Пикассо Импрессионизм

В дальнейшем художника ждёт большой путь с замудренными композициями и неожиданными ракурсами, а импрессионизм останется для него своеобразной «тихой гаванью», к которой Пикассо будет обращаться, утомившись от разобщённых конструкций и препарированных сюжетов.

Лидерами аукционов импрессионизма и модернизма в Нью-Йорке стали Бранкузи, Пикассо и Малевич

Так как если мы посмотрим на те вещи, которые имели сногсшибательный успех, то это балеты и представления, которые показывают Россию как стихийный иррациональный, страстный Восток: «Половецкие пляски», «Шехеразада» и даже «Послеполуденный отдых фавна» на музыку Дебюсси в исполнении Нижинского, собственно говоря и являются торжеством иррациональной чувственности, которая в сознании парижской публики, конечно, ассоциируется с загадочным Востоком. Это время очень активной интернационализации художественной жизни. Контакты с сюрреализмом. Как потом писал Альфред Барр-младший, один из первых фундаментальных исследователей Матисса, первый директор Нью-Йоркского музея современного искусства, до начала 1920-х годов этот номер «Золотого руна» оставался самой полной публикацией о Матиссе на всех языках мира. Полотном "Авиньонские девушки" (1907) Пикассо, как уже было сказано, отметил рождение кубизма. Он ярок, цветист, экзотичен, вот таким образом привлекателен.

И третьим важным участником «Золотого руна» с французской стороны был художник Морис Дени. В русском контексте это искусство, эта группа позиционирует себя как ярко выраженных западников-космополитов, как участников мирового художественного процесса и то, что «Мир искусства» занимается творчеством Русского Севера, то, что в его контекст входит Билибин, то, что «Мир искусства» связан с возрождением искусств и ремесел, не является в данном случае противоречием: это часть общеевропейского процесса возрождения этнических корней современного искусства. Другое дело, что «Мир искусства» постоянно сталкивался с финансовыми сложностями и потому такая международная выставка осталась, в сущности, единственной. На Родине создаются шедевры «голубого» периода: «Две сестры (Свидание)», «Старый еврей с мальчиком», «Трагедия» (фото полотна выше), «Жизнь», где еще раз возникает образ погибшего Касагемаса.

1. Эволюция стиля живописи Пабло Пикассо
2. Импрессионисты в Москве: от Моне до Пикассо
3. Приключения Моне, Матисса иПикассо вРоссии
4. Штрихи к портрету: 6 полувероятных историй о Пабло Пикассо
5. Пабло Пикассо (1881-1973) — знаменитый испанский художник, основоположник кубизма

Дело в том, что набравшее силу к этому моменту движение, выросшее из «Мира искусства», – художники и критики, сплотившиеся вокруг петербургского журнала «Аполлон», которых мы можем назвать русскими модернистами в противовес русским авангардистам, которые тоже в этот момент выходят на авансцену, – стремились перестроить русскую национальную живописную традицию, объединяя новаторство и историю. Это очень интересный пример того, как искажение в восприятии какого-то современного зарубежного художественного явления, трудно сказать, чем вызванное – сознательным выбором другого слова или недостаточным ощущением семантики французского языка, – вот это искажение ведет к принципиально новому открытию. Брюсов категорически отстаивал абсолютную свободу художника. Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике Мадура в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных (Кентавр, 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия.

Но именно после «Мира искусства», благодаря «Миру искусства» русский человек породнился с современным французским творческим процессом, породнился с импрессионистами и постимпрессионистами. Но конечно, кульминация этих покупок – это «Танец» и «Музыка». Бенуа очень хорошо ощутил, что Пикассо теперь обозначает путь современного искусства. А относительно московских купцов злые языки говорили, что Щукин тронулся. Пабло Руис Пикассо (Picasso Pablo) испанский художник и скульптор, с 1904 года проживавший во Франции.

• Результаты продаж произведений Пабло Пикассо на аукционе Кристис () 6—8 февраля
• Творчество и жизнь ПаблоПикассо
• Пабло Пикассо, художник, картины с описанием, биография
• В каждой картине – тайна, судьба, послание
• 8 самых популярных картин Пабло Пикассо (и опрос)

Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неравны по качеству («Мастерская в Каннах», 1956). Он выбирал вещи не просто характерные – он отдавал предпочтение вещам радикальным. Помимо Мерсеро, на страницах «Золотого руна» публиковались статьи Шарля Мориса, это символистский литератор, который был фактически соавтором Гогена в его знаменитой книге «Ноа Ноа», к этому моменту быстро приобретающей статус культовой, поскольку она воплощала драгоценные для европейского человека индустриальной эпохи идеи первобытного эскапизма, побега к естественному человеку в первобытный рай. «Мир искусства» – это выставочное объединение, но это одновременно и журнал, журнал, который сыграл колоссальную роль в знакомстве русского культурного общества с современным западным искусством. В отборе работ Пикассо участвовал также друг художника Жан Лемер. Фамилию Пабло решил взять материнскую, посчитав отцовскую слишком простой. Картины, посвященные нищим, странствующим актерам, бродягам – людям обездоленным, выражают настроение усталости и обреченности.

Нет. Франция в середине XIX века – безусловный художественный лидер. Искусство должно формировать среду. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы: обои, куски газет, спичечные коробки. Назвать этого символиста «великим» было само по себе уже дерзостью для русского журналиста.

Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, так как сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932). Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе увлечённый проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия.

• Художник Пабло Пикассо: детство и годы обучения
• Пабло Пикассо: произведения «розового» периода
• Пабло Пикассо: последние новости
• Как Пикассо умер, едва успев родиться

Полное имя, которое будущий художник получил при крещении— Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано14 (Криспиниано15) де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо. Но их оппоненты-модернисты, в сущности играли на том же самом поле. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1923 года (Женщины, бегущие по берегу, 1922, Нью-Йорк, Музей современного искусства).

