начале ХХ века художников флорентийского раннего Ренессанса. В них нет ничего.

Вопреки канонам стремительного импрессионизма, Серов писал картину ежедневно около трех месяцев, чем, по его собственным словам, «измучил двенадцатилетнюю Верочку». Когда в 1889 году Павел Михайлович Третьяков приобрел картину молодого Серова «Девушка, освещенная солнцем», Владимир Маковский, один из отцов передвижничества, знаменитый жанрист-рассказчик, на публичном обеде передвижников задал Третьякову вопрос, который можно истолковать как хамский. Надо сказать, что именно в 1906 году состоялось событие, к которому «Золотое руно» прямого отношения не имело, но которое действительно знаменует первый очень важный и решительный шаг похода на Запад: Сергей Дягилев организовал в Осеннем салоне огромную ретроспективу русской живописи. Уже в России Репин написал вторую работу в этой технике – «На дерновой скамье». То есть в футуризме художественном с его любовью к скорости, энергии, без морального контроля, без понимания трансцендентности мироздания, в футуризме, в культе будущего русское художественное сознание (особенно критически настроенное по отношению к артистическому эксперименту) видело очень дурной знак – знак пришествия новой цивилизации, для которой христианские и гуманистические ценности – пустой звук. Дело в том, что набравшее силу к этому моменту движение, выросшее из «Мира искусства», – художники и критики, сплотившиеся вокруг петербургского журнала «Аполлон», которых мы можем назвать русскими модернистами в противовес русским авангардистам, которые тоже в этот момент выходят на авансцену, – стремились перестроить русскую национальную живописную традицию, объединяя новаторство и историю.

И футуристы декларировали свою ненависть к музеям. Вот таким образом выставка в Grafton Gallery в Лондоне, организованная Фраем, называлась «Мане и художники-постимпрессионисты». Это живопись, которая говорила сама о себе собственным языком. И вот «Наби», что по-еврейски означает «пророки» – это сознательно принятое на себя имя, – по-разному решали эту задачу интегральной художественной среды. Все знают импрессионизм американский, английский. В парке.

«Официальной» точкой отсчета в его существованиисчитается выставка «Салон Отверженных», которую гениальные французские художникиорганизовали весной 1874годав мастерской фотографа Надара — в противовес официальному «Парижскому салону». Ну, например, в 1876 году Эмиль Золя, в ту пору молодой непризнанный литератор, был парижским корреспондентом влиятельного либерального толстого журнала «Вестник Европы», на страницах которого напечатал раньше, чем по-французски, свой литературный манифест «Экспериментальный роман». Как же так получилось, что веселый и беззаботный юноша (каким он представлялся окружающим) достиг новых, небывалых высот в живописном мастерстве. Милая небрежность и незаконченность только радует глаз. Она называлась Первая международная художественная выставка.

Неслучайно в одном из первых разговоров о проекте он упомянул, что этот ансамбль должен регулировать эмоции человека, поднимающегося по лестнице. «Лет семь или восемь тому назад русская живопись переживала хорошее, бодрое время. Более того, в русском художественном пространстве не было и музея, который отважился бы выставить современную радикальную живопись. Чтобы не расплескать впечатление. Считается, что в живописи импрессионизм неизбежен.

Как эпизод. И вот этот вот революционер-консерватор был одним из важных участников журнала «Золотое руно». Это Сезанн, который уже освобождается от фигуративности. Пленэр стал возможен благодаря изобретению тюбика для красок. Это были Вламинк, Дерен, ван Донген, Ле Фоконье, Марке и другие.

Лев Толстой, великий писатель и религиозный диссидент, в своей брошюре «Что такое искусство. » издевательски говорит о поэзии французского символизма. Здесь отчетливо видны сдержанная серебристо-серая цветовая гамма, тонко передающая тона суровой северной природы, уверенные размашистые мазки, виртуозность передачи световоздушной среды, отсутствие четких деталей образов, «этюдность» и легкая незавершенность, отсутствие французской динамичности и характерная нагруженность смыслом. Работа «Испанки Леонора и Ампара» хранится в Третьяковской галерее.

Здесь отчетливо видны сдержанная серебристо-серая цветовая гамма, тонко передающая тона суровой северной природы, уверенные размашистые мазки, виртуозность передачи световоздушной среды, отсутствие четких деталей образов, «этюдность» и легкая незавершенность, отсутствие французской динамичности и характерная нагруженность смыслом. Он выбирал вещи не просто характерные – он отдавал предпочтение вещам радикальным. На самом деле на выставке Издебского было два полотна Матисса, одно из которых – портрет сына известный под названием «Молодой моряк», – сейчас находится в Метрополитен-музее в Нью-Йорке. Уже в 1903 году картиной «Зимний вечер» был обозначен переход к новой манере письма. Картины отличаются свежестью и простотой, пронизаны тонкой поэтической чувственностью.

Музей однозначно интересный. В этом отношении они схожи. Матюшин сделал странную вещь: в этом переводе он придал французским терминам из книге «О кубизме», достаточно простым, туманное и почти мистическое содержание.

Становление импрессионизма в России имело свою историю. Современные импрессионисты продолжают развивать стиль. У рычагов ее стоял Роже Маркс, один из самых влиятельных музейных деятелей страны.

