Пикассо Периоды Творчества

Этот большой период в творчестве Пабло Пикассо делиться на несколько этапов. Светлый период жизни отразился и на творчестве художника – на время Пикассо отходит от кубизма и создает ряд полотен в духе классического реализма. Картина относится к «голубому периоду» творчества Пикассо. В африканский период творчества Пикассо также создает много работ: Авиньонские девицы, свой автопортрет, Женский бюст и другие.

Голубой период, пожалуй, первый этап в творчестве Пикассо, применительно к которому можно говорить об индивидуальности мастера: несмотря на все еще звучащие ноты влияний, мы уже имеем дело с проявлением истинной его индивидуальности.

Пабло Пикассо: основные этапы творчества

Гертруда долго смотрела на картину, после чего заявила высокой и дебелой Фернанде: «Ты не можешь быть «моей красавицей». Недаром большинство персонажей картин «голубого периода» кажутся незрячими, не имею своего лица. Новорождённый скорчил гримасу и зашёлся в плаче.

Осенью 1935-го она подарила ему дочь Майю. Довершали наряд испанские сандалии с веревочными подошвами – жильцы «Бато-Лавуар» стремились одеться почуднее. приложение 1), Ольга в меховом воротнике 1923. Среди различных видов искусства, в которых проявил себя Пикассо, графике принадлежит далеко не последнее место. Главное в нем – напряженная борьба, столкновение сил, драматические контрасты.

У них рождается сын Поль (4 февраля 1921 года). Последние годы гения были наполнены злобой и распрями. Половину их огромной двуспальной кровати он застелил старыми газетами. Осенью 1944 он публично заявляет о своем вступлении в коммунистическую партию, но кажется, не проникается ее идеями настолько, чтобы выражать их в своих крупных исторических произведениях, чего, вероятно, ждали от него его политические товарищи (Резня в Корее, 1951, Париж, музей Пикассо). Дядя Сальвадор, до сих пор щедро снабжавший студента деньгами, перестал их высылать.

Пабло Пикассо: жизнь и творчество художника

Многие исследователи стремятся объяснить стилистическое непостоянство художника его генами, приписывая его матери еврейское происхождение однако семья Пикассо была самой что ни есть испанской и даже андалузской и принадлежала к среде провинциальной мелкой буржуазии. Когда Пикассо умер, Жаклин запретила его детям Клоду и Паломе присутствовать на похоронах, говорят, она всю жизнь ревновала Пикассо к их матери – Франсуазе Жило (Francoise Gilot). Но самое главное, что она привлекает его не только, как мужчину, но и как художника, который не просто видит, но чувствует ее красоту, для него эта красота чиста, совершенна, чуть наивна. О смерти сам Пикассо говорил так: Я все время думаю о Смерти. Уже в ранние годы он пробовал свои силы в офорте.

В итоге Лео Стайн переехал в Италию. С 1901 года по 1907 годы творчество Пикассо разделяется на два периода: "голубой" (с 1901 по 1904) и "розовый" (с 1904 по 1907).

При этих обстоятельствах в начале 1902 года он начал делать работы в стиле, впоследствии названном «голубой период». Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве. Изображает излюбленных персонажей: быка, кентавров, женщин.

Пикассо возвращается в Барселону в июне 1898, там он входит в общество «Els Quatre Gats» — богемное кафе с круглыми столами на художественные темы. В Париже в 1904 году он встретил Фернанду Оливье, богемную художницу, которая стала его любовницей. В первую военную зиму Куколки не стало – ее свела в могилу чахотка. Тем не менее, на первой выставке группы сюрреалистов в 1925 году Пикассо выставил работы в стиле кубизм понятие «психический автоматизм в его чистом виде», установленное в Manifeste du surralisme («Манифест сюрреализма»), никогда полностью его не интересовало. Произведения, созданные в 1944-1945 года, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо (Радость жизни).

В 1930-1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса (Лежащая женщина, 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма (Мужчина с букетом, 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса— Конструкция, 1931). Вскоре они жили в одной квартире Макс спал ночью, в то время как Пикассо спал днём и работал ночью. Двери никто не запирал, так как красть было нечего. На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано». Оно выражает надежды человека – внушает ему уверенность в свои силы. приложение 1).

Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и её кукла», 1938). Пабло прожил вместе с ней всего три года. Он откликался на все актуальные события времени. Также в конце розового периода появились античные картины – Мальчик, ведущий лошадь (1906), Девочка с козлом (1906) и другие. В этот период классический портрет доминирует в творчестве Пикассо.

Периоды творчества Пабло Пикассо

в жизни у него появилась новая муза и вдохновительница Ева или Марсель Умбер. В 1907 году появилась знаменитые "Авиньонские девицы". Эту картину можно назвать первой знаковой работай в направлении кубизма. По Курбе, 1950 Алжирские женщины. Они познакомились прямо на улице. Эта новость ввела художника в долгую печаль и депрессию.

В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Недаром встреча сестер ассоциируется с Евангельской притчей о Марии и Елизавете (Встреча Марии и Елизаветы).

Другой парадокс: хотя он боготворил жизнь и не уставал восхищаться человеческим телом, его фигуры характеризуются деформациями, сделанными с такой силой экспрессии, с какой не сравнится ничего в западном искусстве. Пикассо, который может быть назван профессиональным революционером в искусстве, являет собой заключительный аккорд классической традиции, подобный грохоту рушащегося здания. Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и её кукла», 1938). Она стала также моделью для нескольких безмятежных и величественных скульптурных бюстов исполненных в 1932 в замке Буажелу, который он приобрел в 1930. Ольге хотелось одного – тихого семейного уюта. Вскоре в рисунках Пикассо не только фигура, но и лицо распадается на отдельные элементы. Возникает и другой, более глубокий ряд ассоциаций, уводящий в средневековую символику.

Среди них— Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937). Тогда кто же это. » Вскоре Пикассо и Фернанда расстались – легко, без слез и обид. Новой музе Пикассо посвящает свои произведения, наполненные настоящим средиземноморским духом и любовью к античности, пишет ее портреты («Портрет Франсуазы» (1946), «Женщина-цветок» (1946).

По Курбе (1950, Базель, Художественный музей) Алжирские женщины. Хохлова, 1917, Музей Пикассо, Париж). Оккупация не ослабила деятельности Пикассо: портреты, скульптуры (Человек с агнцем), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи (Натюрморт с бычьим черепом, 1942, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия). Между прочим, автором этой статьи был вовсе не какой-то маргинальный критик, а вполне респектабельный Лео Польдес, владелец картинной галереи «Клуб де Фобур».

Маленкий Пикассо проявил интерес к творчеству с детства. Первые и очень ценные уроки ему преподнес отец, который тоже был художником. Теперь он начинает жить какой-то своей собственной, отдельной жизнью.

Нелегкий период войн, Ева тяжело заболевает и умирает. В это время он создает такие картины с тем же лейтмотивом быка, войны и смерти: Натюрморт с бычьим черепом (1942), Утренняя серенада (1942, Нац. Таков язык Пикассо. В 1900 году Пикассо со своим другом, художником Касахемасом уехал в Париж. Я перестал вас видеть, когда смотрю на вас, – сказал он в ярости.

Эрмитаж). Некоторые из них («Коза», 1950 «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. Стиль этот Пикассо разрабатывает по возвращении в Барселону в 1903--1904 годах.

Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на Ольге Хохловой, успех художника в обществе — все это отчасти объясняет этот возврат к фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты («Мандолина и гитара», 1924). Произошло именно так, как он намечал. Художник в 1937 году создает полотно «Герника» в черно-белых тонах по заказу правительства Испании для Всемирной выставки в Париже. Это было для художника началом тяжелого морального кризиса, который эхом отдается в замечательной серии рисунков исполненных между концом 1953 и концом зимы 1954 в них Пикассо, по-своему, в озадачивающей и ироничной манере, выразил горечь старости и свой скептицизм по отношению к самой живописи.

Процессы становления и эволюция стиля в творчестве Пикассо

Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1923 года (Женщины, бегущие по берегу, 1922, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Практически все сохранилось нетронутым – предметы, атмосфера. В середине 10-х гг. Однако пожелали ему выработать свой индивидуальный, более узнаваемый стиль. Фернанда Оливье Знаменитую "Девочку на шаре" (1905) относят к переходным картинам между "голубым" и "розовым" периодами.

Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942). Наряду с элементами стиля модерн (ср., например, в Странствующих гимнастах рисунок пальцев рук, завитков волос, характерный для этого стиля) в его работах появляются широкие плоскости, покрытые одним цветом, признаки статичности в лицах и фигурах.

В основном натюрморты. Пикассо нарисовал портрет Гертруды и её племянника Алана Стейна. Вдохновила Пикассо на такое увлечение ежегодная выставка керамики в Валлорисе, которую он посетил еще в 1946 году. В 1953 года Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Но и не более того.

В картине "Три женщины у источника" (1921) он вновь обращается к реалистическим формам. Быстро взять Париж ему не удалось. Он живет в Валлорисе (1948), затем в Каннах (1955), покупает в 1958 замок Вовенарг и в 1961 уединяется в сельском доме Нотр-Дам-де-Ви в Мужене. Его гражданская позиция совершенно ясна. И часа не могло пройти без создания хотя бы небольшой зарисовки или карандашного наброска.

Жизнь и творчество Пабло Пикассо

Занятиям юноша предпочитал посещение музея Прадо и написание копий с полотен Веласкеса и Эль Греко. Он воспользовался возможностью, чтобы сделать несколько рисунков композитора. Несмотря на то, что Пикассо был крещеным католиком, позже он стал атеистом.

Кубизм. Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к Метаморфозам Овидия (1930) и Аристофану (1934) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. Она оставила его на столе и пошла сообщить матери плохую новость.

В дальнейшем Пикассо еще раз приезжал в Париж в 1901 году. Африканский период относят к 1907-1909 годам. Однако Пикассо не делал вид.

Наиболее известные работы Пабло Пикассо, написанные им в ранний период (до 1900)

В настоящее время «Любительница абсента» хранится в Эрмитаже, попав туда из частной и весьма внушительной коллекции работ Пикассо (51 произведение) С. И. Щукина после революции. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Его семья была среднего класса. В возрасте 7 лет Пабло Пикассо учился у своего отца технике рисования. Это был мир мечты художника идеальный мир свободных и гордых людей.

И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Голубь изображенный на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже (1949), – наиболее действенное проявление политических убеждений художника. Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо»И. Самый беглый его набросок несет на себе отпечаток его высокого мастерства.

И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Он покупал вещи, которые ему нравились, не заботясь о том, как они смотрятся вместе. По Делакруа» (1955) «Менины. Некоторые из них (Коза, 1950 Обезьяна с малышом, 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. В 1911 году осенью художник расстается с Фернандой, т. к.

музей современного искусства, Центр Помпиду). приложение 1). Сезанновский кубизм, представленный в работах Бидон и миски (1908), Три женщины (1908), Женщина с веером (1909) и других, характеризуется сезанновскими тонами – охристыми, зеленоватыми, коричневыми, но более размытыми, мутными и использованием простых геометрических форм из которых строится изображение. На полотнах абсолютно новый мир – мир комедиантов, цирковых актеров.

Работы «голубого» периода (1901-1904)

Оба имели сына Пауло, который вырос распущенным мотогонщиком, а позже стал шофёром отца. Юному Пикассо на тот момент было 14 лет и он был слишком молод для того, чтобы учиться в Ла-Лонху (школа изящных искусств). Зимой 1927 года на полотнах Пикассо стала появляться некая светловолосая женщина. Она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня. В 1904 году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. Правда этот переход в работе Пикассо обусловлен кубизмом и его пространственными отношениями, как пишет Маккуиллан «объединение ритуала и порыва в изображении напоминает примитивизм «Авиньонских девиц» и неуловимый психологический резонанс его символических работ». В 1901 году была также написана картина «Любительница абсента». С 1905, хотя темы и остаются прежними (все те же странствующие бродяги, циркачи), колорит становится прозрачнее, пространство заполняется розовато-голубоватой или золотистой дымкой, контуры рисунка делаются мягче, общее настроение – лиричнее.

Впервые полотно увидело свет лишь спустя тридцать лет после его написания и стало открытой дверью в мир авангарда. Именно в этом заключалось его основное расхождение с его другом Матиссом. Вторая мировая война еще усилила значение этого полотна, звучащего и воспринимающегося как пророчество. В классических скульптурах члены всегда маленькие.