Залогом был их национальный дух и интернациональный изобразительный язык. В 1897 году Дягилев организует в Петербурге выставку скандинавских художественных школ – Швеции, Дании и Норвегии, которая, как мне кажется, была самым представительным показом искусства этих стран вплоть до громадной, очень хорошо подготовленной выставки, которая прошла в европейских и американских музеях в самом конце ХХ века, – она называлась «Северный свет» и была посвящена школам Северной Европы в конце XIX – начале ХХ века. Это снова роль троянского коня. Талант и тяга к рисованию у мальчика проявились с самого раннего детства. «Золотое руно» смогло привлечь к сотрудничеству несколько очень важных французских критиков.

• Как Пикассо поссорился с Шагалом
• Пикассо и его «единственный учитель»
• Наиболее известные работы Пабло Пикассо, написанные им в ранний период (до 1900)
• Работы «голубого» периода (1901-1904)
• Работы «розового» периода (1904 — 1906)
• Работы «сезанновского» кубизма («Африканский» период) (1907 — 1909)
• Работы «аналитического» кубизма (1909-1912)

После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам художник считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины (Портрет Канвейлера, 1910, Художественный институт). В 1937 году симпатии Пикассо— на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Фрнко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолётов над позициями франкистов). в Москве.

В 1892 году в Мюнхене произошло важное событие. Московские чудящие купцы, в которых метил разъярившийся патриарх русской школы, на самом деле существовали. По Мане» (1960). Самое интересное – результат спора и диалога.

1. Работы «синтетического» кубизма (1912-1917)
2. Работы периода неоклассицизма (1918 — 1925)
3. Работы периода сюрреализма (1925 — 1936)
4. Работы военного времени (1937-1945)
5. Работы послевоенного периода (1945 — 1960)
6. Работы позднего периода (конец 60-х — 1973)
7. Голубой и розовый периоды (1901-1906)

А. С. Пушкина Семейство комедиантов, Вашингтон, Национальная галерея). Карл-Эрнст Отсхаус заказал Матиссу большую картину «Три персонажа с черепахой». Уже на следующий год Мюнхенский сецессион получил участок для того, чтобы построить здание на одной из центральных улиц города и это здание само по себе было моделью нового выставочного пространства.

Уже в 50-е годы, обращаясь к теме войны в Корее ("Резня в Корее", 1951), художник прибегает к той же символике и аллегориям, что и в "Гернике". Этот баланс был однозначно нарушен в сторону организующей творческой воли художника. В картине "Три женщины у источника" (1921) он вновь обращается к реалистическим формам. И цены за непривычную, вопиющую живопись выглядели издевательством.

И вот тут оказывается, что нам нужно обратить внимание на то, чт вообще путешественник в 1880-е годы мог свободно увидеть на европейских выставках. Это слово появилось в 1909 году, когда талантливый поэт и гениальный пиарщик Филиппо Томмазо Маринетти опубликовал в газете «Фигаро» «Манифест футуризма».

С Пикассо у Щукина таких отношений не сложилось – у него был роман с его живописью. Для того чтобы познакомиться с кубизмом как следует, молодое поколение русских авангардистов отправлялось в Париж, где лидеры школы, такие как Жан Метценже или Анри Ле Фоконье, держали мастерские, в которых художники со всего мира, приезжающие в Париж как в Мекку, могли приобщиться к принципам кубизма.

• Биография великого испанского художника
• Авторский онлайн-курс по искусствоведению с Татьяной Быковской
• Как на самом деле выглядели женщины с картин Пабло Пикассо
• 12 шедевров у которых надо задержаться

Получилось так, что футуризм в России приобрел сенсационную известность. И в этом отношении роль «Мира искусства» колоссальна.

Неслучайно в одном из первых разговоров о проекте он упомянул, что этот ансамбль должен регулировать эмоции человека, поднимающегося по лестнице. Общественный резонанс произведения Пикассо был огромен. В 1900 году в Париже состоялась Всемирная выставка, которая подвела итог столетию.

• Пабло Пикассо: череп, чернильница и молоток

И вот Дягилев гениально сыграл на сочетании западного инструмента и восточного духа. Пикассо выступил здесь как художник-борец, яростный обличитель фашизма. Это Сезанн, который уже освобождается от фигуративности. Мало того что журнал по структуре своей напоминал современные европейские художественные журналы, мало того что он включал литературный и художественный отделы, его диапазон охвата был чрезвычайно широк: и русское искусство и русская икона, русская деревянная архитектура, русская крестьянская мебель занимали издателей «Мира искусства» не в меньшей степени, чем современные художественные западные явления. Когда мы говорим о русских авангардистах, само собой выскакивает слово «футуризм». И Плетнёв, что называется, закусывает удила и с остервенением начинает писать «зеленый подбородок», так как при зеленой траве, освещенной солнцем, он и не может быть другого цвета. Немецкая оккупация не могла испугать Пикассо: он оставался в Париже с 1940 по 1944 год.

Эти цены на Дега, который с точки зрения реалистически воспитанного русского видения (а передвижники сделали действительно очень важную вещь – они научили русского человека, что такое искусство: искусство – это реалистическое изображение действительности) был абсолютным нонсенсом. Символистская проповедь, символистское стремление создать целостную иерархию и превратить современный художественный язык в средство выражения универсальных, но не принадлежащих живописи ценностей, столкнулось с интересами молодого художественного поколения, которое все дальше уходило от задач символизма. Непосредственно стиль зародился во Франции в шестидесятых годах девятнадцатого века. Но это еще и была борьба, безусловно, за лидерство в русском авангарде.

На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931). Потом он начинает думать о ежегодной выставке. Вот таким образом выставка в Grafton Gallery в Лондоне, организованная Фраем, называлась «Мане и художники-постимпрессионисты». Конечно, в "Гернике" нет ничего от конкретного города басков, нет ни самолетов, ни убийц. Так вот именно Пикассо занимает абсолютно уникальное место в русском сознании.

После освобождения. Это панно «Музыка» и «Танец», которые для самого Матисса были, очевидно, художественной декларацией. Надо сказать, что этот образ Пикассо-демона был исключительно влиятелен.