(Мы знаем, что именно в этом, 1894 году впервые в Академии художеств в Петербурге официально художники стали писать обнаженную женскую модель. ) Между художником и моделью складываются товарищеские отношения: они понимают друг друга, они работают, он пишет ее несмотря на пикантные возможности сюжета, все остается между ними в пределах сотрудничества. Причем первое воспроизведение Сезанна – это даже не репродукция с его работы, это репродукции с картины Мориса Дени «Оммаж Сезанну», «Приношение Сезанну», где изображена группа художников «Наби» «Наби» (фр. Всё это, по мнению обывателей из буржуа и аристократов, неправильно, мелко и буднично.

Очевидно генетическое родство импрессионизма с реализмом. В 1892 году в Мюнхене произошло важное событие.

Молодой Эмиль Золя – чуть ли не единственный, выступивший в защиту. Пьер Боннар к этому моменту менее всего обладает репутацией радикала. Первый номер журнала «Мир искусства» в 1898 году открывался стилизованным в духе модерна, в духе ар-нуво объявлением о смерти «великого французского художника» Пьера Пюви де Шаванна. И вторая вещь, «Музыка», где женский мир сменен стабильным мужским и фигуры эти расставлены словно ноты на нотном стане.

Благодаря усилиям московского историка искусства Анатолия Стригалёва мы теперь знаем абсолютно авантюрную историю того, например, как молодой Владимир Татлин, очень бедный, нуждающийся художник, в конечном счете ухитрился получить «благословение» Пикассо. Последнее, что ты ждешь от этих ребят, – что они будут читать. Они действительно собрали прекрасных импрессионистов. Девушка показана здесь и сейчас, в конкретный мимолетный момент времени.

Тут надо еще отдавать себе отчет вот в чем: импрессионизм, сам язык импрессионистов даже в 1890-е годы для людей из консервативной художественной традиции (а так или иначе практически все национальные школы, включая русскую, в это время были очень консервативны) был настолько сложен и провокационен, что найти для него правильный модус понимания и правильный язык описания было огромной проблемой. Сецессион обладал очень хорошей способностью адаптироваться и дружить с властью. Но мы благодаря современным исследователям и прежде всего итальянскому филологу Даниеле Рицци более-менее представляем себе события, которые привели к появлению этой книги.

Это очень злая и грубая формулировка, но у нее есть и второе дно. В Париже увидеть Пикассо было практически невозможно. Что это было.

Русские открыли импрессионистов довольно рано.

Но это знакомство не вылилось в подражание. А вот русский импрессионизм прошёл незаметно. Я ожидала другого. Но договор этот имел исключения.

В одной из открыток своему другу он написал, что Москва – это такой фовистский город, дикий город московское гостеприимство явно было в лучших своих традициях. Слово «импрессионизм», картины французских живописцев того времени (именно об этом спрашивал Поленов) были ему неизвестны. Поход этот, как ни странно, начинается благодаря Дягилеву через Скандинавию.

На крыше музея – летние террасы. Отказавшись от красочной плотности, художник воплощал на полотнах принцип цветовой прерывистости. Морис Дени был одним из столпов группы «Наби» – движения в постимпрессионизме, которое сформировалось во Франции в конце XIX века и которое нам особенно дорого, так как «Наби» поставило перед собой проблему не социальной функции искусства впрямую, а проблему функции искусства как терапии. Автор видеоинсталляции – американский художник Jean Christophe.

И в этом смысле мне кажется, что морозовский ответ Щукину очень тонкий и очень точный. Однако обретшие название импрессионистыизящно обернули острое перо «акулы» в творческий эпитет, который в итогенавсегда прижился в мировом искусстве. impressionnisme, от impression — впечатление) — движение в искусстве, зародившееся во Франции, началом которого принято считать вторую половину XIX века. Сергей Маковский вспоминал, что на стене коллекции Морозова долгое время было пустое место и на вопрос, а почему вы его держите так, Морозов говорил, что «я вижу здесь голубого Сезанна».

И в этом отношении роль «Мира искусства» колоссальна. И если мы посмотрим на щукинское собрание Матисса, то мы увидим, что «Танец» и «Музыка», самые дорогие вещи, – это панно, а огромные холсты, которые, в общем, конечно, представляют собой не совсем портреты, за каждый из которых Щукин вынимал из бумажника 10 тысяч франков, квалифицируются именно как портретная живопись. Его настойчивая работа на пленэре дала замечательные результаты. «Танец» – это безудержный вихреобразный хоровод женщин, несущийся как бы за пределы этого огромного пространства, синего, зеленого, телесного, где контур играет очень важную роль и контур этот напоминает, если угодно, удар резца первобытного художника. Пикассо действительно в это время уже приобрел некую ауру загадочности.

И это, конечно, очень большое искушение для живописи. Испанец, правда, с темпераментом». В нее входили Морис Дени, Пьер Боннар и др., почтительно столпившихся вокруг натюрморта Сезанна, стоящего на подрамнике.

1880 г. Константин Коровин. Хороший Сезанн – почти старый венецианец и первоклассный Ван Гог недалек от Рембрандта. Но вот на западной почве – а «Мир искусства» с самого начала осознал и сформулировал свои западные амбиции, – на западной почве, в немецких, французских выставочных залах, мирискусники представляли себя как большое, подлинное русское национальное искусство. Как однажды хорошо написал Сергей Дягилев Александру Бенуа, «я хочу выхолить русскую живопись, вычистить ее и, главное, поднести ее Западу, возвеличить ее на Западе».