Работы «розового» периода (1904 — 1906)

Одним из первых художников он обличает фашистов, участвует в освободительной борьбе своей родины – молодой испанской республики (Мечты и ложь генерала Франко) Его огромное панно Герника (28 кв. м. ) – протест против разрушения маленького города басков, уничтоженного за одну ночь фашистской авиацией. А. С. Пушкина Семейство комедиантов, Вашингтон, Национальная галерея). В модернизме развилось три течения: фовизм, экспрессионизм и кубизм. Канвейлер был немецким искусствоведом и коллекционером.

В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. По Курбе» (1950) «Алжирские женщины. Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Здоровье со временем становится хуже.

Работы «сезанновского» кубизма («Африканский» период) (1907 — 1909)

В эти годы вновь проявляется характерная для творческого метода Пикассо метафоричность (цикл рисунков Человеческая комедия, 1953-54), обращение к постоянным излюбленным темам – цирку, бою быков, античной мифологии, мотивам художника и модели. Даже после развода она преследовала его. Мария-Тереза стала его «женщиной по четвергам» – Пикассо приходил к ней лишь один раз в неделю. В творчестве у Пикассо произошли изменения, от кубизма как такового он уже отошел. Несмотря на парижскую тональность некоторых картин того времени (Любительница абсента, 1901, СанктПетербург, Гос. Наивысшей работой стало произведение Герника в 1937 году.

Оно выражается в специфическом огрублении живописной фактуры, «опрощении» стиля. Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал.

При этих обстоятельствах в начале 1902 года он начал делать работы в стиле, впоследствии названном «голубым периодом». После этого он все-таки завершил портрет. Сильные юноши стремительно идут навстречу зрителю, готовые к действию. Во время войны Пикассо продолжал непрерывно писать, в отличие от его французских товарищей. В этом кафе пройдёт его первая выставка.

музей современного искусства, Центр Помпиду, Париж), Бойня (1944-1945, Музей современного искусства, Нью-Йорк) и скульптуру Человек с агнцем (1944), которая была установлена впоследствии перед старинным романским собором на торговой площади города Валлорис на юге Франции. Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Разрыв с традиционными канонами инициатором которого был Пабло Пикассо выступил в 1907 г., когда под его решительной кистью возникли четкие фигуры «Авиньонских девиц», знаменовал собой рождение нового порядка и последствия этого переворота отразились на современной действительности. Также, опасаясь превращения кубизма в чисто абстрактные эстетические упражнения, понятные лишь узкому кругу, Пикассо и Брак использовали в своих работах реальные предметы: обои, песок, веревки и др.

В возрасте 13 лет Пабло Пикассо с блеском поступил в Барселонскую Академию художеств. Именно её образ мастер использовал для изображения войны: он создаёт множество портретов Доры, в том числе серию работ известных как «Плачущая женщина». Он отошел от изображения конкретного человека. приложение 1), "Портрет Канвейлера" (1910).

Работы периода неоклассицизма (1918 — 1925)

Вообще, война оказала большое влияние на творчество Пикассо. Наряду с отвлечённо-деструктивными композициями (ассамбляжи), завершающими период кубизма, он создаёт жизненно- выразительные портреты, антимодернистские по своему строю (О. Литография – способ плоской печати, при котором печатной формой служит поверхность камня (известняка) изображение на литографический камень наносят жирной литографической тушью или литографический карандашом. В 1949 году Пикассо рисует своего знаменитого Голубя мира на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже, а в 1951 году создает политическую картину Резня в Корее (Музей Пикассо, Париж).

Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Эрмитаж), увеличивает и ломает объемы (Портрет Фернанда Оливье, 1909, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины (Портрет Канвейлера, 1910, Художественный институт). Там он занимается росписью уже в 1952 году старой капеллы. Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период (Девушка перед зеркалом, 1932). Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения (Портрет художника, в подражание Эль Греко, 1950, частное собрание) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярного на юге Франции боя быков), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959-1968). От начала и до конца этот человек, наделенный неистощимой творческой энергией, воплощал многие парадоксы и противоречия, как в своей жизни, так и в своем искусстве, но никогда он не изменял, ни себе, ни своему вдохновению.

Работы периода сюрреализма (1925 — 1936)

В Прадо размещены картины Диего Веласкеса, Франсиско Гойя и Франсиско Сурбарана. Многих удивляло в «Автопортрете художника с палитрой» близкое сходство его с двумя центральными фигурами, взгляд которых предаётся остальным участникам композиции "Авиньонских девиц". Пикассо обещал, что, как только разведется с Ольгой, сразу признает ребенка. Гуманистические воззрения Пикассо особенно проявляются в таких его работах, как рисунок Голубь мира (тушь, 1947), ставший символом движения за мир панно Мир и Война (1952, капелла Храм Мира в Валлорисе). Работы "синтетического" периода: "Натюрморт с плетеным стулом" (1911-1912), Бутылка перно (столик в кафе) (см.

В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. Свои чувства он выражает языком красок, создав несколько картин на эту тему: Ольга читает (1920), Ольга читает, сидя в кресле (1920), Ольга, читающая в кресле 1920, Портрет Ольги1921, Портрет Ольги1923 (см. Пабло Пикассо (Пабло Руис-и-Пикассо) – знаменитый испанский художник, вместе с Ж. Браком является основателем течения "кубизм" в живописи. Первая реакция публики – шок.

Тема быков возникает в творчестве Пикассо, вероятно, во время его двух поездок в Испанию в 1933 и 1934, причем облекаются они в достаточно литературные формы: образ Минотавра, который то и дело возникает в красивой серии гравюр исполненных в 1935 (Минотавромахия). Он и впрямь забыл о ее существовании. Пикассо 55, он болезненно переживает трагедию и пишет своё самое значительное произведение: знаменитую «Гернику». Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ (Сидящая купальщица, 1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), орущих (Женщина в кресле, 1929, Париж, музей Пикассо), раздутых до абсурда и бесформенных (Купальщица, рисунок, 1927, частное собрание) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы (Фигуры на берегу моря, 1931, Париж, музей Пикассо). Поднимая его, каждое утро, – рассказывает Пепита Дюпон (Pepita Dupont), подруга Жаклин Рок, написавшая книгу «Правда о Жаклин и Пабло Пикассо», – Пикассо, которому уже было за 70, проверял, есть ли у него еще силы. «Я не стал дожидаться разумного возраста, чтобы начать, – вспоминал Пикассо, – если его дожидаться именно разум может потом помешать».

В "Девочке на шаре" (1905) различие, даже противоположность и вместе с тем взаимосвязь двух образов достигается контрастным сопоставлением двух разных силуэтов (легкость и хрупкость девочки и тяжеловесность мужчины). Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 (Три музыканта, 1921). приложение 1), "Завод в Хорта де Сан Хуан" (1909), "Портрет Фернанды Оливье" (1909) (см.

В 1925 начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Причины нового поворота Пикассо в художественных концепциях далеко не однозначны. Руис убедил чиновников в Академии разрешить его сыну сдать вступительный экзамен. Немецкая оккупация не могла испугать Пикассо: он оставался в Париже с 1940 по 1944 год. Так же среди работа этого периода Девочка с козлом и Мальчик, ведущий лошадь.

Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, потому, что сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932). В произведении "Война" (которое, как и панно "Мир", художник делает для Храма Мира в Валлорисе 1952) Пикассо также не изобразил ни пушек, ни танков, ни трупов. В 1904 году Пикассо знакомится с моделью Фернандой Оливье. Обе линии – гуманистически-элегическая и иррационально-фантастическая – сталкиваются в серии офортов Минотавромахия (30-е гг. ), воплощающей в символическом образе Минотавра (человека-быка) извечную борьбу светлого, разумного начала с тёмным, слепо инстинктивным серия словно проникнута острым предчувствием той трагедии, в которую вскоре будет повергнут мир. И все же спустя некоторое время Пикассо перестал являться к ней по четвергам.

Работы послевоенного периода (1945 — 1960)

Оба часто спорили. Учился у своего отца – X. Руиса, в школах изящных искусств в Ла-Корунье (1894-95), Барселоне (с 1895) и Мадриде (1897-98). По Мане» (1960). Но Франсуаза не стала последней женщиной художника. Пикассо в 1897 году в возрасте 16 лет отправился в Мадрид.

В тот день он подарил ей маленькое зеркальце в форме сердца. Большое место в его наследии занимают женские портреты. Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950). Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения (Портрет художника, в подражание Эль Греко, 1950, частное собрание) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярного на юге Франции боя быков), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959-1968). Вплоть до 1906 живопись Пикассо носит спонтанный характер, остается безразличной к чисто пластическим проблемам и художник, кажется, почти не проявляет интереса к поискам современной живописи. Талант и тяга к рисованию у мальчика проявились с самого раннего детства.

Работы позднего периода (конец 60-х — 1973)

Настойчивое требование Хохловой на светском приличии столкнулось с богемной тенденцией Пикассо из-за чего оба жили в состоянии постоянного конфликта. За два месяца Пикассо создаёт свою «Гернику»— громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Конечно, кубистская манера не позволяла «опознать» кого-то конкретно, но Ольга понимала: у Пабло появилась другая. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ (Сидящая купальщица, 1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), орущих (Женщина в кресле, 1929, Париж, музей Пикассо), раздутых до абсурда и бесформенных (Купальщица, рисунок, 1927, частное собрание) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы (Фигуры на берегу моря, 1931, Париж, музей Пикассо). Он становится видным деятелем Народного фронта во Франции, активно участвует в борьбе испанского народа с фашизмом (1936-39). Сознательная деформация натуры (Авиньонские девицы, 1907, Музей современного искусства, Нью-Йорк) приводит Пикассо (вместе с Ж. Браком) к созданию кубизма (Дама с веером, 1909, портрет А. Воллара, 1910, – оба в ГМИИ). «Я хочу писать ваш портрет, я – Пикассо», – сказал он.

музей современного искусства, Центр Помпиду). В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Особенно важны в тот период скульптуры (Беременная женщина, 1950). Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942).

Именно в этом городе он увлекся керамикой. За свою активную творческую деятельность он нарисовал около 80 тысяч работ. Достаточно взглянуть на такие полотна, как «Обнаженная женщина», «Танец с покрывалами», «Дриада», «Дружба», «Бюст моряка», «Автопортрет». Стиль становится более реалистический: яркие краски, четкие формы, правильные образы. Первые значительные произведения Пикассо создал уже в начале 1900-х гг. Дягилев сознательно делал ставку на большую провокацию и готовил её всеми доступными средствами. Тем не менее, картины Пикассо хорошо распродавались. Среди них— Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937).

Пабло Пикассо: произведения «розового» периода

Барселона больше не давала художественных импульсов, была исчерпана тема "дна" жизни. Постепенно Жаклин настолько подчинила себе художника, что почти все решала за него.

Даже сам Пикассо говорил ей: Ты выдумала себе религию. В Валлорисе же Пикассо занялся керамикой. Весной 1916 года Аполлинер вернулся с фронта раненным.

• Эволюция стиля живописи Пабло Пикассо
• Творчество и жизнь ПаблоПикассо
• ОСНОВНЫЕ ДАТЫ ЖИЗНИ И ТВОРЧЕСТВА ПАБЛО ПИКАССО
• Пикассо ПаблоКартины и биография
• Пабло Пикассо, художник, картины с описанием, биография

Появляется знаменитая работа художника Девочка на шаре. Если допустимы здесь какие-то музыкальные аналогии, то возникает мысль, конечно, о реквиеме. Матисс был в бешенстве. В 1904 году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка.

Сама-то она была брюнеткой Новую музу звали Мария-Тереза Вальтер. более правдивому, чем сама правда», весной 1917 года написал Гийом Аполлинер, заранее объявив его провозвестником «Нового духа» в искусстве. Вначале таким отдельным от всего остального предметом становится голова. Каретников, вышедшая в 1967 году. В период исканий (1901–1907) Пикассо пишет Авиньонских девиц. приложение 1), "Женщина с веером" (1909) и других, характеризуется "сезанновскими" тонами – охристыми, зеленоватыми, коричневыми, но более размытыми, мутными и использованием простых геометрических форм из которых строится изображение. Именно она и привлекла внимание Пикассо.