Здесь мы сталкиваемся с очень интересным феноменом – феноменом троянского коня, который будет повторяться в истории восприятия зарубежного искусства в России не раз. В то же время эта претензия на объективность была маской, так как «Весы» были вопиюще партийным журналом, который отстаивал принципы именуемые передовой русской критикой, точнее, критикой, разделявшей либеральные и народно-демократические взгляды, декадентством. Они действительно собрали прекрасных импрессионистов.

Статья называлась «Демоны и современность». Слово rel («истинный», «верный») он переводил как «единое существенное». По Делакруа» (1955) «Менины. Мебель изготовили по проектам знаменитого дизайнера Диего Джакометти. Но вот для петербургского зрителя и читателя он запомнился скандалом, который развернулся в мае 1910 года, так как Илья Ефимович Репин зашел на эту выставку и журналисты, окружавшие его, предали его реакцию гласности, да и сам Илья Ефимович выступил в печати, сказав, что современная живопись производит на него впечатление «Саврасов без узды», что эта живопись поддерживается духом наживы и что если раньше московские купцы чудили и, например, за большие деньги покупали ученую свинью в цирке и съедали, то теперь проявлением этого московского купечества является коллекционирование Матиссов. Собственно говоря, проблема пуантилизма была решена.

А вот Гоген оказался русскому человеку, молодому живописцу очень, полагаю, понятным. В ней прослеживается влияние популярного на тот момент увлечения «порочными» персонажами, характерного для французского искусства. Таким образом, ядро нового поколения ассоциирует себя в русском контексте с Западом. Адские кони в бешенстве топчут открытую и сжигаемую на костре книгу. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ (Сидящая купальщица, 1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), орущих (Женщина в кресле, 1929, Париж, музей Пикассо), раздутых до абсурда и бесформенных (Купальщица, рисунок, 1927, частное собрание) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы (Фигуры на берегу моря, 1931, Париж, музей Пикассо).

Не всё в истории этой книги может быть, наверное, выявлено до конца. Нетрудно догадаться, что эта проповедь утонченного интеллигентского почвенничества, вполне логичная после космополитизма «Мира искусства», не встретила большого энтузиазма со стороны Александра Бенуа. «Девочка с кошкой» – это «Олимпия». Другой раз выставлял прославленный Ван Гог, молодой голландец. Причем первое воспроизведение Сезанна – это даже не репродукция с его работы, это репродукции с картины Мориса Дени «Оммаж Сезанну», «Приношение Сезанну», где изображена группа художников «Наби» «Наби» (фр.

Восходящее солнце» С фр. Картина Бойня (1944-1945, Нью-Йорк, Музей современного искусства) – последнее трагическое произведение Пикассо. Итак, московское собирательство современного французского искусства – это прежде всего два человека: Сергей Иванович Щукин и Иван Абрамович Морозов.

Например, «Семейный портрет» изображающий членов семьи Матисса «Разговор», который является портретом Матисса и его супруги некоторые другие вещи и, наконец, последний Матисс, купленный Щукиным перед войной, «Портрет госпожи Матисс» 1913 года, за 10 тысяч франков тоже. О том, как мы не купили «Бар в Фоли-Бержер» я уже рассказал, но, видимо, дело еще в том, что идеальным импрессионистом для русского зрителя и русского собирателя был не Эдуард Мане, а Клод Моне.

И вот цены на картины Дега были для русского рынка абсолютно астрономические. Французская публика жаждала экзотики. В 1925 начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Эти слова Бенуа были опубликованы газетой «Речь» в феврале 1911 года. По сути дела, они изобрели перформанс. Но тем не менее это было важно, так как произведения импрессионистов предложили новое видение современного мира – мира урбанизированного, динамичного мира, в котором образ, отпечатывающийся на глазе художника и проецирующийся на холст изображает сам себя.

Мне довольно, чтоб меня поняли три, четыре человека – а понять истинно и абсолютно мои вещи может только русский» Справедливости ради надо сказать, что на следующий год Нестеров послал в Мюнхен одну из своих лучших картин, вот таким образом его изоляционизм, ясно звучащий в словах в беседе с Бенуа, не был совершенен, не был абсолютен. С одной стороны— коммунист, прогрессивный деятель, борец за мир и трогать его было опасно с другой Дело не в том, что, с их точки зрения, он был «буржуазный формалист», с этим еще можно было примириться, главное— он был великий мастер и при сопоставлении с его работами все великие достижения советского искусства меркли и отбрасывались на столетие назад. Nabis от др. -евр. Более того, его не особо интересовало искусство за пределами Франции. Можно смело утверждать, что именно с нее началось творчество Пабло Пикассо.

Голубь изображенный на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже (1949), – наиболее действенное проявление политических убеждений художника. В 1902 года он вновь вернется в Барселону, однако остаться в ней так и не сможет. Она была связана и с его творческой эволюцией от абсолютно человеческих, пронзительных, даже сентиментальных произведений «розового» и «голубого» периодов к лишенным какой-либо эмоции композициям кубизма. Этот образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет главную тему картины Герника, самого знаменитого его произведения, которое он пишет через несколько недель после разрушения немецкой авиацией маленького городка басков и которое знаменует начало его политической деятельности (Мадрид, Прадо до 1981 картина находилась в Нью-Йорке, в Музее современного искусства). Они представляли мир в его постоянной изменчивости и подвижности.

Этот манифест несловесный. Это была последняя большая работа Джакометти — в 1985 году он умер. Тем не менее именно благодаря журналу «Мир искусства» русский человек впервые смог увидеть, например, репродукцию Ван Гога или натюрморт Сезанна. Сецессион вовсе не был взрывателем условностей или истребителем традиций. Морозов собирал вещи экстра-класса и одновременно характерные, вещи с такой биографией. Но, как хорошо показала Глория Грум в своем исследовании декоративной эстетики начала столетия, триптих Боннара, ориентирующийся на японскую ширму, на самом деле подвергает сомнению базовые принципы европейской живописи в гораздо большей степени, чем матиссовские «Танец» и «Музыка».