И, наверное, правы те исследователи литературы, которые говорят о том, что в литературном и теоретическом отношении «Золотое руно» находилось в негативной зависимости от журнала Брюсова. Мы знаем, что самоназвание группы «Гилея» и связанных с ней художников и поэтов – это «будетляне». Даже в собственной среде эти люди были скорее исключением. Дело в том, что «Наби» на исходе XIX века постарались решить ту проблему, которая была осознана романтиками в начале XIX века.

Она была связана и с его творческой эволюцией от абсолютно человеческих, пронзительных, даже сентиментальных произведений «розового» и «голубого» периодов к лишенным какой-либо эмоции композициям кубизма. Мы должны отдавать себе отчет, что среда эта была достаточно узкой. Тем важнее эта статья, тем важнее ее стремительное появление на русском языке. В 1908-м салон «Золотого руна» включил его картины «Прическа», «Терраса в Сен-Тропе», «Герань и фрукты», «Насыпь в Коллиуре» в состав впечатляющей экспозиции французской живописи последних 50 лет. На рубеже 1900 – 10-х годов символом новой живописи стало имя Анри Матисса.

И это непростая и любопытная история. Но Маргарита (так зовут натурщицу) постоянно московского художника подзуживает тем, что у вас уродливая натура, у вас люди не умеют писать свет и солнце. Но очень важно, что художник взял на себя активную роль – не просто аналитика, а синтетика.

Вот, собственно, этот процесс и есть процесс усвоения одной национальной традицией результатов развития другой. Правда, в русских собраниях практически нет Эдуарда Мане.

Я напомню, что в этот момент рубль стоил 4 франка. Эти ведь статьи посвящены были в основном социальным проблемам современного искусства их отношению с публикой, с художественными институциями, проблемам понимания нового художественного языка массой, точнее, образованным обществом, которое ходит на выставки. Не случайно Репин в своих письмах называет импрессионистов реалистами. Импрессионизм предпочитает свет, прикосновение, цветную вибрацию. А Машков едет в это время изучать фрески раннего итальянского Возрождения и здесь очень интересно получается, что для этого поколения нет принципиального различия между тем, что называлось «итальянские примитивы» и живописью Сезанна и Гогена. Я вчера тоже побывала на выставке. Сирень».

Но факт остается фактом: в формировании самосознания футуризма перед Мировой войной центральную роль начинает играть представление себя как авангарда, как передового отряда Востока Востока, который поглощает Китай, Японию, Персию, бескрайние степи Евразии и неслучайны здесь скифские мотивы будетлян Востока, который стоит на пороге Европы и готов эту Европу покорить, художественную Европу. Он понимает, что он хочет. Зимой 1914 года в первом номере журнала «Аполлон» художественный критик Яков Тугендхольд, великолепно знакомый с парижской художественной жизнью, опубликовал большой обзор коллекции Щукина, начинающийся с импрессионистов и заканчивающийся творчеством испанца, но вслед за ним редакция поместила статью символистского литератора Георгия Чулкова, который, опираясь на вполне уже стереотипные, клишированные славянофильские представления о погибающем под гнетом материализма и позитивизма Западе, неожиданно нарисовал апокалиптический образ Пикассо. В этом отношении музей блестяще справился с задачей.

Его искусство было представлено в Москве особенно полно и разносторонне. Художественная Франция стала эталоном современного поиска, современной живописи. Люди, вокруг которых это объединение сформировалось, Александр Бенуа и Сергей Дягилев, обладали редким качеством – способностью к развитию.

Михаил Ларионов был одним из этих двух медведей. Можно сказать, что 1890-е годы проходят под знаком латентного изоляционизма.

Ее фигура расположена не по центру полотна, в неустойчивой и неуверенной позе, подчеркивающей психологическое состояние печальной хористки. Он писал картины в этом стиле на протяжении всей своей жизни. Нестеров: «Эка беда, как будто бы успех в публике для художника – не срам скорее.

А вот Гоген оказался русскому человеку, молодому живописцу очень, полагаю, понятным. Это «Арлекин и его подружка» «голубого» периода это «Девочка на шаре», которая была продана Гертрудой Стайн и куплена Иваном Морозовым, вещь «розового» периода и это уникальный кубистический «Портрет Амбруаза Воллара» 1910 года: похожих на это изображение в мире, по-моему, только еще два портрета – Вильгельма Уде и Даниэля Анри Канвейлера. У Щукина был один Брак, несколько Ле Фоконье – ну, в общем и все. Он всегда приходит на смену классицизму. Помню, как, придя однажды на гогеновскую выставку прямо из Лувра, я был поражен близостью того и этого искусства.

Станислав Жуковский, художник, специализировавшийся на почти импрессионистических пейзажах и интерьерах дворянских гнезд, считал, что «мечтательному и спокойному славянину непонятен и не сродни красочник Матисс». Преимущество — живым цветам солнечного спектра. Ярче всего увлечение импрессионизмом прошло во Франции.

Русская живопись неудержимо шла вперед. Свет становится принципиальным элементом их живописи.