1. Курсовая работа: Творчество Пабло Пикассо
2. Культура и искусство: Творчество Пабло Пикассо, Реферат
3. Война в Испании и Вторая мировая война
4. Работы «аналитического» кубизма (1909-1912)
5. Работы «синтетического» кубизма (1912-1917)
6. Работы военного времени (1937-1945)

Истина добывается в борьбе искусство не может существовать без самопожертвования. Перелом происходит в 1906. Значительное полотно «розового периода» – «Девочки на шаре» (см. Богемный круг Парижа буквально раскололся на два лагеря: «за» и «против».

Направление кубизма в обществе не особо принимали, даже наоборот. На заднем плане картины изображена случайная прохожая с ребёнком и пасущаяся белая лошадь. "Портрет Амбруаза Воллара" (1910) (см. Он подошел к проекту с большим энтузиазмом, спроектировав неоднозначную и несколько спорную скульптуру.

• Получайте самые главные и обсуждаемые статьи дня на свой электронный адрес
• ИНТЕРЕСНЫЕ ФАКТЫ ИЗ ЖИЗНИПАБЛО ПИКАССО
• Художник Пабло Пикассо: детство и годы обучения
• Пабло Пикассо: последние новости
• Как на самом деле выглядели женщины с картин Пабло Пикассо
• Словари и энциклопедии на Академике

Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. За такой резкий переход от кубизма к классицизму Пикассо многие критиковали. Сотрудничество Пикассо с Русскими балетами активно продолжилось и после Парада (декорации и костюмы для Треуголки Мануэля лде Фальи, 1919). Кроме того, стоит отметить следующие работы Пабло Пикассо: «Женщина в рубашке», «Туалет», «Мальчик, ведущий лошадь», «Акробаты. После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам художник считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины (Портрет Канвейлера, 1910, Художественный институт). Они обязательно одеты в костюмы своих персонажей. Фамилию Пабло решил взять материнскую, посчитав отцовскую слишком простой.

Их отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. Внизу стояла надпись «Моя красавица». В 1985 музей Пикассо был открыт и в Париже (отель Сале) сюда вошли работы, переданные наследниками художника, – более 200 картин, 158 скульптур, коллажи и тысячи рисунков, эстампов и документов, а также личная коллекция Пикассо. Юный художник благополучно рос в городе, который со временем считал настоящим домом. Написанная на рубеже 1905 года «Девочка на шаре» стоит у истоков так называемого первого классического периода в творчестве художника.

Мать и сын», «Девочка с козлом». Пабло поселился на площади Равиньян в деревянном доме со странным названием «Бато-Лавуар» – «Плавучая прачечная». приложение 1) на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже, а в 1951 году создает политическую картину "Резня в Корее" (Музей Пикассо, Париж).

1. Пикассо Пабло, французский художник
2. Художественно-исторический музей Арт-Рисунок
3. Еще из раздела Культура и искусство

И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Его интересует сам актер, творческая, созидающая личность. В 1956 году на французские экраны вышла документальная лента о художнике «Таинство Пикассо».

Этот новый период получает название «розовый». Международная премия Мира (1950) и Международная Ленинская премия За укрепление мира между народами (1962). Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. Франсуаза вскоре дарит ему сына Клода и дочь Палому. Все они демонстрируют зрителю красоту и редкую для картин художника безмятежность.

По Курбе. Можно сказать, что Пикассо знал, что он ищет, когда проводил время за изучением в Лувре греческой архаики, этрусского и египетского искусства, кикладских идолов и иберийской скульптуры. Возможно, все это тоже сказалось на художнике и он в тот период написал картину «Старый еврей с мальчиком», на которой изображены голодные бедные люди. Испания в то время была в трудном положении, люди нищенствовали, постоянно мигрировали. Может, вот таким образом он называл ее лучшей из женщин. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931).

Стиль этот Пикассо разрабатывает по возвращении в Барселону в 1903—1904 годах. Художник обожал мальчика, каждый месяц писал его портрет. Пикассо с блеском сдаёт все экзамены и поступает в Ла-Лонху. Огромная игла композиционного мышления Пикассо проявляется здесь с полным блеском. Среди наиболее известных его работ находятся картины в стиле протокубизм такие как «Авиньонские девицы» (1907), «Герника» (1937) и изображение бомбардировки Герники немецкими и итальянскими ВВС по приказу испанского националистического правительства во время Гражданской войны в Испании. Она будет все больше места в его творчестве.

На его картинах часто появлялись запертые двери, которые люди безуспешно пытаются отворить. Конец 20-х – начало 30-х годов для Пикассо – период самых разнообразных художественных находок, среди которых образы спокойные, классически-ясные, встречающиеся чаще всего в графике (иллюстрации к "Метаморфозам" Овидия, 1931 к "Лисистрате" Аристофана, 1934), кажутся несовместимыми с нарочитой гармонией его живописных портретов, натюрмортов, почти абстрактных декоративных полотен ("Танец", 1925 "Фигуры в красном кресле", 1932). Все равно это лучше, чем предаваться грустным воспоминаниям о Еве. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами были странствующие комедианты, танцовщики и акробаты картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробатов с обезьяной», 1905). Там же Пабло в течение года проходил обучение в местной школе искусств. На картине изображена бродячая труппа акробатов.

Стиль этот Пикассо разработал по возвращении в Барселону в в 1903-1904 годах. С 1901 по 1906 («голубой» и начало «розового» периода) живопись Пикассо представляет собой театрально-драматическую разновидность «народничества», в какой-то степени свойственного искусству его великих предшественников: Ван Гога и Сезанна, у которых это качество связано не столько с сюжетом, сколько с антисалонной направленностью. Мария-Тереза в отличие от Ольги никогда ничего не требовала от него.

Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы — обои, куски газет, спичечные коробки. В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис. На заднем плане картины изображена случайная прохожая с ребёнком и пасущаяся белая лошадь. После смерти Пикассо его наследниками были признаны последняя жена Жаклин, двое внуков художника Марина и Бернар (дети его умершего сына Поля, родившегося в браке с Ольгой Хохловой) и еще трое внебрачных детей – Майя (дочь Марии-Терезы Вальтер), Клод и Палома (дети Франсуазы Жило). Тот же круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску.

И тогда юная беглянка поселилась в «Бато-Лавуар», где зарабатывала на жизнь, позируя художникам. По Делакруа (1955) Менины. Картины, ознаменовавшие начало нового периода, впервые были выставлены в конце зимы 1905 году в галерее Серюрье – это «Сидящая обнаженная» и «Актер». В 14 Пабло Пикассо на общих основаниях поступил в Барселонскую школу искусств и ремёсел. За два месяца Пикассо создает свою «Гернику»— громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Уже в 50-е годы, обращаясь к теме войны в Корее ("Резня в Корее", 1951), художник прибегает к той же символике и аллегориям, что и в "Гернике".

Их отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. Офорт – это вид гравюры. После эпикурейского изящества 1920-х годов (Танец, Лондон, галерея Тейт) в творчестве Пикассо появляется атмосфера конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов.

Период этот длился до 20-х годов. Гармония в искусстве Пикассо – это лишь далекая конечная цель. Ключевыми в этот период для мастера стали такие слова, как одиночество, страх, вина, боль. Работы синтетического периода: Натюрморт с плетеным стулом (1911-1912), Бутылка перно (столик в кафе) (1912) Скрипка м гитара (1913).

После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создает атмосферу конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 и театральной пьесе, созданной во время войны. Другая типичная картина Пикассо голубого периода – "Нищий старик с мальчиком" (см. приложение 1). Там художник и скончался в 1973 году, однако завещал похоронить себя в Вовенарге. Здесь в работах преобладают розовые, ораньжевые цвета. Образ быка не покидает его. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921).

"Розовый период" характеризуется более жизнерадостными тонами – охристыми и розовыми, а также устойчивыми темами изображений – арлекинами, бродячими актерами, акробатами ("Семейство комедиантов" (1905), "Акробат и молодой Арлекин" (1905), "Шут" (1905). Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточенностью увенчанные нелепыми шляпами, лица изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы (Утренняя серенада, 1942). В искусстве столь крутой поворот нуждался не только в творческой энергии.

Работа Пикассо, помимо всего прочего, полна драматизма. Картины голубого периода (1901-04), написанные в почти монохромной гамме голубых, синих и зелёных тонов и розового периода (1905-06), в колорите которых преобладают тёплые розово-золотистые оттенки, посвященные теме трагического одиночества обездоленных (слепых, нищих, бродяг) и романтической жизни странствующих комедиантов (Старый нищий с мальчиком, 1903, Девочка на шаре, 1905, – обе в ГМИИ). Самые известные работы периода: «Ольга Хохлова» (на фотографии выше), «Пьеро», «Натюрморт с кувшином и яблоками», «Спящие крестьяне», «Мать и ребенок», «Женщины, бегущие по пляжу», «Три грации».

Мощный атлет и хрупкая девочка, массив куба и ускользающая зыбкость шара, монолит мужской фигуры на кубе и колышущаяся, как стебелек на ветру, тоненькая фигура девочки на шаре. Пикассо выступил здесь как художник-борец, яростный обличитель фашизма. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы: обои, куски газет, спичечные коробки.

Общественный резонанс произведения Пикассо был огромен. Угрюмость неподвижного, тяжеловесного атлета словно озарена её милой, шаловливой улыбкой. В 1956 году на французские экраны вышла документальная лента о художнике «Таинство Пикассо». и оставил работу над портретом.

На мой взгляд, это справедливо в отношении всего современного искусства. Среди них – Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами (Плачущая женщина, 1937, Лондон, бывшее собрание Пенроуз). Они возобновили свою дружбу, но Пикассо стал часто посещать новые социальные круги.

Она стала музой и вдохновителем в его творчестве. Со второй половины 30-х гг. На подготовку к экзамену, обычно занимавшую у студентов месяц, у Пикассо ушла неделя. Тема абсента звучит во многих картинах. Все это, как видно, созданно по темам великих художников времени.

Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике Мадура в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных (Кентавр, 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Их умирающие отношения несколько оживило рождение сына Паоло. Наряду с циклом великанш и купальщиц, картины, вдохновленные «помпейским» стилем («Женщина в белом», 1923), многочисленные портреты жены («Портрет Ольги», пастель, 1923) и сына («Поль в костюме Пьеро») являют собой одни из самых пленительных произведений, когда-либо написанных художником, даже при том, что своей слегка классической направленностью и пародийностью они несколько озадачили авангард того времени.

Официальные биографы называют Пабло Пикассо самым знаменитым художником ХХ века. По Мане (1960). Один из его ранних листов вошел в историю под названием Левша – в отпечатке гравюры пикадор держит копье в левой руке. Человеконенавистническая сущность фашизма разоблачается Пикассо в серии Мечты и ложь генерала Франко (акватинта, 1937), гневным протестом против фашистского террора является панно Герника (1937, Прадо).

В 1930-1934 именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса (Лежащая женщина, 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма (Мужчина с букетом, 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса – Конструкция, 1931). Если бы не курение дяди, Пабло Пикассо мог бы вообще не появиться на свет. Дело дошло даже до потасовки. Пабло Руис и Пикассо, также известный как Пабло Пикассо (25 октября 1881 – 8 апреля 1973), был испанским художником, скульптором, гравёром, керамиком, театральным художником, поэтом и драматургом, который провел большую часть своей жизни во Франции.

При этих обстоятельствах в начале 1902 года он начал делать работы в стиле, впоследствии названном «голубым периодом». Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и ее кукла», 1938). Это небольшой город на севере Испании.

В 1904году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. Присущие раннему эклектичному творчеству Пикассо мягкий колорит, правильные пропорции и пространственная перспектива, эмоциональная окрашенность и психологическая характеристика персонажей (это преимущественно простые люди: рабочие, странствующие актеры, нищие, калеки и т. п. ) сменяются вариациями на тему человека, лишенного конкретных социальных, психологических и прочих характеристик: абстрактные статичные положения и позы, резкие, нарочитые цветовые сочетания, «неумелые» контуры фигур, асимметрия, ломаные линии, увеличенные, грубо заштрихованные детали, утрированно свободное обращение с пространственной перспективой и пропорциями. Однако его сын стал заниматься искусством в ущерб классной работе. Среди них — Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937). За два месяца Пикассо создает свою «Герни.