Конец 20-х – начало 30-х годов для Пикассо – период самых разнообразных художественных находок, среди которых образы спокойные, классически-ясные, встречающиеся чаще всего в графике (иллюстрации к "Метаморфозам" Овидия, 1931 к "Лисистрате" Аристофана, 1934), кажутся несовместимыми с нарочитой гармонией его живописных портретов, натюрмортов, почти абстрактных декоративных полотен ("Танец", 1925 "Фигуры в красном кресле", 1932). В этот раз ретроспективного отдела не было.

держал не просто в собственной галерее – они висели у него в личной квартире. В 1930-1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса (Лежащая женщина, 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма (Мужчина с букетом, 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (Пикассо создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса – Конструкция, 1931). Как однажды хорошо написал Сергей Дягилев Александру Бенуа, «я хочу выхолить русскую живопись, вычистить ее и, главное, поднести ее Западу, возвеличить ее на Западе». Морозов покупал тех же художников, но выбирал другие вещи. В том же 1874 году Крамской пишет своему другу, находящемуся в Париже: «Нам непременно нужно двинуться к свету, к краскам и воздуху, но как сделать, чтоб не растерять по дороге драгоценнейшее качество художника – сердце. » Репин отвечает ему: «Вы говорите, что нам надо двинуться к свету, к краскам. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имён возлюбленных, названий улиц, кабачков.

Очень большое искушение, проблема для русского зрителя. Как мы понимаем, для европейской культуры и науки, философии этого времени проблема новой структуры мироздания, углубление понимания и усложнение картины строения мира – это один из основных вопросов и кубизм не остается в стороне от него. Это была идентичность одновременно национальная и европейская.

На этой выставке было восемь картин Дега, восемь картин и пастелей, среди которых по-настоящему выдающиеся: например, хранящаяся сейчас в Вашингтоне «Гладильщица», «Экипаж на скачках» из Бостонского музея, «Жокеи перед скачками» из музея Вирджинии, – которых давший их на выставку Дюран-Рюэль Поль Дюран-Рюэль (1831 – 1922) – один из первых французских собирателей импрессионизма. Есть ощущение, что Брюсов немножечко бравирует этим именем, он демонстрирует свою причастность, свою осведомленность и можно быть уверенным, что, если Владимир Ильич прочитал ответ Брюсова имя Гогена осталось для него абсолютно пустым звуком. «Не пройдет и 10 лет, – пишет Грингмут, – как гроза, надвигающаяся на русскую живопись, разразится над нею с полной разрушительной силой». Это не утонченные декаденты, мастера, это конкретные ребята. Пикассо оставался в Париже в период немецкой оккупации с 1940 по 1944 год.

То есть некое искажение перевода, как показала довольно давно уже Линда Далримпл Хендерсон изучавшая проблему четвертого измерения в искусстве ХХ века, довольно простым категориям французских живописцев он придал намеренно туманный смысл, который позволил ему, пользуясь материалом книги «О кубизме» и материалами книг ученых, поставленных вместе, в сущности сформировать собственную идею искусства, которая преодолевает ограниченность трехмерного мира, уходит в трансцендентное пространство и потенциально способна активизировать человеческое мировосприятие. Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к Метаморфозам Овидия (1930) и Аристофану (1934) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. На рубеже 1900 – 10-х годов символом новой живописи стало имя Анри Матисса.

Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). То есть и здесь, в несимпатичном ему Пикассо, Морозов сделал совершенно снайперский выбор.

Это прежде всего Александр Мерсеро, который писал под псевдонимом Эсмер-Вальдор. Его сопровождают пляшущие призраки. Но мне кажется, что одна из реакций на эту статью, комическая и как бы маргинальная, тем не менее помогает нам определить, что же такое было слово и понятие «импрессионизм» для русского человека в 1890-е годы. Правда, в русских собраниях практически нет Эдуарда Мане.

То есть люди, отделившиеся от основной массы. Они касались тех обстоятельств современной цивилизации, в которых человеческое практически угасало. Затем Мерсеро был очень важным участником кубистического движения и организовывал выставки Мондриана и Бранкузи.

Но в деятельности «Мира искусства» есть центральная проблема, которая связана со всеми остальными: это превращение русского искусства в искусство международное. Матисс очень любил «Танец» и мы довольно много знаем о возможной идеологии этого произведения, но нам сейчас важна не семантика, а чисто формальный язык, элементарно простой, предельно радикальный, сводящий все разнообразие живописи и ее средств к первобытным началам и одновременно исключительно культурный. После «Мира искусства» русское искусство – это часть мощного интернационального современного движения. Пьер Боннар к этому моменту менее всего обладает репутацией радикала.

Что это за перемены – не знает пока никто». Они пытаются тот совершенно новаторский живописный язык, который они чувствуют в полотнах этих живописцев, поставить на службу своему мироощущению, своему мировидению. За неполные два года она проехала практически по всем европейским столицам, к каждой выставке издавался каталог с декларацией футуристов. Хороший Сезанн – почти старый венецианец и первоклассный Ван Гог недалек от Рембрандта.

Вот его базовый принцип: «Свойство материала определяет роль художественного произведения и управляет всем творчеством артиста». Эту хронику вело несколько человек. Дело в том, что «Наби» на исходе XIX века постарались решить ту проблему, которая была осознана романтиками в начале XIX века. Как бы то ни было, такого стиля у нас не было. С 1905, хотя темы и остаются прежними (все те же странствующие бродяги, циркачи), колорит становится прозрачнее, пространство заполняется розовато-голубоватой или золотистой дымкой, контуры рисунка делаются мягче, общее настроение – лиричнее.