Например, Щукин практически ничего не покупал из русского искусства. Различия продолжаются и в других областях. Это великолепное слово изобретенное Хлебниковым, описывает устремление русских футуристов к прекрасному будущему и отрицание нынешнего прошлого, но с другой стороны, славянский архаизм этого имени указывает на то фундаментальное различие, которое было очень дорого для русских футуристов. Владимир Грингмут, рупор правых националистов и монархистов, отрицает импрессионизм. Скорее есть картины с элементами этого стиля. И когда Плетнёв получает заказ на роспись ванной комнаты во дворце одного барона, он, поколебавшись немного (поскольку это дело, в общем, не очень достойное хорошего художника), принимает решение под воздействием Маргариты написать наяду, выходящую из реки и греющуюся на солнце, а для того, чтобы ее написать, нужно писать на пленэре, нужно поехать на природу.

Первый еще во Франции под влиянием работ Моне и последователей создал картину «Парижское кафе», которую можно назвать первым русским импрессионистским полотном. Щукин разместил эти полотна на лестнице своего особняка. 1890-е годы ситуацию поменяли.

Плетнёв прищурился: «Импрессионист». Уже в 1903 году картиной «Зимний вечер» был обозначен переход к новой манере письма. Собственно говоря, эта связь Сезанна и кубизма была отмечена самими современниками.

Ежели же это так было, то так оно и впредь должно быть.

Восходящее солнце» С фр. Но их оппоненты-модернисты, в сущности играли на том же самом поле. С другой стороны, она спровоцировала значимый конфликт. Серов, видевший «Танец» и «Музыку», говорил, что Матисс – это просто яркий фонарь. Очень знаменателен диалог между Крамским и Репиным, сохранившийся в их переписке.

Искусство XIX века – искусство станковое, а станковая картина производится на рынок, когда художник, в общем, не знает, кто ее купит, а может, не купит и никто. И вот русские мальчики, усвоившие первые уроки импрессионизма, постимпрессионизма и символизма, постарались показать себя на Западе.

Самое интересное – результат спора и диалога. Тонкий, прозрачный, дышащий светом, туманами, дождями и их предчувствием. В том же 1874 году Крамской пишет своему другу, находящемуся в Париже: «Нам непременно нужно двинуться к свету, к краскам и воздуху, но как сделать, чтоб не растерять по дороге драгоценнейшее качество художника – сердце. » Репин отвечает ему: «Вы говорите, что нам надо двинуться к свету, к краскам. Хотя неожиданный. Это же стержневая идея европейской культуры как минимум с XVIII века, если не дальше.

Именно во Франции выдвигались центральные проблемы искусства, там же они и решались. Обратите внимание, что «Запад» и «новое и талантливое» в этой фразе стоят через запятую – это две стороны одной медали. Дело в том, что сифилис, очень распространенный в Европе XIX века и бывший сам по себе культурным фактором, прежде всего последней трети столетия, носил неполиткорректное название «французская болезнь».

И именно эту модель, самую передовую на тот момент, Дягилев переносит в Петербург. Итогом работы стало изображение молодой девушки, стоящей на веранде в цветущем саду.

Почему эта группа художников так настойчиво обращается к пленэру. Творчество П. Гогена, П. Сезанна и Ж. Сёра — это уже реакция против импрессионизма. Тем не менее именно благодаря журналу «Мир искусства» русский человек впервые смог увидеть, например, репродукцию Ван Гога или натюрморт Сезанна. В буклете прочитала, что в музеепредусмотрены экскурсии и творческие игровые программы не только для детей, но и курсы для взрослых (в виде лекций).

А музей русского импрессионизма теперь есть. Солидарность эта необходима. А фигура не растворяется в атмосфере лишь за счёт яркой одежды. Это были произведения Брака, Леже, Ле Фоконье и некоторых других художников.

Жизнь и талант Серова в одной картине».

Такой вот теоретический текст – это не его жанр. Некоторые поздние произведения художника (например, картина 1885 года Выздоравливающая) своими мотивами предвосхищают творчество Константина Коровина. Один из русских футуристов, анализирующий живопись этой поры, очень точно сказал: «Свойство материала определяет род художественного произведения и управляет всем творчеством артиста».

Собственно говоря, это именно панно, то есть вещи, украшающие стену, подчеркивающие стену, подчеркивающие плоскость стены и акцентирующие декоративные, орнаментальные, музыкальные качества, то есть то, что апеллирует к человеческому восприятию помимо сознания.

Это снова роль троянского коня. И снова недоумение.

То, что сейчас звучит как риторическая фигура, в 1897 году было бомбой. Но в то же время внутри художественного отдела «Золотого руна» крылась измена и молодой очень одаренный художник Михаил Ларионов, один из отцов русского авангарда именно в среде «Золотого руна» стал тем, кем мы его теперь знаем, – художником, который стремительно от собственного варианта импрессионизма перешел к живописи, вдохновленной Ван Гогом, Гогеном и Сезанном, то есть к тому, что теперь в русском искусствознании называется неопримитивизм. Нет. И вот именно Мерсеро, его дружба с теми художниками, которые в эту пору являются участниками, являются членами фовистской фаланги, а затем начнут формировать кубизм, позволило «Золотому руну» выступить организатором нескольких очень важных выставок.