На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931). Музыкальные темы кубических натюрмортов, написанных маслом, воскресают с новой силой и интенсивностью, будучи выражены в этих бросовых материалах. Но ей это удалось. Тем не менее итальянское правительство запретило демонстрацию картины в Риме. Еще позднее Пикассо пробовал свои силы в области литографии. То же самое выражение, одни и те же глаза, сходство лиц, аналогичные цветовые тона.

Но он прославился не только феноменальным объемом и разнообразием своих работ. Конечно, в "Гернике" нет ничего от конкретного города басков, нет ни самолетов, ни убийц. Пабло жил в Мадриде почти впроголодь, но это не мешало молодому художнику с друзьями куролесить по «девочкам». Особый интерес художник проявил к изделиям из мастерской Мадура, в которой он позже и работал.

Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неровны по качеству (Мастерская в Каннах, 1956, Париж, музей Пикассо). Это выражается то с оттенком народной грубоватости (Флейта Пана, 1923, Париж, музей Пикассо), то в своего рода буффонаде (Две женщины на пляже, 1922, там же). В «Бато-Лавуар» у него не было ни одного ключа. В 1906 году Пикассо работал над портретом Гертруды Стайн. И оставил работу над портретом».

Это было стремление, как писал Ван Гог, «выразить в грубой манере суровую и грубую правду». И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Они переезжают в Канны, на собственную виллу. С этого же времени во всей полноте начинает выявляться общественная позиция Пикассо. (Впервые это появляется в портрете Гертруды Стайн. ) Самостоятельной, отдельной от тела жизнью живут почти все мужские головы подготовительных этюдов. С середины 1900-х гг. «Две сестры» – характерная во всех отношениях работа «голубого периода».

Он вновь приезжает в Париж в 1901 и 1902 и окончательно в 1904. Если взять это событие за отправную точку, то можно выдвинуть несколько гипотез, которые способны пролить свет на различные стадии, взлеты и пути развития творчества Пикассо, на то скрытое влияние, которое сказалось на его многочисленных и самых различных формах работ как до, так и после его «африканских» периодов. Это титан, арт-карьера которого длилась 80 лет.

Он не видит иного способа отобразить красоту женщины, которую любит. Они написаны в холодной, сине-зеленой гамме, напоминающей Эль-Греко рисунок острый, контуры изломаны, тела нарочито удлинены ("Свидание" 1902). В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имён возлюбленных, названий улиц, кабачков. Марк Шагал как-то сказал, что Пикассо меняет стиль чаще, чем носки. Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточённостью увенчанные нелепыми шляпами, лица изображённые в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассечённые потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). Это было для художника началом тяжелого морального кризиса, который эхом отдается в замечательной серии рисунков исполненных между концом 1953 и концом зимы 1954 в них Пикассо, по-своему, в озадачивающей и ироничной манере, выразил горечь старости и свой скептицизм по отношению к самой живописи.

В другом случае нужно было бы сказать – образа мира. Некоторые из них (Коза, 1950 Обезьяна с малышом, 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. Их отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. В работах этого периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали (Пикассо считал — «кто грустен, тот искренен») движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901 «Женщина с шиньоном», 1901 г «Свидание», 1902 «Нищий старик с мальчиком», 1903 «Трагедия», 1903). В 1953 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся18.

Но как быть с его мужскими причиндалами. В 1985 музей Пикассо был открыт и в Париже (отель Сале) сюда вошли работы, переданные наследниками художника, — более 200 картин, 158 скульптур, коллажи и тысячи рисунков, эстампов и документов, а также личная коллекция Пикассо. На картине изображена бродячая труппа акробатов. О смерти сам Пикассо говорил так: "Я все время думаю о Смерти. Он был почти уничтожен после налета фашистской авиации 1 мая 1937 года. В 1937 году симпатии Пикассо— на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Фрнко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолётов над позициями франкистов).

Здесь уже в полной мере использован принцип архитектурного сочленения. Трудно избежать сравнения. Стиль этот Пикассо разработал по возвращении в Барселону в 1903—1904 годах. Все персонажи находятся в статике и между ними не наблюдается какой-либо внутренней близости, каждого сковало внутреннее одиночество – тема всего «розового» периода. Пикассо поехал работать в Рим.

С ним рядом остается верная ему Жаклин, ухаживает за ним. Но, пожалуй, самым ярким образцом африканского этапа творчества Пикассо является картина «Авиньонские девицы» (на фото выше), над которой мастер трудился около года. В 1906 году он начинает писать портрет Гертруды Стайн. Присущие раннему эклектичному творчеству Пикассо мягкий колорит, правильные пропорции и пространственная перспектива, эмоциональная окрашенность и психологическая характеристика персонажей (это преимущественно простые люди: рабочие, странствующие актеры, нищие, калеки и т. Пикассо) сменяются вариациями на тему человека, лишенного конкретных социальных, психологических и прочих характеристик: абстрактные статичные положения и позы, резкие, нарочитые цветовые сочетания, «неумелые» контуры фигур, асимметрия, ломаные линии, увеличенные, грубо заштрихованные детали, утрированно свободное обращение с пространственной перспективой и пропорциями. Жаклин Роке (1927-1986) работала в гончарной мастерской Madoura в Валлорис на Лазурном берегу, где Пикассо делал и расписывал керамические изделия.

Вместе с тем именно здесь последовательно используется способ архитектурного построения фигуры, головы, маски. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931). В течение нескольких лет она чувствует раздвоение Пикассо: как муж и отец он обеспечивает семью, они живут вместе, вместе проводят каникулы, он любит ребенка, они путешествуют, но как художник он ищет новые темы.

Этот образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет главную тему Герники, самого знаменитого его произведения, которое он пишет через несколько недель после разрушения немецкой авиацией маленького басского городка и которое знаменует начало его политической деятельности (Мадрид, Прадо до 1981 картина находилась в Нью-Йорке, в Музее современного искусства). Отец художника, Хосе Руис Бласко (Пикассо – это фамилия матери художника), был живописцем средней руки и преподавал в художественной школе в Малаге, затем в лицее в Ла Корунье, куда он переехал со своей семьей в 1891 и, наконец, в Художественной школе в Барселоне, где в сентябре 1895 к нему присоединился Пабло.

Сюрреализм возродил тягу Пикассо к примитивизму и эротизму. В основу композиционной и ритмической структуры картины положен пластический мотив сопоставления контраста и в то же время – равновесия единства. Это полный дневник его жизни, его настроений, его страстей и дилемм. В 1944 году Пикассо становится членом Французской коммунистической партии. В монохромную голубизну полотен Пикассо вторгаются разные тени, становясь господствующими. Страх, отчаяние, одиночество, страдание — данные слова были идеальным описанием к работам «голубого периода».

Работы периода: Скрипка и гитара, Натюрморт с плетеным стулом, Бутылка перно (столик в кафе). Немецкая оккупация не могла, понятно испугать Пикассо, который оставался в Париже с 1940 по 1944. Розовый период идет с 1904 по 1906 годы. Никто из критиков не смог дать удовлетворительного объяснения этим странным, дерзким композициям, даже если это были действительно превосходные картины (Менины, 17 августа 1957, Барселона, музей Пикассо). В Валлорисе художник начал в 1954 году серию портретных изображений «Сильветт».

Обитатели дома звали ее Великолепной Фернандой. Некоторые из них («Коза», 1950 «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. Здесь, в абсолютной бедности на грани нищеты и неописуемом твоорческом беспорядке Пикассо постоянно писал свою Фернанду и искал свой путь. Эрмитаж) искусство Пикассо вплоть до 1907 сохраняет свой чисто испанский характер.

Фигуры массивны, тяжеловесны, лепка их нарочито огрублена. века. Адские кони в бешенстве топчут открытую и сжигаемую на костре книгу. Художник огромного дарования и неустанного творческого труда, проживший долгую жизнь, Пабло Пикассо, как всякий новатор, вызывал различное к себе отношение и разные оценки, от признания его гением до полного отрицания его творчества. Он пишет работы Мечты и ложь генерала Франко, Плачущая женщина, Ночная рыбалка на Антибах. Она зашла и осталась. В 1953 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся.

Можно смело утверждать, что именно с нее началось творчество Пабло Пикассо. Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на Ольге Хохловой, успех художника в обществе— все это отчасти объясняет этот возврат к фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты (Мандолина и гитара, 1924). Аналитический кубизм. Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, так как сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или так как простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность (Зеркало, 1932). Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передает в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914). В работах этого периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали (Женщина с пучком волос, 1903 Пикассо считал— кто грустен, тот искренен) движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя (Любительница абсента, 1901 Женщина с шиньоном, 1901 г Свидание, 1902 Нищий старик с мальчиком, 1903 Трагедия, 1903).

В своей графике он не выставляет себя напоказ, не дает воли своей руке. Для нее и себя он покупает виллу в Каннах. Она также не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942). К этому миру причислял себе и сам художник. Особый разряд образуют книжные иллюстрации.

Чувством неудовлетворения собственным творчеством отмечена серия интерпретаций и вариаций на темы знаменитых картин «Девушки на берегу Сены. В течение первых пяти месяцев 1901 года Пикассо жил в Мадриде, где со своим другом анархистом Франциско де Асис-Сольером основал журнал Arte Joven («Молодое искусство»), у которого вышли пять номеров. Прогулки по борделям закончились печально – гуляка подхватил нехорошую болезнь. Считается, что в это время Пикассо еще не был знаком с африканской скульптурой.

В начале 1918 года она покидает труппу Дягилева и в июле того же восемнадцатого года они женятся. В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Они – и в особенностях его неугомонного таланта и во влияниях среды.

Фернанда Оливье Знаменитую Девочку на шаре (1905) относят к переходным картинам между голубым и розовым периодами. Тема быков возникла в творчестве Пикассо, вероятно, во время его двух поездок в Испанию в 1933 и 1934, причем облекаются они в достаточно литературные формы: образ Минотавра, который то и дело возникает в красивой серии гравюр исполненных в 1935 году (Минотавромахия). Он приобрел для нее замок Буажелу и там она стала его единственной моделью и героиней нескольких его известных работ, например Зеркало (1932, частное собрание), Девушка перед зеркалом, (1932, Музей современного искусства, Нью-Йорк) с нее также сделана скульптура Женщина с вазой (теперь эта скульптура стоит на могиле художника). Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Она начала учить испанский, чтобы разговаривать с мужем на его родном языке. «Я очень люблю ключи, – говорил Пикассо на старости лет, – очень важно их иметь».

Со второй половины 40-х гг. Они стали жить вместе в Париже. Так, Пабло в 1897 году в возрасте 16 лет приехал в Мадрид. Немецкая оккупация не могла, понятно испугать Пикассо, который оставался в Париже с 1940 по 1944 год. Но почему-то завидовал тому, другому Пикассо, который носил когда-то костюм механика и ютился с Фернандой в продуваемом ветрами «Бато-Лавуаре».

Еще в 1970 году, когда Пикассо был жив, был открыт музей Пикассо в Барселоне. Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передает в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914). Родился в Малаге 25 октября 1881 года. Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения («Портрет художника, в подражание Эль Греко», 1950) и элементы тавромахии (Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968).

Для Пикассо жизнь и искусство едины. В «Девочке на шаре» Пикассо особо ассоциативен и метаморфичен. Он был всегда уверен, что художник должен через творчество отстаивать свое право. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Грандиозный скандал 18 мая 1917 года, состоявшийся на премьере (и единственном представлении) этого балета в театре Шатле немало способствовал подъёму популярности Пикассо в широких кругах парижского бомонда.

Как правило, все картины этого периода художник выполнял в сине-зеленых оттенках. В 1907 году появилась знаменитые Авиньонские девицы. Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Начинается длительный период кубизма с 1909 по 1917 года. В 1950 Пикассо был избран во Всемирный Совет Мира.

У них появляется двое детей: сын Клод и дочь Палому. Это было для художника началом тяжелого морального кризиса, который эхом отдается в замечательной серии рисунков исполненных между концом 1953 и концом зимы 1954 года в них Пикассо, по-своему, в озадачивающей и ироничной манере, выразил горечь старости и свой скептицизм по отношению к самой живописи. Но то, что она называла уютом, он считал рутиной, губящей творчество.