В кубизме локальные живописные проблемы приобрели колоссальное значение. Музей не просто показывает посетителям многочисленные работы Пикассо. То есть в футуризме художественном с его любовью к скорости, энергии, без морального контроля, без понимания трансцендентности мироздания, в футуризме, в культе будущего русское художественное сознание (особенно критически настроенное по отношению к артистическому эксперименту) видело очень дурной знак – знак пришествия новой цивилизации, для которой христианские и гуманистические ценности – пустой звук. Такой вот теоретический текст – это не его жанр. В 1914 году по понятным причинам из-за начала мировой войны, Сергей Иванович, как и Иван Абрамович, перестает покупать картины за границей – там остаются заказанные вещи, такие как, например, матиссовские «Красные рыбки» из Центра Помпиду или матиссовская «Женщина на высоком табурете» из Музея современного искусства в Нью-Йорке. Кубистические произведения пугали своим новым обликом. Сецессион обладал очень хорошей способностью адаптироваться и дружить с властью.

И тем не менее осенью 1915 года, в сущности через месяц или полтора после того, как в августе была напечатана статья Сергия Булгакова, он пишет своей будущей жене Варваре Степановой из Казани в Кострому: «Теперь я занялся графикой, но в ней нет человеческих лиц. Станислав Жуковский, художник, специализировавшийся на почти импрессионистических пейзажах и интерьерах дворянских гнезд, считал, что «мечтательному и спокойному славянину непонятен и не сродни красочник Матисс». Испанцы плакали на выставке, стоя перед "Герникой". «Танец» – это безудержный вихреобразный хоровод женщин, несущийся как бы за пределы этого огромного пространства, синего, зеленого, телесного, где контур играет очень важную роль и контур этот напоминает, если угодно, удар резца первобытного художника.

Что не менее важно, может быть, более важно: впервые на этой выставке были публично показаны в России произведения Сезанна, например «Портрет мадам Сезанн в желтом кресле» из Чикагского художественного института, Гогена и Ван Гога. Исключительно важную роль в знакомстве русского художественного мира и русского читателя с современным художественным процессом, в выстраивании системы новых приоритетов, в объяснении русскому человеку, откуда берется современная живопись, сыграл символистский журнал «Золотое руно». Обратите внимание, что «Запад» и «новое и талантливое» в этой фразе стоят через запятую – это две стороны одной медали.

Это не свойственно Матиссу. Он начал по-настоящему интересоваться импрессионистами, затем, около 1904 года, он практически полностью переключается на постимпрессионистов и за пять примерно лет покупает восемь произведений Сезанна, четыре – Ван Гога и 16 Гогенов, причем Гогенов экстра-класса. С другой стороны, фовисты настолько экспрессивно преображали действительность, что они представляли очень мощный вызов всем условностям – условностям восприятия мира, условностям переживания полотна. Ныне там располагается музей и фонд имени П. Пикассо.

И это явление стало интернациональным. Второе – это некое разочарование, высказанное человеком 1907 года. И существуют две версии, мы вправе выбрать ту, которая нам кажется более симпатичной. Но процесс не остановился. Морозов был известен в Париже как русский, который не торгуется и в одной галерее он оставил за время собирательства четверть миллиона франков. Но, с другой стороны, он однажды сказал, что, хотя Матисс не дает ему радости, все остальное делается чем-то скучным после того, как ты посмотришь Матисса.

Наша живопись уже принадлежит общему потоку живописи всеевропейской. Последнее, что ты ждешь от этих ребят, – что они будут читать. Мир прежний разорить и новый создать. » – «Вот-вот». «Просушка парусов» Дерена из собрания Ивана Морозова была именно той картиной, которая была воспроизведена на развороте журнала «Иллюстрасьон» 4 ноября 1905 года наряду с другими гвоздями Осеннего салона – произведениями фовистов.

Схожи и списки имен, которые составили их коллекцию. Накануне Первой мировой войны Дмитрий Мережковский, например, напечатал в одной из газет статью «Еще шаг грядущего Хама», а «грядущий Хам» для этого времени очень важная категория, описывающая восстание обывателя, пришествие обывателя. И в этом заключалось его главное различие с итальянским однофамильцем. Там были французы, немцы итальянцы, скандинавы, финны. Есть еще одна замечательная история, которую рассказывает Гертруда Стайн, о том, что, когда Пикассо показывал своих «Авиньонских девок» в мастерской узкому кругу друзей и ценителей, Щукин сказал: «Какая потеря для французской живописи».

Дело в том, что русский футуризм был чрезвычайно озабочен своими корнями. Повешенная рядом дюжина картин Гогена представала как нечто целостное, как фреска. «Что за иностранная саранча налетела на тощую ниву русского искусства.

И сам Щукин, мы знаем по воспоминаниям, не без гордости показывал новоприобретенного Гогена, говоря собеседнику: «Сумасшедший писал – сумасшедший купил». Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приёмы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921). Разделение творчества есть не что иное, как желание разложить по полочкам и втиснуть его в определенные (стилистические, временные) рамки. Мы знаем, что самоназвание группы «Гилея» и связанных с ней художников и поэтов – это «будетляне». Что ж под прикрытием этого слова ты сделать хочешь.

В произведении "Война" (которое, как и панно "Мир", художник делает для Храма Мира в Валлорисе 1952) Пикассо также не изобразил ни пушек, ни танков, ни трупов. Эта проблема – нарастающий распад целостности. Именно так и случилось с Пабло Пикассо, произведения которого теперь известны всему миру.

В сущности, уже сейчас Дягилев осознает «Мир искусства» как двуликого Януса. Но постепенно с помощью западных авторов «Мир искусства» начал транслировать изменения собственного вкуса. В общем, это вино будет примерно тем же, которое мы могли бы попробовать в самой Франции.

Частный же музей работал с 1895 года. Картины, ознаменовавшие начало нового периода, впервые были выставлены в конце зимы 1905 году в галерее Серюрье – это «Сидящая обнаженная» и «Актер».