Хотя лишь через 3 года он напишет свою знаменитую Хористку. На этом пути есть несколько мин, в частности вангоговская опасность. Другой раз выставлял прославленный Ван Гог, молодой голландец. В 1897 году Дягилев организует в Петербурге выставку скандинавских художественных школ – Швеции, Дании и Норвегии, которая, как мне кажется, была самым представительным показом искусства этих стран вплоть до громадной, очень хорошо подготовленной выставки, которая прошла в европейских и американских музеях в самом конце ХХ века, – она называлась «Северный свет» и была посвящена школам Северной Европы в конце XIX – начале ХХ века.

Это была идентичность одновременно национальная и европейская. Сецессион вовсе не был взрывателем условностей или истребителем традиций. Именно на фоне Мориса Дени мы должны рассматривать предельно радикального Матисса. Так как если мы посмотрим на те вещи, которые имели сногсшибательный успех, то это балеты и представления, которые показывают Россию как стихийный иррациональный, страстный Восток: «Половецкие пляски», «Шехеразада» и даже «Послеполуденный отдых фавна» на музыку Дебюсси в исполнении Нижинского, собственно говоря и являются торжеством иррациональной чувственности, которая в сознании парижской публики, конечно, ассоциируется с загадочным Востоком. Например, его «Бульвар Капуцинок» 1873 года Клода Моне – это, весьма вероятно, тот самый «Бульвар Капуцинок», который был выставлен на первой импрессионистической выставке в ателье Надара в 1874 году Существует две версии «Бульвара Капуцинок» : одна хранится в Государственном музее им.

«Мир искусства» был первым журналом в России, опубликовавшим репродукцию молодого Матисса. В то же время русского художника выдают сюжеты, которые он использует для своих картин, – признанный шедевр «Северная Идиллия», написанная в 1892 году и хранящаяся в Третьяковской галерее, демонстрирует нам любовь Коровина к русским традициям и фольклору. Нетрудно догадаться, что эта проповедь утонченного интеллигентского почвенничества, вполне логичная после космополитизма «Мира искусства», не встретила большого энтузиазма со стороны Александра Бенуа. Критики и теоретики символизма стремятся здесь адаптировать к своим задачам тот художественный язык, который был выработан Гогеном, Сезанном и Ван Гогом. И вот Дягилев гениально сыграл на сочетании западного инструмента и восточного духа.

И очень важным текстом в этом отношении была книга двух живописцев Альбера Глеза и Жана Метценже, которая так и называлась «De cubism», «О кубизме». Поленов.

Среди русских мастеров большая часть принадлежала к символистам, к «Голубой розе», это были Павел Кузнецов, Мартирос Сарьян, Василий Милиоти, а также будущие лидеры авангарда Михаил Ларионов и Наталия Гончарова. Благодаря усилиям русской художественной редакции и связям Александра Мерсеро в 1908 году, 5 апреля, в Москве открылась выставка «Салон Золотого руна». Над шедевром он трудился более 2 лет с 1892 года. Несмотря на заметную разность, существующую между ними, несмотря на два самостоятельных течения финнов-народников (то есть реалистов в данном случае) и художников с направлением западно-аристократическим, они все же представляют один дух, пропитанный сознанием своей общей силы. В сущности, уже сейчас Дягилев осознает «Мир искусства» как двуликого Януса. «Мир искусства» поначалу публиковал значительное число переводных статей, причем особенно немецких и австрийских авторов.

Есть еще одна замечательная история, которую рассказывает Гертруда Стайн, о том, что, когда Пикассо показывал своих «Авиньонских девок» в мастерской узкому кругу друзей и ценителей, Щукин сказал: «Какая потеря для французской живописи». В начале 1909 года Щукин заказал Матиссу панно для лестницы своего особняка. В ней уже прослеживается импрессионистская манера. Написана она широкими мазками. Ни одной не привезли даже из Эрмитажа.

В этом отношении искусство Матисса поразительным образом совпадает с той тенденцией, которая была очень влиятельной в русском модернизме, а именно это тенденция к первоначальному, первозданному, примитивному, народному и эта тенденция охватывает как символистов, так и будущих русских футуристов, например Хлебникова. Мюнхенский сецессион – это организация художников относительно молодых, но уже очень успешных, обладающих интернациональной репутацией и признанием на других мировых выставочных площадках, космополитически ориентированная, стремящаяся представить художников как профессиональную группу, обладающую такими же амбициями и правами, как, допустим инженеры или врачи и не забывающая о бизнес-составляющей искусства. 1. Он стал тем, что называлось в XIX веке болезнью столетия. В России они были европейцами, в Европе они были русскими.

Причём пришёл он к этому стилю сам. То же самое можно сказать и о Пикассо.

«Мир искусства» имел постоянную художественную хронику, в которой знакомил русского читателя с европейским художественным процессом. Важно подчеркнуть, что там было две выставки. К этому времени семья Коровиных снова жила в Москве почти в полной нищете. В русском контексте это искусство, эта группа позиционирует себя как ярко выраженных западников-космополитов, как участников мирового художественного процесса и то, что «Мир искусства» занимается творчеством Русского Севера, то, что в его контекст входит Билибин, то, что «Мир искусства» связан с возрождением искусств и ремесел, не является в данном случае противоречием: это часть общеевропейского процесса возрождения этнических корней современного искусства. «Наби» работали с кланами и семьями, они создавали декорации и это не приниженное слово.