А он творил более 70 лет. На подготовку к экзамену, обычно занимавшую у студентов месяц, у Пикассо ушла неделя. Хотя Пикассо покинул Испанию в молодом возрасте и уехал во Францию, где провел почти три четверти своей жизни, по своим привычкам, темпераменту и взглядам он всегда оставался испанцем (может быть величайшим гением которого дала эта страна миру).

Девочку записали как дочь неизвестного отца. Например, «Арлекин», «Три музыканта», «Натюрморт с гитарой» (на фото выше). В то время он развивал новые образы и формальный синтаксис для эмоционального выражения себя, «выпуская насилие, психические страхи и эротизм, которые в значительной степени подавлялись или сублимировались в нём с 1909 года», – пишет историк искусства Мелисса Маккуиллан. Пикассо познакомился с ней в 1917 г. во время гастролей русского балета в Европе. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы— обои, куски газет, спичечные коробки. Наряду с циклом великанш и купальщиц, картины, вдохновленные «помпейским» стилем («Женщина в белом», 1923), многочисленные портреты жены («Портрет Ольги», пастель, 1923) и сына («Поль в костюме Пьеро») являют собой одни из самых пленительных произведений, когда-либо написанных художником, даже при том, что своей слегка классической направленностью и пародийностью они несколько озадачили авангард того времени.

Это панно стало главным событием международной выставки.

Пабло Пикассо (1881-1973) жил всю жизнь во Франции. Но между ними не было резкого разрыва, как кажется сначала. В 1909 году Пабло Пикассо переезжает в собственную мастерскую. В это время он создает образ женщины с деформированными чертами лица – сгусток ужаса и страдания (Плачущая женщина) В 30-х годах Пикассо приходит к бунту против жестокой действительности капиталистического общества, к программно-политическому протесту. Они жили в центре богемной парижской жизни и мекке парижских художников Бато-Лавуар.

Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Хорта де Эбро», 1909), увеличивает и ломает объемы («Портрет Фернанда Оливье», 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910). Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Он называл ее валькирией – за светлые волосы, голубые глаза и идеальную фигуру.

Произошло именно так, как он намечал. По Мане (1960). Среди них— Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами (Плачущая женщина, 1937). Стиль этот Пикассо разрабатывает по возвращении в Барселону, в 1903—1904 г. В работах этого периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали (Пикассо считал — «кто грустен, тот искренен») движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901 «Свидание», 1902 «Нищий старик с мальчиком», 1903).

Голубой период. В конечном счете его знают по самому первому и последнему. Они примыкают к серии работ, где героями выступают нищие, слепцы, калеки. После эпикурейского изящества 1920-х (Танец, Лондон, гал. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты— клоуны, танцовщики и акробаты картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905). После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), он уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки (Фабрика в Хорта де Эбро, лето 1909, Санкт-Петербург, Гос. Он создает для здания ЮНЕСКО в Париже композицию Падение Икара.

Пабло интересовало совершенно все. Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность (Рыбная ловля ночью на Антибах, 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов (Майя и ее кукла, 1938). Работа по своим размерам была 8 метров в длину и 3, 5 в ширину. Сохраняя и укрепляя свою культурную самобытность испанца, Пикассо вместе с тем «рационально» ассимилировал африканское искусство.

В 1902 года он вновь вернется в Барселону, однако остаться в ней так и не сможет. Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточенностью увенчанные нелепыми шляпами, лица изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приёмы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921). Их отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. Подтверждение этому можно найти в автопортрете Пикассо, созданном в то время. В 1925 начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо.

Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950). Даже большинство друзей не приняли эту работу. В 1960-х годах Пикассо вновь работает в кубистической манере: Алжирские женщины. гал. ). Фернанда не возражала. Звали его Хосе Руис.

Вероятно, такое положение дел оказало влияние и на художника, который в этот год работает плодотворно и чрезвычайно много. Художник с увлечением погрузился в изучение этого дела и добился блестящих успехов. Он характеризуется переломным моментом в творчестве Пикассо. Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры (Человек с агнцем), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи (Натюрморт с бычьим черепом, 1942, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный РейнВестфалия). В свои законные права «голубой» период его творчества вступал постепенно, проявляя себя жесткими контурами фигур и утерей трехмерности изображения, уходом от классических законов художественной перспективы. Наряду с циклом великанш и купальщиц, картины, вдохновленные помпейским стилем (Женщина в белом, 1923), многочисленные портреты жены (Портрет Ольги, 1923) и сына (Поль в костюме Пьеро) являют собой одни из самых пленительных произведений, когда-либо написанных художником, даже при том, что своей слегка классической направленностью и пародийностью они несколько озадачили авангард того времени. В это время художник часто рисовал своих детей и Франсуазу, но долгой идиллия не продлилась: в 1953 году Франсуаза забрала детей и ушла от Пабло Пикассо.

На исходе Второй мировой войны Пикассо вступает в Коммунистическую партию Франции. На своей родине Пикассо очень много времени провел за написанием картин. Отсюда в работах Пикассо 1906 года образы физически совершенных девушек и юношей.

В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. По Делакруа» (1955) «Менины. Никто из критиков не смог дать удовлетворительного объяснения этим странным, дерзким композициям, даже если они находили свое завершение в действительно превосходной картине (Менины, 17 августа 1957, Барселона, музей Пикассо). Ольге были неинтересны друзья мужа, его раздражали ее гости – великосветские бездельники.

Он переписывал картину 80 раз и уже абсолютно разуверился в возможности воплотить ее образ в классическом стиле. Искусство Пикассо глубоко гуманистично. Это была самая престижная академия искусств в Испании. В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. Там он в течение нескольких месяцев посетил все без исключения музеи изучая живопись великих мастеров: Делакруа, Тулуз-Лотрека, Ван-Гога, Гогена и многих других. Новую фаворитку звали Жаклин Рок.

Франсуазе посвящена картина "Женщина-цветок". На Родине создаются шедевры «голубого» периода: «Две сестры (Свидание)», «Старый еврей с мальчиком», «Трагедия» (фото полотна выше), «Жизнь», где еще раз возникает образ погибшего Касагемаса. Она стала его возлюбленной, а затем второй женой в 1961 году. Первый выпуск был опубликован 31 марта 1901 года, когда художник начал подписывать свои работы «Пикассо» прежде он подписывал их «Пабло Руис и Пикассо». Согласно одной из версий, первое слово, которое он произнёс, было PIZ, сокращенное от LAPIZ (карандаш по-испански).

Пикассо обладал необычным даром преобразования любых отходов в шедевры. Возращение к предметной живописи. От экспериментов с цветом и передачи настроения Пикассо обратился к анализу формы: сознательная деформация натуры (Авиньонские девицы, 1907), односторонняя интерпретация системы Сезанна и увлечение африканской скульптурой приводят его к совершенно новому жанру. Большая часть работ была сожжена, чтобы обогреть маленькую комнату. Он оставил после себя более 80 тысяч работ (по другим сведениям около 20 тысяч).

(В 1953 году Франсуаза сбежала от Пикассо с двумя детьми из-за его сложного характера и постоянных измен, художник тяжело переживал это расставание, что отразилось в ряде его работ того времени – например, в серии рисунков тушью изображающих отвратительного старого карлика буффонадно контрастирующего с юной и прекрасной девушкой). Розовый период характеризуется более жизнерадостными тонами – охристыми и розовыми, а также устойчивыми темами изображений – арлекинами, бродячими актерами, акробатами (Семейство комедиантов (1905), Акробат и молодой Арлекин (1905), Шут (1905). Произведения, созданные в 1945—1955 годах, очень средиземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят своё выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»). В тот же период, когда Пикассо сотрудничал с труппой Дягилева, он и Игорь Стравинский работали над балетом «Пульчинелла» в 1920 году. В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. А образы картин – акробаты, актеры (Акробат и молодой Арлекин, Семейство комедиантов, Шут). На мой взгляд, в живописи искания не имеют никакого значения. Впрочем, художник согласился стать ее крестным.

Но их совместное счастье длилось не очень долго. Иногда угольщик, которому Фернанда строила глазки, отсыпал им угля даром. Когда в 1973 г. Пикассо умер в возрасте 91 года, после него осталось около 200000 картин, гравюр, скульптур, рисунков, конструкций, коллажей. Все это проявилось в многочисленных литографиях (ок. Это для них как бы знак отличия от общей массы. После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создает атмосферу конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 и театральной пьесе, созданной во время войны.

Замок напоминает капсулу времени – после смерти Пикассо он был заброшен Жаклин и Кэтрин (Catherine Hutin), ее дочерью и оставлен на попечитетелей. В 1958 году Пикассо был уже очень известе в мире. Некоторые из них («Коза», 1950 «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. В настоящий момент картина хранится в Музее современного искусства города Нью-Йорка.

В годы второй мировой войны Пикассо живет во Франции, где сближается с коммунистами-участниками Сопротивления (в 1944 Пикассо даже вступает во Французскую компартию). В кубическом периоде Пикассо выделяют несколько этапов. В 1930-1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса (Лежащая женщина, 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма (Мужчина с букетом, 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (Пикассо создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса – Конструкция, 1931). "Мать и дитя" (1922), портрет сына Поля (1923) являются характерными произведениями того времени.

Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо. музей современного искусства, Центр Помпиду). Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения («Портрет художника, в подражание Эль Греко», 1950) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968). Его реакция на господствующий в буржуазном мире дух насилия, попрание человеческих прав, боль и страдания людей получает метафорическую окраску, зачастую выражается языком мрачного гротеска, в искажённых, режущих глаз формах (Плачущая женщина, 1937, собрание Пенроз, Лондон). Герои—это бедные дети и матери, старики. Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период (Девушка перед зеркалом, 1932, Нью-Йорк, Музей современного искусства).

В 1925 начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. В работах этого периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903 Пикассо считал — «кто грустен, тот искренен») движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901 «Женщина с шиньоном», 1901 г «Свидание», 1902 «Нищий старик с мальчиком», 1903 «Трагедия», 1903). С 1968 по 1971 года он создал множество картин и сотни медных гравюр.

Увидев ее, он забыл, зачем пришел в подвал и вернулся к себе с пустым кувшином. Фигуры циркачей изображены на фоне синего неба, принято считать, что арлекин с правой стороны – это сам Пикассо.

Одна из посвященных ей работ, это Обнажённая, Я люблю Еву. Произведения, созданные в 1945-1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо (Радость жизни). С одной стороны— коммунист, прогрессивный деятель, борец за мир и трогать его было опасно с другой Дело не в том, что, с их точки зрения, он был «буржуазный формалист», с этим еще можно было примириться, главное— он был великий мастер и при сопоставлении с его работами все великие достижения советского искусства меркли и отбрасывались на столетие назад. По Курбе», 1950 «Алжирские женщины.

Обыгрывается контраст движения и неподвижности. творчество Пикассо переживает новый перелом. С 1905 и, вероятно, уже под влиянием Сезанна, он стремится придать формам больше простоты и значительности, в меньшей степени, однако, отразившейся на его первых скульптурных работах (Шут, 1905), нежели в произведениях эллинизирующего периода (Мальчик, ведущий лошадь, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Они пробовали изобразить один и тот же предмет с разных сторон одновременно. В 1930—1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создаёт их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса— «Конструкция», 1931).

Так же не колористическая или психологическая, но сугубо пластическая интерпретация модели сохраняется и тогда, когда Пикассо, после знакомства с Ж. Кокто и С. Дягилевым (1915) и работы над декорациями и костюмами к театральным постановкам Парад, Русский балет (1916–1919), вступает в новый, так называемый неоклассический период. Печать неистовствовала, критики объявили «Русский балет» едва ли не предателями, деморализующими французское общество в тылу во время тяжёлой и неудачной войны. С осени 1901 года он написал несколько посмертных портретов Касагемаса, которые завершились мрачной аллегорической картиной La Vie («Жизнь») (1903), в настоящее время представлена в Музее искусств Кливленда.

Здесь несколько подэтапов. Важны только находки. Произведения периода сюрреализма: «Танец», «Женщина в кресле» (на фотографии ниже), «Купальщица», «Обнаженная на пляже», «Сон» и т. д. После того как отгремели войны и мир пришел в относительное равновесие, восстанавливая все, что было разрушено, творчество Пикассо тоже обрело более счастливые и яркие краски.