Если Щукин такой собиратель-однолюб, очень редко возвращающийся к тому, что он уже пережил (исключением были покупки в 1912 году импрессионистов у брата), то Морозов – это человек, который собирает очень размеренно и стратегически. В кубизме есть еще одна особенность: кубизм очень теоретичен. Первые и очень ценные уроки ему преподнес отец, который тоже был художником. Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения («Портрет художника, в подражание Эль Греко», 1950) и элементы тавромахии (Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968).

В это же время он начинает работать с керамикой, создавая множество декоративных кувшинов, блюд, тарелок, статуэток (фото представлено выше). Работа Пикассо, помимо всего прочего, полна драматизма. И здесь надо отдавать себе отчет в стратегии Дягилева и в стратегии «Мира искусства». И Клода Моне, хорошего, действительно было достаточно много и у Щукина и у Морозова.

Затем семья перебралась в один из красивейших городов – Барселону. В 1894 году на страницах единственного в ту пору русского художественного журнала «Артист» писатель Петр Гнедич, очень плодотворный прозаик и драматург, опубликовал рассказ «Импрессионист». Триумфом этой стратегии стали Русские сезоны Дягилева в Париже 1910-х годов. Мы просиживали целые вечера, обсуждая отдельные положения, составляя новые аргументы».

Это же стержневая идея европейской культуры как минимум с XVIII века, если не дальше. Первым директором музея стал Доминик Бозо. Некоторые из них («Коза», 1950 «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создаёт атмосферу конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить отчасти влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 и театральной пьесе, созданной во время войны.

Ключевыми в этот период для мастера стали такие слова, как одиночество, страх, вина, боль. И Матисс предлагал радикальное, революционное решение, основанное на тотальном опрощении.

И вторая вещь, «Музыка», где женский мир сменен стабильным мужским и фигуры эти расставлены словно ноты на нотном стане. Первый номер журнала «Мир искусства» в 1898 году открывался стилизованным в духе модерна, в духе ар-нуво объявлением о смерти «великого французского художника» Пьера Пюви де Шаванна. Произведения, созданные в 1945-1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо (Радость жизни). Он глядит на натурщицу, а она вся в матово-зеленоватых полутонах с одной стороны, вся в прозрачных тепло-оранжевых с другой иногда скользят по ней какие-то ползучие тени и пропадают внизу, у ног, у травы – это совсем не то тело, что он привык писать, тут много нового, чего-то сказочного, воздушного, плотского лицо совсем выходит плоское и золотисто-зеленый рефлекс так и горит на щеке.

И «Мир искусства» с его модернистским происхождением, с его укорененностью в ар-нуво, в стиле модерн и символизме, с его открытостью современной европейской живописи и особенно авангард, отцами которого были Сезанн, Ван Гог и Гоген, воспринимались теперь и осознавали сами себя как явления, с одной стороны, русские, обладающие миссией с точки зрения будущего русского искусства, а с другой стороны – как явления, причастные общемировому процессу, французские по своей генеалогии. Солидарность эта необходима. И вот эти выставки переворачивали представление европейца о современной живописи. «Мир искусства» был первым журналом в России, опубликовавшим репродукцию молодого Матисса. По Курбе» (1950) «Алжирские женщины.

Сергей Маковский вспоминал, что на стене коллекции Морозова долгое время было пустое место и на вопрос, а почему вы его держите так, Морозов говорил, что «я вижу здесь голубого Сезанна». В 1876-м он напечатал большой обзор второй импрессионистической выставки, где писал о Ренуаре, Моне и других художниках. Им ни разу не пришел в голову вопрос: можем ли мы вас научить тому, что вы еще не знаете. Помню, как, придя однажды на гогеновскую выставку прямо из Лувра, я был поражен близостью того и этого искусства. Но в то же время внутри художественного отдела «Золотого руна» крылась измена и молодой очень одаренный художник Михаил Ларионов, один из отцов русского авангарда именно в среде «Золотого руна» стал тем, кем мы его теперь знаем, – художником, который стремительно от собственного варианта импрессионизма перешел к живописи, вдохновленной Ван Гогом, Гогеном и Сезанном, то есть к тому, что теперь в русском искусствознании называется неопримитивизм. И, наверное, правы те исследователи литературы, которые говорят о том, что в литературном и теоретическом отношении «Золотое руно» находилось в негативной зависимости от журнала Брюсова. Ну, Александр Родченко, наверное.

А вот французский отдел представлял собой ретроспективу современной живописи и в ней достаточно отчетливо прочитывалась импрессионистская составляющая: от Дега и Писсарро к пуантилизму – Синьяк, Тео ван Риссельберг, а затем – символизм, там был очень широкий символистский спектр – от Одилона Редона к Морису Дени. Он стал тем, что называлось в XIX веке болезнью столетия.

И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Он ведь был на самом деле первым, кто в России заказал целостный монументально-декоративный ансамбль современному процветающему живописцу с еще не до конца установившейся репутацией. Но нет, оказывается: он бретонскую деревню отражает с такой же примитивностью. И в этом отношении роль «Золотого руна» действительно парадоксальна. Эта ситуация отражает реальность. По Веласкесу» (1957) «Завтрак на траве.

Ну например, простое слово plan, которое могло означать «плоскость», «поверхность», «фрагмент пространства», он передает как «неизвестное измерение».

Она не рассказывала историй, она не уносила в символистские запредельные миры. «Гора Сент-Виктуар», написанная за несколько десятилетий до этого Сезанном и приобретенная Морозовым, – это уравновешенная, классически спокойиная, ясная картина, напоминающая о пожелании Сезанна переделать Пуссена в соответствии с природой. И роль «Мира искусства» как объединения, роль Александра Бенуа и Сергея Дягилева как раз и заключается в том, что эта группа научила русского человека видеть и понимать современную живопись, современную французскую живопись в частности или прежде всего.

Он опубликовал в 1909 году в шестом номере статью Александра Мерсеро, хорошо знавшего французский художественный мир критика, в сопровождении репродукций 16 картин, в том числе восьми из русских коллекций и трех рисунков, а также перевод только что вышедшей во Франции статьи Анри Матисса «Заметки художника». Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Важны только находки. Достаточно взглянуть на такие полотна, как «Обнаженная женщина», «Танец с покрывалами», «Дриада», «Дружба», «Бюст моряка», «Автопортрет».