О главном шедевре мастера читайте в статье «Девочка с персиками. Он отправляется в город и пишет свой Руан, его улочки и набережные. Мы знаем, что он был знаком с импрессионистическими работами. Хотя весь мир знает Кандинского, Малевича.

Эта модель также будет воспроизводиться довольно долго. Я сначала подумал, что он хотел передать Таити с наивным пониманием туземца. «Просушка парусов» Дерена из собрания Ивана Морозова была именно той картиной, которая была воспроизведена на развороте журнала «Иллюстрасьон» 4 ноября 1905 года наряду с другими гвоздями Осеннего салона – произведениями фовистов. Та национальная школа станет полноценной, которая выработает свой стиль, а этот стиль объединяет различные художества, объединяет их для того, чтобы они действовали солидарно, для того, чтобы они преображали человека. Это очень интересные амбиции, так как, если «Мир искусства» транслировал в Россию то, что происходило на Западе, «Золотое руно» пыталось транслировать на Запад то, что происходило в молодом искусстве в России.

Хочу отметить прекрасную и дружелюбную атмосферу, царящую в Музее. Журналиста «вдохновило» название картины Клода Моне «Впечатление. А вот добраться до Пикассо было практически невозможно.

В парке. Импрессионизм (фр.

Работы Куинджи были высоко оценены современниками. Писсарро был очарован живописными видами Руанского собора кисти Клода Моне. Картин было относительно немного, несколько десятков, но резонанс был огромный. «Танец» и «Музыка» – это в определенном смысле манифесты.

Но помимо того, что русский читатель получил два весьма различных по качеству перевода, весной 1913 года подписчики и читатели альманаха «Союз молодежи», единственного более-менее стабильного печатного органа русского авангарда, могли прочитать там реферат, который принадлежал Михаилу Матюшину, одному из лидеров петербургского футуризма. Именно эта работа, созданная на открытом воздухе, будет признана первой картиной русского импрессионизма.

Между тем, значение Коровина для русской живописи столь громадно, что легко перевесит заслуги большей части передвижников (за исключением истинных гениев типа Левитана, Сурикова, Серова и Репина). Эта выставка была великолепным коммерческим проектом. «Архангельский порт на Двине» (1894), «Мурманский берег» (1894), «Ручей св. Футуристы воспевали скорость, электричество, волны, пронзающие материю, энергию и в том числе энергию войны. Семья вынуждена была переехать в деревню Большие Мытищи под Москвой. Булонский лес).

Но именно после «Мира искусства», благодаря «Миру искусства» русский человек породнился с современным французским творческим процессом, породнился с импрессионистами и постимпрессионистами. Но исключения были и такое исключение в России – это казус итальянского футуризма. В этом отношении все они открыты импрессионизму – или все они закрыты перед ним.

Константин Коровин по эстетике своих работ был наиболее близок к импрессионистам. «Не пройдет и 10 лет, – пишет Грингмут, – как гроза, надвигающаяся на русскую живопись, разразится над нею с полной разрушительной силой». Картина «Происшествие на корриде» так нещадно подвергалась нападкам прессы, что у живописца сдали нервы и он разорвал работу. Она тоже писала в таком этюдном стиле.

И Щукин, как мы знаем из воспоминаний современника, говорил буквально то же, что говорил Матисс: «Они помогают мне взбираться по лестнице».

Что ж под прикрытием этого слова ты сделать хочешь. Через год четыре картины и несколько рисунков были показаны на следующей выставке «Золотого руна», а в 1910 году два полотна представляли Матисса на так называемом Салоне Издебского – уникальной выставке, организованной одесским скульптором Владимиром Издебским и путешествовавшей по городам Российской империи. Неискореним миф о Красоте, Любви, Счастье, о земном рае. Более того именно Коровина часто называют родоначальником нового направления в России. Теперь предметом искусства может стать практически всё.

Потом он начинает думать о ежегодной выставке. Второе – это некое разочарование, высказанное человеком 1907 года. Картины новаторов-художников без прогресса не воплотились бы в жизнь. И эта выставка была следующим важнейшим шагом в формировании новой картины мирового художественного развития и в приобщении молодой русской живописи к этому развитию после выставки Дягилева в Петербурге в 1899 году.

Таким стилем могло быть барокко, таким стилем могла быть готика. Но на самом деле именно Сергей Иванович Щукин заплатил рекордную сумму на рынке современной живописи: в 1910 году за «Танец» Матисса он заплатил 15 тысяч франков, а за «Музыку» – 12 тысяч. Воздух на его полотнах практически осязаемый. Следы его влияния можно найти в самых неожиданных местах. Для нас же важно то, что внутренняя логика кубизма была открыта тем живописцам, которые над ним размышляли, пока еще очень ограниченному кругу критиков, но кубизм как сенсация стал набирать обороты в 1911 – 1912 годах и русские были в привилегированном положении, так как еще в 1909 году на выставке «Золотого руна» первые кубистические работы Брака московской публике уже были открыты. И эта вещь, вопиюще лаконичная и вызывающе примитивная, дала старт приобретению одной за другой радикальных вещей Матисса: «Красная комната», «Разговор».