Потом семья переезжает в Барселону и в 1894 году Пикассо поступает в школу изящных искусств Ла-Лонха. В 1961 году почти 80-летний Пикассо женится на 34-летней красавице Жаклин Рок. Отцу он объявил, что в академии все пропахло консерватизмом и учиться там нечему. Скорее всего именно эти африканские влияния и определили окончательный вариант портрета.

Они жили в центре богемной парижской жизни и мекке парижских художников Бато-Лавуар. Пикассо – подлинный гений искусства и в этом нельзя сомневаться. По Веласкесу, Девушки на берегу Сены. По Веласкесу (1957) Завтрак на траве. Живопись вундеркинда существенно выделялась на фоне старших сверстников, его первые большие работы маслом «Первое причастие» и «Знание и милосердие» заслужили множество наград и медалей на художественных выставках в Барселоне и Малаге. Этот символический жест не помог – Ольга упорно не желала исчезать из его жизни.

Они обвинили Пикассо в том, что тот посмел исказить черты «Великого Сталина» и возмущённо требовали напечатать опровержение. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и не ровны по качеству (Мастерская в Каннах, 1956).

Но сказать так, значит не сказать ничего. В них художник словно бросает вызов миру благополучных и равнодушных толстосумов и мещан. При этих обстоятельствах в начале 1902 года он начал делать работы в стиле, впоследствии названном «голубой период». В 1961 году почти 80-летний Пикассо женится на 34-летней красавице Жаклин Рок. Также в позднем творчестве художник часто обращается к женскому портрету (портреты Жаклин Рок) (см.

С 1992 года полотно хранится в музее Мадрида. Он настолько разный в каждый следующий период, что кажется, что это писали разные люди. В 1930—1934 именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса— «Конструкция», 1931).

Их старший брат Майкл Стайн и его жена Сара также коллекционировали его работы. Многие картины измождённых матерей с детьми датируются «голубым периодом», во время которого Пикассо разделил своё время между Барселоной и Парижем. Это был серьёзный удар для Пикассо. И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения.

Именно здесь начинается его настоящее художественное образование, несмотря на пребывание в течение нескольких месяцев (зима 1897-1898) в академическом Мадриде, где он, впрочем, ничему особенно не научился, поскольку его мастерство в этой области проявилось еще раньше (Мужчина в фуражке, 1895). Пикассо Пабло (Picasso собственно Руис-и-Пикассо, Ruiz у Picasso) (1881-1973), французский художник. В этот момент Пикассо открывает для себя особенности африканской культуры. Синтетический кубизм – более декоративный характер.

На момент начала Первой мировой войны (август 1914 года) Пикассо жил в Авиньоне. И деформация, к которой прибег Пикассо имела глубокое обоснование.

После произведений голубого периода (названного так из-за преобладающего голубого цвета), на которых изображены изможденные от работы и голода люди (Гладильщица, 1904, Нью-Йорк, музей Соломона Гуггенхейма Скудная трапеза, офорт, 1904), картины розового периода представляют мир циркачей и бродяг (Семья акробатов с обезьяной, 1905, Гетеборг, музей Девочка на шаре, Москва, Музей изобразительных искусств им. Он трансформировал искусство так, как никто другой в этом веке.

В Валлорисе же Пикассо занялся керамикой. В своей графике Пикассо использует разного рода технику.

Процарапанные места покрываются кислотой, а полученное углубленное изображение заполняется краской и оттискивается на бумагу. Написана в монохромном стиле, только 3 цвета – черный, серый, белый. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. Они жили в центре богемной парижской жизни и мекке парижских художников Бато-Лавуар. В Валлорисе художник начал в 1954 году серию портретных изображений «Сильветт»1920. «Голубой период» Пикассо (1901-1904) характеризуется мрачными картинами, представленными в оттенках синего и сине-зелёного, которые лишь изредка согреты другими цветами.

Один из признанных шедевров «розового» периода – «Семейство комедиантов» (на фото выше). После войны он находится в первых рядах борцов за мир и демократию.

Сотрудничество Пикассо с Русскими балетами (декорации и костюмы для Треуголки, 1919) воскрешает в нем интерес к декоративизму и возвращает его к персонажам своих ранних работ (Арлекин, 1913, Париж, Нац. После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создаёт атмосферу конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить отчасти влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 и театральной пьесе, созданной во время войны.

В 1930—1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса — «Конструкция», 1931). В том же году, в возрасте 14 лет, он написал «Портрет тёти Пепы», энергичное и драматическое изображение, которое Хуан-Эдуардо Сирлот назвал «без сомнения, одним из величайших во всей истории испанской живописи».

Началом периода можно считать Портрет Хайме Сабартеса и автопортрет Пикассо, написанные в 1901 году. Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Орта-де-Эбро», 1909), увеличивает и ломает объёмы («Портрет Фернанды Оливье», 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твёрдым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Пикассо не колеблясь избрал свое лицо, с тем чтобы вызвать нужную ему реакцию. Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил это прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность (Рыбная ловля ночью на Антибах, 1939, Нью-Йорк, Музей современного искусства), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов (Майя и ее кукла, 1938, Париж, музей Пикассо).

Пикассо долго подбирал ключи к Ольге, а она оказалась незапертой дверью. Договор с Канвейлером положил конец его изгнанию из Франции. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником— символом надежды.

п. — атрибуты, присущие образу жизни художественной богемы начала века. Затем семья перебралась в один из красивейших городов – Барселону. Живопись начала 20-х – такие картины, как Женщины, бегущие по пляжу, Флейта Пана, Портрет Ольги Хохловой, построены на контрасте холодного (синего, голубого) и теплого (красного, коричневого, терракотового) тонов. Он оставил после себя более 80 тысяч работ (по другим сведениям около 20 тысяч). Франсуазе посвящена картина Женщина-цветок.

В 1954 он встречается с Жаклин Рок, которая в 1958 станет его женой и вдохновит его на серию очень красивых портретов. В палитре мастера преобладают голубые оттенки. В ней прослеживается влияние популярного на тот момент увлечения «порочными» персонажами, характерного для французского искусства. С 1904 постоянно жил во Франции. «Розовый период» (1904 – 1906) характеризуется более веселым стилем, оранжевыми и розовыми цветами и изображением циркачей, акробатов и арлекинов известных во Франции как «saltimbanques». «Да, думал я, это здорово.

Однако и здесь он задержался всего лишь на семь месяцев. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передаёт в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914). Один этаж Пикассо отвел под свою студию, другой был отдан жене.

Мадрид хранил много других достопримечательностей. В работах этого периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали (Пикассо считал -- «кто грустен, тот искренен») движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901 «Женщина с шиньоном», 1901 г «Свидание», 1902 «Нищий старик с мальчиком», 1903 «Трагедия», 1903). Он был первым ребенком дона Хосе Руиса Бласко (1838-1913) и Марии Пикассо Лопес.

(В 1953 году Франсуаза сбежала от Пикассо с двумя детьми из-за его сложного характера и постоянных измен, художник тяжело переживал это расставание, что отразилось в ряде его работ того времени – например, в серии рисунков тушью изображающих отвратительного старого карлика буффонадно контрастирующего с юной и прекрасной девушкой). Наряду с циклом великанш и купальщиц, картины, вдохновленные помпейским стилем (Женщина в белом, 1923, Нью-Йорк, Музей современного искусства), многочисленные портреты жены (Портрет Ольги, пастель, 1923, частное собрание) и сына (Поль в костюме Пьеро, Париж, музей Пикассо) являют собой одни из самых пленительных произведений, когдалибо написанных художником, даже при том, что своей слегка классической направленностью и пародийностью они несколько озадачили авангард того времени.

Новые дары наследников (1990) обогатили парижский музей Пикассо, Городской музей современного искусства в Париже и несколько провинциальных музеев (картины, рисунки, скульптуры, керамика, гравюры и литографии). Произведения, которые были созданы в последние 15 лет жизни, весьма неравномерны по стилистике и качеству. Для нее и себя он покупает виллу в Каннах. Скоро Пикассо понял, что они с женой живут не только на разных этажах, но и в разных мирах. приложение 1), с которой он не расставался в течение всей жизни.

Рот, глаз, ухо становятся чем-то вроде универсальных деталей. В это же время он начинает работать с керамикой, создавая множество декоративных кувшинов, блюд, тарелок, статуэток (фото представлено выше). В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. И там и здесь острая выступающая грань – предвестник новой эстетики, ее бескомпромиссной готовности к переделке мира. «Его способность забывать еще более поразительна, чем его память», – говорили о Пабло друзья.

Мастер женился на своей «звезде сераля» и поселился с ней на вилле «Ла Калифорни» близ Канн. Первая реакция публики – шок. Одну из танцовщиц Дягилевской группы Ольгу Хохлову. В 1954 году он написал портрет женщины в полосатом платье, сидящей на корточках. В 1907 году появляется тоже небезызвестная работа Авиньонские девицы.

В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Он носил костюм механика – синюю спецовку и красную рубашку в белый горошек.

Произведение переходного периода— от голубого к розовому— Девочка на шаре (1905, Музей изобразительных искусств, Москва). Но с другой стороны это можно представить как избавление от старых воспоминаний о близком человеке. Он не изображает солдат в американских мундирах – лишь пейзаж, на фоне которого представлены беззащитные деформированные фигуры казнимых и механизированные чудовища-каратели. Пабло пишет портрет Ольги в испанской мантилье своей матери. Здесь он учится в местной школе искусств (1894 – 1895).

Художественная атмосфера Барселоны, в которой преобладала неординарная личность архитектора Гауди (мастерская Пикассо находилась перед домом, построенным Гауди), была весьма подвержена внешним воздействиям: Ар Нуво искусства Бердсли, Мунка и северного экспрессионизма в целом и в гораздо меньшей степени – импрессионизма и французской живописи, за исключением Стейнлена и Тулуз-Лотрека, влияние которых вскоре проявилось и в творчестве Пикассо (Танцовщица, 1901, Барселона, музей Пикассо). После свадьбы Хохлова оставила балет. Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике Мадура в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных (Кентавр, 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Произведение переходного периода — от «голубого» к «розовому» — «Девочка на шаре» (1905, Музей изобразительных искусств, Москва). По Мане» (1960).

Ей удалось внушить мужу, что его дети только и ждут его смерти, чтобы получить наследство. Еще при жизни художника, в 1970 году был открыт Музей Пикассо в Барселоне (картины для этого музея передал сам Пикассо), а в 1985 усилиями наследников художника – уже был создан Музей Пикассо в Париже, насчитывающий более 200 картин, более 150 скульптур и несколько тысяч рисунков, коллажей, эстапмов, документов. Вдвоем c Кокто они отправились в Рим – там гастролировали эти удивительные русские.

В 1949 году Пикассо рисует своего знаменитого "Голубя мира" (см. Так, Пабло в 1897 году в возрасте 16 лет приехал в Мадрид. Однако напрасно искать на его полотнах цирк, цирковое зрелище.

Пикассо уделил особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Хорта де Эбро», 1909), увеличивает и ломает объёмы («Портрет Фернанды Оливье», 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910). Там он плодотворно провел время, успел посетить все музеи. Его предки были незначительными аристократами. В 1954 Пикассо встречается с Жаклин Рок, которая в 1958 станет его женой и вдохновит его на серию очень красивых портретов.

Талантливый молодой художник в одиночестве занимается в Париже изучением интернациональной живописи и вбирает в себя и с поразительной легкостью усваивает самые разные влияния: Тулуз-Лотрека, Гогена (Жизнь, 1903, Кливленд, музей), Каррьера (Мать и дитя, 1903, Барселона, музей Пикассо), Пюви де Шаванна, набидов (Облокотившийся Арлекин, 1901, частное собрание), а также греческого искусства (Водопой, сухая игла, 1905) и некоторых испанских традиций (Старый гитарист, 1903, Чикаго, Художественный институт Портреты госпожи Каналье, 1905, Барселона, музей Пикассо). Испанец по происхождению. Они живут своим внутренним миром их тонкие «готические» пальцы познают не внешние формы предметов, а их внутренний тайный смысл.

В позднем творчестве художник часто обращается к женскому портрету (портреты Жаклин Рок). Портрет Амбруаза Воллара (1910), Завод в Хорта де Сан Хуан (1909), Портрет Фернанды Оливье (1909), Портрет Канвейлера (1910). Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, потому, что сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932, вдохновляла его на откровенную чувственность (Зеркало, 1932, частное собрание).