«Impression, soleil levant». Название «импрессионизм» произошло от французского слова impression, в переводе означает впечатление. После эпикурейского изящества 1920-х годов (Танец, Лондон, галерея Тейт) в творчестве Пикассо появляется атмосфера конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов. Но гораздо важнее, что футуризм для русского сознания стал символом кризиса эпохи. Там же Пабло в течение года проходил обучение в местной школе искусств.

Морис Дени был одним из столпов группы «Наби» – движения в постимпрессионизме, которое сформировалось во Франции в конце XIX века и которое нам особенно дорого, так как «Наби» поставило перед собой проблему не социальной функции искусства впрямую, а проблему функции искусства как терапии. То, что этот двуязычный журнал продержался только полгода, абсолютно понятно: реально спроса на «Золотое руно» в Париже не было. Это было важно вот почему: если в конце XIX века, когда на авансцену вышел петербургский «Мир искусства» и новое поколение русских модернистов, они позиционировали себя как западное явление в русском контексте их оппонентами были передвижники, которые к тому моменту русской публикой осознавались как большое русское национальное искусство. Не через прямое влияние – хотя оно будет. Тогда же имя художника стало появляться в русской прессе. Неслучайно Яков Тугендхольд проницательно назвал эту инсталляцию «гогеновским иконостасом». В настоящее время «Любительница абсента» хранится в Эрмитаже, попав туда из частной и весьма внушительной коллекции работ Пикассо (51 произведение) С. И. Щукина после революции. Среди них— Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937).

Но это знакомство не вылилось в подражание. Причем там, где Брюсов отстаивал идею совершенной свободы художника от общества, «Золотое руно» пропагандировало идеи мистического анархизма, реалистического символизма и разработанной Вячеславом Ивановым концепции соборного творчества, которая пыталась примирить интеллигентскую индивидуалистичность и национальные и социальные задачи, стоявшие перед русским обществом. У Щукина был один Брак, несколько Ле Фоконье – ну, в общем и все. Эта выставка была великолепным коммерческим проектом. Был владельцем магазина художественных принадлежностей, где выставлял картины художников.

В этом отношении все они открыты импрессионизму – или все они закрыты перед ним. На таких выставках выделялось, безусловно, ядро самых авторитетных и успешных художников, столпов национальной художественной школы и то, что называлось тогда в немецкой критической литературе «художественный пролетариат» : десятки безымянных мастеров, от продажи на выставке зависело их будущее – и очень часто буквально.

Образы на его картинах вновь стали чувственными и наполнились жизнью, яркостью в противовес персонажам «голубого» этапа творчества. Для нас эти три имени – это три кита живописи конца XIX века, но для людей начала ХХ столетия каждый из них был неоткрытым континентом и каждый из них представлял проблему, которую нужно решать, так как живопись Сезанна, Гогена и Ван Гога разрушала огромное количество конвенций, с которыми массовой публике XIX века было очень комфортно в выставочных залах. И поверхность холста слушается восприятия художника: она динамична, мазок не скрыт. И в этом смысле мне кажется, что морозовский ответ Щукину очень тонкий и очень точный. Манифесты итальянских писателей и художников переводились.

Это была очень маленькая выставка, восемь картин. Художественная Франция стала эталоном современного поиска, современной живописи. Они изображают один и тот же мотив. Например, его «Бульвар Капуцинок» 1873 года Клода Моне – это, весьма вероятно, тот самый «Бульвар Капуцинок», который был выставлен на первой импрессионистической выставке в ателье Надара в 1874 году Существует две версии «Бульвара Капуцинок» : одна хранится в Государственном музее им. Лучше всего, мне кажется, о их разумении проблемы говорит манифест «Бубнового валета».

В 1956 году на французские экраны вышла документальная лента о художнике «Таинство Пикассо». Конечно, это апелляция к плебейской народной культуре. Здесь речь идет не о том, что Репин проявляет себя как ретроград. Наиболее плодотворным оказался Сезанн, но для понимания Сезанна нужна была привычка и нужны были усилия. Мы знаем, что Матюшин с его теорией «Зорвед» – знающего зрения – в общем исходил из того, что человеческая природа, физическая природа в высшей степени сейчас не развита и именно через искусство, через новый перцептивный опыт мы в состоянии выйти из тех пределов трехмерного мира, которые нас ограничивают и сдерживают.

И однажды эта лакуна заполнилась абсолютно выдающимся полуабстрактным поздним Сезанном – картиной, которая известна как «Голубой пейзаж» и находится сейчас в Эрмитаже. Среди русских мастеров большая часть принадлежала к символистам, к «Голубой розе», это были Павел Кузнецов, Мартирос Сарьян, Василий Милиоти, а также будущие лидеры авангарда Михаил Ларионов и Наталия Гончарова. Произведения периода сюрреализма: «Танец», «Женщина в кресле» (на фотографии ниже), «Купальщица», «Обнаженная на пляже», «Сон» и т. д. После того как отгремели войны и мир пришел в относительное равновесие, восстанавливая все, что было разрушено, творчество Пикассо тоже обрело более счастливые и яркие краски. И тут художник, только что переживший инициацию, признавший себя импрессионистом, говорит: «А это, тетуля, нечто вроде жупела, только страшней».

И когда Плетнёв получает заказ на роспись ванной комнаты во дворце одного барона, он, поколебавшись немного (поскольку это дело, в общем, не очень достойное хорошего художника), принимает решение под воздействием Маргариты написать наяду, выходящую из реки и греющуюся на солнце, а для того, чтобы ее написать, нужно писать на пленэре, нужно поехать на природу. Это человек, который был одним из центров «Кретейского аббатства» – своего рода коммуны в окрестностях Парижа, которая объединяла таких литераторов, как Жорж Дюамель, Шарль Вильдрак, Жюль Ромен, Рене Аркос и других. Например, «Арлекин», «Три музыканта», «Натюрморт с гитарой» (на фото выше).