Всё это вызывает резкую критику и непонимание. Был владельцем магазина художественных принадлежностей, где выставлял картины художников. Триумфом этой стратегии стали Русские сезоны Дягилева в Париже 1910-х годов. Кто, казалось бы, дальше отстоит от мистики среди русских авангардистов. Наша живопись уже принадлежит общему потоку живописи всеевропейской.

– «пророк», «избранный») – группа художников и движение в постимпрессионизме, которое сформировалось во Франции в конце XIX века. Нет в России музея русского авангарда. В кубизме есть еще одна особенность: кубизм очень теоретичен. Это панно «Музыка» и «Танец», которые для самого Матисса были, очевидно, художественной декларацией.

Камиль Писсарро считал, что главное в живописи – воздух. Заслуживает упоминания и работы Валентина Серова, в его период увлечения стилем, особенно «Девочка с персиками» – эталон русского портретного импрессионизма. Мы-то понимаем, что это время расцвета русского изобразительного искусства: это «Мир искусства», это «Голубая роза», это, наконец, готовность, беременность русского искусства тем, что мы назовем потом русским авангардом. Собственно, после Мориса Дени, появившегося у Морозова, Щукин заказывает «Танец» и «Музыку» как максимально авангардный ответ на искусство компромисса. Так появляется одна из его картин «Улица Эписери, Руан (эффект солнечного света)» (1898 г).

С одной стороны, эта выставка была успехом 1899 года. Абсолютно неклассический, но все же импрессионизм развивался и в советское время, ярким представителем которого становится Юрий Иванович Пименов, пришедший к изображению «мимолетного впечатления в постельных тонах» после работы в стиле экспрессионизма. Репин и В. Д. Парадокс в том, что термин «импрессионизм» (от фр.

Процесс это был сложный. В 2015 году Музей русского импрессионизма вошел в состав Международного совета музеев. Матисс очень любил «Танец» и мы довольно много знаем о возможной идеологии этого произведения, но нам сейчас важна не семантика, а чисто формальный язык, элементарно простой, предельно радикальный, сводящий все разнообразие живописи и ее средств к первобытным началам и одновременно исключительно культурный. Там были французы, немцы итальянцы, скандинавы, финны.

У него есть произведения других европейских художников, но на общем фоне они абсолютно теряются и главное – что они не выражают основную тенденцию его собирательства. Здесь речь идет не о том, что Репин проявляет себя как ретроград. Как потом писал Альфред Барр-младший, один из первых фундаментальных исследователей Матисса, первый директор Нью-Йоркского музея современного искусства, до начала 1920-х годов этот номер «Золотого руна» оставался самой полной публикацией о Матиссе на всех языках мира. Для современного человека импрессионизм принадлежит к классике искусства. Порадовали детские экскурсии.

Огюст Ренуар писал, что благодаря этому изобретению заиграл новыми гранями импрессионизм. Несмотря на то что Герасимов отдал свою кисть на службу партии и прославился благодаря выдающимся портретам Ленина и Сталина, он продолжал работать над импрессионистическими пейзажами, близкими его душе. Работа Александра Михайловича «После дождя» открывает нам художника как мастера передачи воздуха и света на картине, чему Герасимов обязан влиянию своих именитых наставников. Аксенов заставляет нас сосредоточиться не просто на творческой личности Пикассо, а на логике живописного развития этого художника. Репин с большим на то основанием сближал эти два понятия. Но вот для петербургского зрителя и читателя он запомнился скандалом, который развернулся в мае 1910 года, так как Илья Ефимович Репин зашел на эту выставку и журналисты, окружавшие его, предали его реакцию гласности, да и сам Илья Ефимович выступил в печати, сказав, что современная живопись производит на него впечатление «Саврасов без узды», что эта живопись поддерживается духом наживы и что если раньше московские купцы чудили и, например, за большие деньги покупали ученую свинью в цирке и съедали, то теперь проявлением этого московского купечества является коллекционирование Матиссов.

И поверхность холста слушается восприятия художника: она динамична, мазок не скрыт. Картины в стиле импрессионизма Эдуарда Мане перманентно вызывали недоумение публики.

Я буду соперником Пикассо в обладании дьявола». Нарочно не пошла на экспозицию, хоть и давно не была в ГМИИ. Я нынче сотворил чудовищные вещи. Взгляд творцов сосредочен на моменте бытия. В фойе все останавливаются перед видеоинсталляцией «Дышащие полотна», на которой мазок за мазком собираются воедино шедевры экспозиции. 1880 г. Музей русского импрессионизма Константин Коровин – импрессионист до мозга костей.

И роль «Мира искусства» как объединения, роль Александра Бенуа и Сергея Дягилева как раз и заключается в том, что эта группа научила русского человека видеть и понимать современную живопись, современную французскую живопись в частности или прежде всего. «Золотое руно» появилось в конце 1906 года как альтернатива «Весам». И этот список можно умножить: Морозов действительно отбирал вещи с биографией. Как бы то ни было, такого стиля у нас не было.