Контакты с сюрреализмом. По Делакруа (1955) Менины. Каковы бы ни были намерения автора, результат этого пластического анализа и последующего синтеза, лаконичные конструкции, в которые он претворяет лица и фигуры своих моделей, – конкретный образ, соотносимый с тем, который, трансформируясь именно так, как это нам показывает художник (от человека «простого» к просто человеку), находится в начале 20 в. в центре искусства, литературы, философии идеологии. Пикассо отказался от оплаты в 100000, пожертвовав всю сумму жителям города. Но смысл новых исканий художника был, разумеется, отнюдь не в изменении его текстуры. Именно так и случилось с Пабло Пикассо, произведения которого теперь известны всему миру.

Полотном "Авиньонские девушки" (1907) Пикассо, как уже было сказано, отметил рождение кубизма. Для этого портрета она позировала более восьмидесяти раз. Жаклин остается последней и верной женщиной Пикассо и ухаживает за ним, уже больным, ослепшим и плохо слышащим, до самой его смерти. Для Жаклин он был божеством, она называла его «монсеньор» – как епископа. Полотно имеет внушительные размеры – в высоту и ширину более двух метров. Скульптурные произведения Пикассо свидетельствуют о мощи его незаурядной фантазии, а как график (рисовальщик, офортист, литограф, линогравёр и дизайнер в дягилевских "Русских сезонах") он считается одним из великих художников 20 века.

Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неравны по качеству («Мастерская в Каннах», 1956). Впрочем, это не отбило у него вкуса к удовольствиям. В 1937 году симпатии Пикассо — на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Фрaнко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолетов над позициями франкистов). Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неровны по качеству (Мастерская в Каннах, 1956, Париж, музей Пикассо). Балетом Пикассо до того дня не интересовался, но почему бы и нет.

Ты напрасно делаешь вид, что я не существую, когда я вот она, тут». К тому же, его картины не покупали. Громадная композиция (28кв. м. ), написанная в течение нескольких недель в творческом порыве, связала искусство Пикассо с жизнью всех народов, сражающихся с фашизмом против будущих "Герник". А весной 1917 года его друг, поэт Жан Кокто, давно сотрудничавший с «Русским балетом» Дягилева, предложил развеяться – создать декорации и костюмы к новому спектаклю прославленной труппы. Соединение геометрических и человеческих фигур в Девочке на шаре (1905) делает эту картину прологом к тем инновациям, которые через два года войдут с кубизмом в мировое искусство. Весной 1904 г. Пикассо окончательно поселяется в Париже на Монмартре.

Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и не ровны по качеству («Мастерская в Каннах», 1956). По Мане, Менины. Он создаёт классически ясные, глубоко человечные образы (Три женщины у источника, 1921, Музей современного искусства, Нью-Йорк, Мать и дитя, 1922, Художественный музей, Балтимор иллюстрации к Метаморфозам Овидия, офорт, 1931, серия Мастерская скульптора, входящая в Сюиту Воллара, офорт, 1933-34), портреты современников, людей из народа (рисунки – Рыбак, карандаш, 1918 Отдыхающие крестьяне, перо, 1919). Когда в мае 1907 Пикассо случайно зашел в Этнографический музей в Париже (ныне Музей Человека) в старом дворце Трокадеро и впервые увидел маски народов Африки, Океании, Карибского бассейна и Америки, на него все это произвело огромное впечатление.

По Веласкесу» (1957) «Завтрак на траве. творчество Пикассо всё сильнее пронизывают отзвуки современных событий. По Веласкесу (1957) Завтрак на траве. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мертвым ребенком и быком за её спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. Также в конце "розового периода" появились "античные" картины – "Мальчик, ведущий лошадь" (1906), "Девочка с козлом" (1906) и другие.

Вот только одна из показательных по своему тону рецензий, вышедших на следующий день после премьеры «Парада». Пикассо оставался в Париже в период немецкой оккупации с 1940 по 1944 год. Спустя еще четыре года родители приняли решение устроить его в лучшую на тот момент передовую школу искусств – «Сан Фернандо» в Мадриде. Голубь изображенный на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже (1949), оказался, вероятно, наиболее действенным проявлением политических убеждений художника. Синяя Комната Пикассо (1901, Собрание Филипса, Вашингтон) отражает влияние этих художников и одновременно показывает эволюцию творчества Пикассо в голубой период, который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение последующих нескольких лет.

Художник играет на контрасте и балансе форм или линий, тяжести и легкости, устойчивости-неустойчивости. Светлые и тёмные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. Это Ольга Хохлова – одна из самых красивых балерин труппы. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 (Три музыканта, 1921, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Трудно было найти человека ленивее, чем она. Пикассо всегда боялся быть один.

Пабло купил машину, нанял шофера, обзавелся дорогими костюмами. Полное имя, которое будущий художник получил при крещении— Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано (Криспиниано) де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо. Так что, когда мы ищем его в Африке, то находим в Испании. Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, так как сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или так как простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932).

Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на буржуазной Ольге Хохловой, успех художника в обществе – все это отчасти объясняет этот возврат к фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты (Мандолина и гитара, 1924, НьюЙорк, музей Соломона Гуггенхейма). При этих обстоятельствах в начале 1902 года он начал делать работы в стиле, впоследствии названном «голубой период». В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. В этот период Пикассо первый раз отправился в Париж. Произведения, созданные в 1945-1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо (Радость жизни). Разлучницей оказалась Ева Гуэль по прозвищу Куколка, подруга одного польского художника.

Переход от сентиментализма «голубого» и «розового» периодов к инновациям, возникающим зимой и весной 1907 в этюдах к этой картине, во многом имеет контрастный характер. Oливье появляется во многих его картинах «розового периода», на большую часть из которых повлияли их тёплые отношения, наряду с интенсивным изучением французской живописи. Обучение Пикассо под руководством отца началось до 1890 года. Она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня". Франсуаза стала прообразом картины Женщина-цветок. К ранним работам относятся: «Горшок, бокал и книга», «Купание», «Букет цветов в сером кувшине», «Хлеб и ваза с фруктами на столе» и т. д. В полотнах четко прослеживается, как меняется стиль художника и приобретает все более абстрактные черты к концу периода (1918-1919 годы).

На данный момент за работы Пикассо должен был взяться арт-дилер Леон Розенберг. Пикассо проявил себя в графике разного рода и разного назначения. Собственно кубистический период в творчестве Пикассо заканчивается вскоре после начала Первой мировой войны, разделившей его с Жоржем Браком. В 1947 году Пикассо переезжает на юг Франции в город Валлориес. К 1905 году Пикассо стал фаворитом американских коллекционеров Лео и Гертруды Стайн.

Стимулом к его развитию многие считают вопрос, возникший среди художников: «Зачем рисовать. » Достоверному изображению того, что видишь, в начале 20 века можно было научить практически любого, к тому же буквально на пятки наступала фотография, которая грозила целиком и полностью вытеснить все остальное. Пикассо по-прежнему нищ, но его жизнь постепенно начинает становиться ярче. приложение 1), (1912) "Скрипка" (1913). Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты— клоуны, танцовщики и акробаты картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов (Семья акробата с обезьяной, 1905).

в живописных работах он нередко возвращается к античным реминисценциям, часто в гротескной форме интерпретирует картины старых мастеров (Лас Менинас Д. Веласкеса, Расстрел Ф. Гойи), работает как скульптор (Человек с ягнёнком, бронза, 1944, Валлорис), керамист и как график использующий широкий диапазон техник (рисунок, офорт, линогравюра и др. ) и изобразительных средств. На момент поступления Пикассо было только 13 лет. "Две сестры" явились одним из первых произведений этого периода. Картина Бойня (1944-1945, Нью-Йорк, Музей современного искусства) – последнее трагическое произведение Пикассо. Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на Ольге Хохловой, успех художника в обществе— все это отчасти объясняет этот возврат к фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты («Мандолина и гитара», 1924).

Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921). Это был самый тяжелый период в жизни начинающего художника. Это полный дневник его жизни, его настроений, его страстей и дилемм. Наиболее характерным произведением этого периода стала «Девочка на шаре».

Публика в зале едва не сорвала спектакль криками «Русские боши, долой русских, Сати и Пикассо боши. » Дело дошло даже до потасовки. Это помогает ему выбраться из финансовой ямы. Каталонские художники, с которыми Пикассо знакомится в кафе "Четыре кота" (в этом кафе пройдет его первая выставка), заново открывают Эль Греко, Сурбарана, средневековую каталонскую скульптуру, Испанию, более непосредственную и страстную, чем это допускалось официальным обучением. Разделение творчества есть не что иное, как желание разложить по полочкам и втиснуть его в определенные (стилистические, временные) рамки. По Мане (1960).

После похорон Евы Пикассо некоторое время жил очень уединенно. Рисунок сопутствовал художнику во все периоды его жизни, он с ним никогда не расставался. Здесь сообща делят удачу и горечь поражений. Рядом с этим имеются рисунки композиционные, вспомогательные к картинам. Грандиозный скандал 18 мая 1917 года, состоявшийся на премьере (и единственном представлении) этого балета в театре Шатле немало способствовал подъёму популярности Пикассо в широких кругах парижского бомонда. Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к Метаморфозам Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Они показаны вне игры изредка во время репетиции, чаще – в будничной жизни, семье. Пикассо был для Жаклин божеством, кумиром, она называла его мой господин.

Для Пикассо жизнь и искусство едины. По Курбе (1950, Базель, Художественный музей) Алжирские женщины. Самые яркие представители кубизма были: Жорж Брак и Пабло Пикассо.

В 1905–1906 Пикассо отдавал много времени изучению архаики. Некоторые из них (Коза, 1950 Обезьяна с малышом, 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. непосредственно перед «голубым периодом»), а 1904 год можно считать переходом между двумя периодами. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. В 1985 году наследники художника открыли музей Пикассо в Париже.

Девочка кажется беззащитной в окружающем мире и вместе с тем беззаботно смелой. В "кубическом" периоде Пикассо выделяют несколько этапов: "Сезанновский" кубизм, представленный в работах "Бидон и миски" (1908), "Три женщины" (1908) (см. Пикассо уделил особое внимание превращению форм в геометрические блоки (Фабрика в Хорта де Эбро, 1909), увеличивает и ломает объёмы (Портрет Фернанды Оливье, 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины (Портрет Канвейлера, 1910). В возрасте 7 лет отец поручал ему дописывать лапки голубей на своих картинах. Она была на 40 лет моложе его.

После потери Евы Гуель, у художника был роман с Габи Леспинасс. Произведения, созданные в 1945—1955 годах, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»). Пикассо был очарован.

Еще при жизни художника, в 1970 году был открыт Музей Пикассо в Барселоне (картины для этого музея передал сам Пикассо), а в 1985 усилиями наследников художника – уже был создан Музей Пикассо в Париже, насчитывающий более 200 картин, более 150 скульптур и несколько тысяч рисунков, коллажей, эстапмов, документов. И это сказывается не только в его любимых темах и мотивах, но и в художественном строе его искусства. Пикассо она напоминала алжирку с картины Делакруа «Алжирские женщины».

Следует отметить, что Пикассо уже в те годы прекрасно знал французскую испанскую и даже интересовался русской литературой (Тургенев, Горький). Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, так как сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932).

Произведения, созданные в 1945—1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»). И так же легко бросил учебу. Переход от сентиментализма «голубого» и «розового» периодов к инновациям, возникающим зимой и весной 1907 в этюдах к этой картине, во многом имеет контрастный характер.

В результате чего картина получает второй центр тяжести за пределами полотна. Он взял ее за руку и произнес весьма двусмысленную фразу: «Уверен, вдвоем мы с вами сделаем столько замечательного». Этот образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет главную тему картины Герника, самого знаменитого его произведения, которое он пишет через несколько недель после разрушения немецкой авиацией маленького городка басков и которое знаменует начало его политической деятельности (Мадрид, Прадо до 1981 картина находилась в Нью-Йорке, в Музее современного искусства). А в 1904 году переехал туда жить. Она превратила его в классический светский салон с уютными канапе, портьерами и зеркалами.