Это не утонченные декаденты, мастера, это конкретные ребята. Дальнейшего развития наметившиеся тенденции не получили. Таковы этюды «Маки в саду» (1894), «Майские цветы» (1894). Ясно, что сторонники традиционного искусства восприняли его как чистый бред мирискусники и модернисты, близкие к журналу «Аполлон», поняли, что это демаркационная линия и если их раньше пугал Матисс, то сейчас Матисс был понят как совершенно традиционный художник, а вот кубизм стал восприниматься как реальная проблема, причем не просто живописная проблема, а проблема культурная, так как кубизм ставил под вопрос базовые принципы живописи, как их понимал европейский человек начиная с эпохи Возрождения. Но решал ее «Мир искусства» по-своему, явно полемически по отношению к тем вариантам национальной идентичности, которые формулировали основные идейные движения в России этого времени.

Их интересовали темы франко-прусской войны, сцены из истории Парижской коммуны. Но постепенно с помощью западных авторов «Мир искусства» начал транслировать изменения собственного вкуса. Все остальные выставки «Мира искусства», пока эта организация существовала, были национальными выставками. Этот баланс был однозначно нарушен в сторону организующей творческой воли художника. Мы знаем, что перед самым открытием выставки «Бубновый валет» беспокоящее Ларионова пустое место на стене было занято огромным холстом, который написал Илья Машков.

Через год в Осеннем салоне прошла большая ретроспектива Сезанна – 31 полотно. Но, с другой стороны, была возможность прочувствовать каждую картину. Он опубликовал в 1909 году в шестом номере статью Александра Мерсеро, хорошо знавшего французский художественный мир критика, в сопровождении репродукций 16 картин, в том числе восьми из русских коллекций и трех рисунков, а также перевод только что вышедшей во Франции статьи Анри Матисса «Заметки художника». Портретный этюд был написан Коровиным всего за один час. Искусство моей страны несравненно глубже и значительнее, чем все, что я знаю на Западе.

Это не свойственно Матиссу. В 1875 году Коровин вслед за братом поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, сначала на архитектурное отделение. Манифесты итальянских писателей и художников переводились. Эти четыре человека принадлежали к двум предпринимательским семьям – Морозовым и Щукиным.

Я подозреваю, не была ли это вообще первая публикация репродукции Матисса в мире.

По словам В. Филиппова2, он проявился в условиях «ускоренного развития», отчего образовалась смесь различных стилистических направлений и его растянутое, продленное во времени существование. На самом деле это не так. И вот через руки этих людей импрессионизм и стал усваиваться в мире. Владимир Стасов, либеральный националист, защитник «Могучей кучки» и передвижников, с отвращением пишет о современных художественных течениях Запада.

Только за 5 лет до смерти художника семья поселилась в черте города на улице Риволи, в доме с видом на Лувр. Но это художественное направление вышло за пределы этой страны. Она не рассказывала историй, она не уносила в символистские запредельные миры. После «Мира искусства» русское искусство – это часть мощного интернационального современного движения.

Но эти журналы не имели иллюстраций. В Москве открывается выставка под эпатажным названием «Бубновый валет». Коровин сильно удивился такому определению.

Конечно, это апелляция к плебейской народной культуре. Мы достоверно знаем только один из холстов, показанных на этой экспозиции. Понятно, что подобного рода вещи – проблема для любой традиции. Так вот именно Пикассо занимает абсолютно уникальное место в русском сознании.

«культ этюда». Да и тихое разочарование последних дней дано нам тоже как мера близости и связи с живописным искусством Запада». Это слово появилось в 1909 году, когда талантливый поэт и гениальный пиарщик Филиппо Томмазо Маринетти опубликовал в газете «Фигаро» «Манифест футуризма». Слово rel («истинный», «верный») он переводил как «единое существенное».

Я очень довольна. Назвать этого символиста «великим» было само по себе уже дерзостью для русского журналиста. Ничего подобного быть просто не могло. В кубизме локальные живописные проблемы приобрели колоссальное значение. Чистые цвета часто кладутся на холст без предварительного смешивания на палитре и воспринимаются зрителем согласно системе оптического смешения, открытой французским химиком М. Э. Шеврёль цвета взаимодействуют, согласно закону дополнительных цветов цветные прикосновения дробятся, рассыпаются на многочисленные «запятые», нанесённые одни возле других. Он ушел, критикуя своих соратников за излишнюю приверженность реализму, а художники, которых мы знаем как художников «Бубнового валета», действительно не мыслили себя без натурного мотива.

Мир прежний разорить и новый создать. » – «Вот-вот». В самом начале 1910-х годов в европейском искусстве произошел новый перелом, так как на авансцену вышел кубизм – то течение, которое стало точкой невозврата для искусства репрезентативного, которое так или иначе ставит своей целью воспроизведение действительности. Но в деятельности «Мира искусства» есть центральная проблема, которая связана со всеми остальными: это превращение русского искусства в искусство международное.

Значительные по своей силе картины в период увлечения импрессионизмом писал В. Серов. Расчистки икон начались достаточно поздно: в 1905 году была частично раскрыта «Троица» Андрея Рублева. 30 художников представили 165 работ на суд утонченной публики. Она напомнила мне работы Берты Моризо, одной из самых выдающихся женщин-импрессионистов.

То, что этот двуязычный журнал продержался только полгода, абсолютно понятно: реально спроса на «Золотое руно» в Париже не было.

---