Новые дары наследников (1990) обогатили парижский музей Пикассо, Городской музей современного искусства в Париже и несколько провинциальных музеев (картины, рисунки, скульптуры, керамика, гравюры и литографии). Событие это потрясло Пикассо. Рисовать для Пикассо это живая потребность.

Никогда еще женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточенностью увенчанные нелепыми шляпами, лица изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). Иногда, например, он изображал предметы с такой детальной точностью, что фотографии в сравнении с ними кажутся нерезкими и приблизительными.

Через пол года он все-таки решил в очередной раз приехать в Париж, где буквально все напоминало ему о близком друге, который не так давно впервые показывал емувсе прелести столицы Франции. В своей книге 1964 года «Жизнь с Пикассо» Жило описывает его жестокое обращение и бесчисленные измены, которые привели к тому, что она бросила его, забрав детей. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты — клоуны, танцовщики и акробаты картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905). Пабло интересовало совершенно все.

К раннему периоду его творчества относятся картины, написанные в 1986 году: «Автопортрет» Пикассо, «Первое причастие» (на ней изображена сестра художника Лола), «Портрет матери» (на фото ниже). Особенно явно в глаза бросается гипертрофированная рука женщины, которой она словно старается защититься. Она состот из 27 пано и картин.

В них больше всего проявилась его наблюдательность и зрительная память. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передает в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914). По Делакруа (1955) Менины. В творчестве Пикассо этот этап длился относительно долго – с 1904 г. (осень) до окончания 1906-го – и был не совсем однородным. Она прекрасно понимает, что не так-то просто попасть в знаменитую труппу Дягилева и еще сложнее удержаться среди молодых и красивых танцовщиц. Месяцем позднее он уезжает вместе со всей труппой Русских балетов на два месяца в Рим, где выполняет декорации, костюмы, знакомится с балетмейстером «Парада» Леонидом Мясиным и многими балетными артистами русской труппы.

Пикассо в те годы открывает для себя Эль Греко и Моралеси. Пикассо жил в Париже и уже пользовался европейской известностью, когда его личная судьба слилась с судьбой его родины – Испании. Во-первых, это рисунки, зарисовки с натуры или по памяти, упражнения глаза и руки. Сезанновский кубизм отражен в работах Бидон и миски, Женщина с веером, Три женщины.

Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения (Портрет художника, в подражание Эль Греко, 1950) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968). Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе увлечённый проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Уберите один из компонентов картины – произойдет катастрофа. Ныне там располагается музей и фонд имени П. Пикассо. Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Иногда его называют «цирковым» и это точнее передает его содержание.

Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к Метаморфозам Овидия (1930) и Аристофану (1934) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. После освобождения. Она была шокирующей для публики. В акварели и гуаши Пикассо большую роль играет цвет. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ (Сидящая купальщица, 1929), орущих (Женщина в кресле, 1929), раздутых до абсурда и бесформенных (Купальщица, рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы (Фигуры на берегу моря, 1931). Позднее Пикассо показал виртуозное владение техникой офорта. Это качество, вообще типичное для традиционной скульптуры, особенно выразительно в скульптураз западноафриканского народа фанг, в статуях и масках догонов, сенуфо, бамбара.

«В один прекрасный день, – вспоминает писательница, – Пикассо переписал всю голову заново. Но после развода дочка так и не получила его фамилию. Примириться с этим было невозможно и борьба с Пикассо шла по разным направлениям.

Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921). Именно там Пабло Пикассо познакомился с творчеством импрессионистов. кa — культурный и политический центр жизни этого свободолюбивого народа. Трагическая античная маска со светильником, врывающаяся в этот хаос, кричащая от боли и ужаса, не случайно воспринимается как символ музы художника.

Этот шедевр открывает неповторимую галерею женских образов в творчестве Пикассо, среди которых особое место занимает Ольга. Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике Мадура в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных (Кентавр, 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Проучившись в Барселоне всего год, он без особого труда поступает в самое престижное художественное заведение страны: Мадридскую академию художеств. Позже Пикассо говорил: Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касагемас мертв. По ее образу он создает серию портретов. Пикассо уставший от его любовницы Доры Маар, начал жить вместе с Жило.

Франсуаза вскоре дарит ему сына Клода и дочь Палому. Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Матисс был в бешенстве.

Образы на его картинах вновь стали чувственными и наполнились жизнью, яркостью в противовес персонажам «голубого» этапа творчества. В 1918 году пара поженилась, а уже в 1921 году у них родился сын Поль. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Несмотря на неприятие кубизма большинством, картины Пикассо очень хорошо покупаются.

Даже большинство друзей не приняли эту работу. В годы испанской революции и войны Пабло Пикассо находится в Париже. Выставка в Гран-Палэ в Париже в 1979 г. так называемого «завещания Пикассо» (работы, переданные наследниками Пикассо государству Франции в уплату налога на наследство) дала возможность увидеть множество произведений, выполненных из таких материалов, как картон, жесть, дерево, бумага. Ему было поручено сделать макет для огромной общественной скульптуры 50 футов (15 м) в высоту, которую должны были построить в Чикаго и обычно известную как Чикагский Пикассо. В 1937 симпатии Пикассо— на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Франко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолетов над позициями франкистов).

Музей Пикассо был открыт в Барселоне, благодаря самому художнику, который в 1970 преподнес в дар городу свои работы. Пабло Руис Пикассо (Picasso Pablo) (1881—1973) испанский художник и скульптор, с 1904 года проживавший во Франции. По возвращении Пикассо завершает портрет Гертруды Стайн (Нью-Йорк, музей Метрополитен), пишет страшных, варварских обнаженных (Нью-Йорк, Музей современного искусства), а зимой работает над Авиньонскими девицами (Нью-Йорк, Музей современного искусства), картиной очень сложной, в которой сочетаются различные влияния – Сезанна испанской скульптуры и африканского искусства, которое было (хотя сам художник отрицал это) одним из основных источников кубизма (Танец с покрывалами, 1907, Санкт-Петербург, Гос.

Страстный защитник мира, он создал своего знаменитого "Голубя мира" (1949), которого узнала и полюбила вся планета и который стал символом борьбы человечества с войной. Каковы бы ни были намерения автора, результат этого пластического анализа и последующего синтеза, лаконичные конструкции, в которые он претворяет лица и фигуры своих моделей, – конкретный образ, соотносимый с тем, который, трансформируясь именно так, как это нам показывает художник (от человека «простого» к просто человеку), находится в начале XX в. в центре искусства, литературы, философии идеологии. Пикассо – истинный вдохновитель почти всех художественных направлений двадцатого столетия. Испанцы плакали на выставке, стоя перед "Герникой". Анализируя «Геранику» в терминах пластического искусства, видно, что картина закрыта снизу, ограничена по бокам и открыта сверху.

Творческая биография Пабло Пикассо по-настоящему экстремальна. Свою первую серьезную картину он написал в восемь лет – «Пикадор». Резким контрастом по отношению к этим произведениям являются многие работы 20-30-х гг., отмеченные безудержной трансформацией действительности (Танец, 1925, частное собрание), полемической эстетизацией безобразного (Женщина на пляже, 1930, Музей современного искусства, Нью-Йорк).

В 80 лет неугомонный Пабло Пикассо женится на 34-летней Жаклин Рок. Пикассо создал более чем 20 тысяч работ. Все это во многом послужило тем сором из которого вырос голубой период. Обыгрывается контраст движения и неподвижности. Этот момент можно по праву назвать переходным от следования за натурой к деформации формы. В 8 лет он рисует свою первую серьезную картину маслом, "Пикадор" (см. В этом же номере впервые в Европе была опубликована копия картины Les Demoiselles («Авиньонские девицы»).

В возрасте 13 лет Пабло Пикассо с блеском поступил в Барселонскую Академию художеств. Техника соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости (Гитара и скрипка, 1913) или передает в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 (Портрет девушки 1914). Затем отец решил отправить Пабло учиться в Мадридскую академию Сан Фернандо. Особенно важны в тот период скульптуры (Беременная женщина, 1950). Пикассо связал себя узами брака с Жаклин лишь в 1961 году.

Розовый период характеризуется более жизнерадостными тонами – охристыми и розовыми, а также устойчивыми темами изображений – арлекинами, бродячими актерами, акробатами (Семейство комедиантов (1905), Акробат и молодой Арлекин (1905), Шут (1905). Пикассо, вначале больше других отдавший дань модным темам, очень скоро и весьма остро ощутил, что живопись обладает собственными средствами для более глубокого анализа человека – «на элементарном уровне», – который был начат несколько раньше во французской поэзии, русской литературе, немецкой философии и австрийской психиатрии. С ранних лет Пикассо показывал страсть и способности к рисованию. Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе увлечённый проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Фигура составлена из нескольких самостоятельных объемов: голова (шар), руки (прямоугольник), спина (треугольник) и отделенные от туловища, четко очерченные как самостоятельные объемы ноги. Он всегда говорил, что испытывает ужас перед гармонией и хорошим вкусом. Его влекли теперь нравственные ценности другого порядка.

Картина Бойня (1944-1945, Нью-Йорк, Музей современного искусства) – последнее трагическое произведение Пикассо. Период неоклассицизма 1918-1925 года. Единственный на весь дом кран находился в подвале здания – сюда все ходили за водой. На лице прежде и разительнее всего меняется способ изображения носа.

Академический реализм легко различимый в работах середины 1890-х годов хорошо отображён в «Первом причастии» (1896), большой композиции, которая изображает его сестру Лолу. Он стал одним из ведущих дилеров французского искусства XX века. Это были времена крайней нищеты, холода и отчаяния. По Веласкесу (1957) Завтрак на траве. А. С. Пушкина Семейство комедиантов, Вашингтон, Нац. Но по настоянию отца он был допущен к сдаче вступительных экзаменов на конкурсной основе.

Родился в городе Малага в автономной области Андалузия в Испании. Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры (Человек с агнцем), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи (Натюрморт с бычьим черепом, 1942). Его сопровождают пляшущие призраки. Произведение переходного периода -- от «голубого» к «розовому» -- «Девочка на шаре» (1905, Музей изобразительных искусств, Москва). Оба оставались вместе до конца жизни Пикассо. По заказу почетного директора Прадо – главного музея Испании, он создал роспись для испанского павильона международной выставки в Париже, назвав ее "Герника".

По Веласкесу» (1957) «Завтрак на траве. Она годами терпела его капризы, депрессии, мнительность, следила за его диетой. В 20-30х годах творчество Пикассо соприкасается с сюрреализмом. В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Точность и отчетливость – характерная особенность графики Пикассо. С того дня художник возненавидел Ольгу. Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950). В целом, более радостное настроение.

Семья обосновалась в двухэтажной квартире на улице Боэси. После эпикурейского изящества 1920-х (Танец) Пикассо создает атмосферу конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 и театральной пьесе, созданной во время войны. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков.

Причем классические персонажи бродячего цирка – личность, клоуны, арлекины. В атлете угадываются аллегория доблести, в девочке на шаре – фортуны. С нее начинается новый период в его творчестве, так называемый неоклассицизм. И как бы ни пытались отделить «настоящего» Пикассо от «ненастоящего» времен «голубого» и «розового» периодов, несомненно, что именно тогда сформировались основные нравственные принципы его искусства, моральные критерии, гуманистические идеалы, глобальные темы творчества. Первый творческий взлет, как ни странно, был спровоцирован долгой депрессией. По Делакруа, Завтрак на траве.

С переездом в Париж завершается «голубой период». Форма, которую теперь создает художник, не есть средство «остановить мгновенье», она становится самостоятельной структурой, существующей по своим законам. Пассеистический по замыслу, как говорил Лев Бакст, занавес для Парада отмечает возникший еще в 1915 (Портрет Воллара, рисунок) возврат к реалистическому искусству, к изящному и тщательному рисунку, часто энгристскому, к монументальности форм, навеянной античным искусством (Три женщины у источника, 1921, Нью-Йорк, Музей современного искусства).

«Все имеют право меняться, даже художники, »—острил сам Пикассо по этому поводу. По словам матери, его первыми словами были «piz, piz», сокращение от «lpiz», что в переводе с испанского означает «карандаш». Он прожил долгую и плодотворную жизнь. В доме на малагской площади Мерсед, где родился Пикассо, ныне размещается дом-музей художника и фонд, носящий его имя. Особенно важны в тот период скульптуры (Беременная женщина, 1950). Вступительный манифест к спектаклю «Парад», «.

---