В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Через год в Осеннем салоне прошла большая ретроспектива Сезанна – 31 полотно. Это панно стало главным событием международной выставки.

Тот же круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску. И это страшно важное место, так как входящий в щукинский музей человек сразу получает очень отчетливый камертон: все, что затем начнется после «Танца» и «Музыки», будет восприниматься через призму «Танца» и «Музыки», через призму максимально радикального на тот момент художественного решения.

Владимир Стасов, либеральный националист, защитник «Могучей кучки» и передвижников, с отвращением пишет о современных художественных течениях Запада. В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. Все остальные выставки «Мира искусства», пока эта организация существовала, были национальными выставками. «Мир искусства» поначалу публиковал значительное число переводных статей, причем особенно немецких и австрийских авторов. Этот момент можно по праву назвать переходным от следования за натурой к деформации формы. Искусство моей страны несравненно глубже и значительнее, чем все, что я знаю на Западе. Наше знакомство с Матиссом началось в 1904 году, когда журнал «Мир искусства» благодаря Игорю Грабарю опубликовал репродукцию его ранней картины «Десерт» 1897 года.

И в дальнейшем на выставках русского авангарда первой половины 1910-х годов, прежде всего выставках «Бубнового валета», некоторые кубистические работы появлялись. Благодаря усилиям русской художественной редакции и связям Александра Мерсеро в 1908 году, 5 апреля, в Москве открылась выставка «Салон Золотого руна». Все они демонстрируют зрителю красоту и редкую для картин художника безмятежность.

Причем это очень произвольный выбор, личный, так как, например, в 1912 году в Петербурге выставлялась и продавалась за очень большую сумму – 300 тысяч франков – величайшая картина импрессионистической эпохи «Бар в Фоли-Бержер» Эдуарда Мане. В "Девочке на шаре" (1905) различие, даже противоположность и вместе с тем взаимосвязь двух образов достигается контрастным сопоставлением двух разных силуэтов (легкость и хрупкость девочки и тяжеловесность мужчины). В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Он ушел, критикуя своих соратников за излишнюю приверженность реализму, а художники, которых мы знаем как художников «Бубнового валета», действительно не мыслили себя без натурного мотива. Особенно важны в тот период скульптуры (Беременная женщина, 1950).

Он создает декоративный ансамбль, который воздействует на человека эмоционально. И она есть в их искусстве, эта сила. Щукин и Морозов были два человека, принадлежащие к одному и тому же кругу – это староверы, то есть это очень ответственная, морально прочная русская буржуазия, которые в то же время были настолько дерзкими, чтобы приобретать искусство, не имеющее стабильной репутации. И его можно понять, так как «Золотое руно» поначалу особенно было символом всего того, что претило утонченному петербургскому эстету.

В ней мое будущее. Но Морозов, как мне кажется, в долгу не остался. И наиболее эффектным примером этой тенденции была так называемая «Большая обнаженная» Жоржа Брака, которую типологически можно сопоставить с центральным произведением европейского авангарда начала ХХ века – со знаменитой картиной Пабло Пикассо «Авиньонские девки», которой русский зритель, как и европейский зритель этой поры, видеть практически не мог.

Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Орта-де-Эбро», 1909), увеличивает и ломает объёмы («Портрет Фернанды Оливье», 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твёрдым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910). Я подозреваю, не была ли это вообще первая публикация репродукции Матисса в мире. И это был такой мостик для московских собирателей в Париж. Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности и хотя первоначальная цель кубизма состояла в том, чтобы более убедительно, чем с помощью традиционных приёмов, воспроизвести ощущение пространства и тяжести масс, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. Из совершенно периферийных, провинциальных, национальных явлений они превратились в участников европейского художественного процесса и художники-скандинавы, такие как Андерс Цорн, Эрик Вереншёлль, Фриц Таулов и затем, конечно, Мунк, сказали европейцам нечто такое на понятном им современном языке о своем национальном и общечеловеческом, что в этот момент по какой-то причине еще в мире не звучало.

Русские открыли импрессионистов довольно рано. Напротив того, я слышу смех и издевательство». Тут надо еще отдавать себе отчет вот в чем: импрессионизм, сам язык импрессионистов даже в 1890-е годы для людей из консервативной художественной традиции (а так или иначе практически все национальные школы, включая русскую, в это время были очень консервативны) был настолько сложен и провокационен, что найти для него правильный модус понимания и правильный язык описания было огромной проблемой.

Музей П. И. Щукина». Собственно говоря, это было немножко парадоксальное решение проблемы, так как искусство, преобразующее человека, – это, в общем искусство социальное – это искусство церкви, театра, вокзала, тех пространств, где собираются массы. Поход этот, как ни странно, начинается благодаря Дягилеву через Скандинавию.

Но между ними не было резкого разрыва, как кажется сначала. В этом же году музей Пикассо распахнул свои двери для посетителей.

Он сидел в национальном костюме, зажмурив глаза и пел красивые украинские песни, благо он сам происходил из тех краев и обладал хорошим голосом. К этому времени уже подыскали здание под музей, которое предстояло реконструировать. Собственно, там он впервые и применяет образы, связанные с религией и демонизмом. Мириады точек слились в огромные пятна и эти пятна не давали отойти, эти картины все еще были результатом диалога художника с природой.

В 1908 – 1910-х годах его произведения выставлялись на выставках в Москве и других русских городах. Это очень интересные амбиции, так как, если «Мир искусства» транслировал в Россию то, что происходило на Западе, «Золотое руно» пыталось транслировать на Запад то, что происходило в молодом искусстве в России. В рассказе два главных героя – русский художник Плетнёв, успешный московский художник, тридцати с небольшим лет, академик, никаким боком не относящийся к радикальным художественным кругам и случайно встреченная им в трамвае француженка, которая в Москве почему-то работает гувернанткой, а на самом деле она модель, она позирует французским художникам обнаженной, что не очень принято в русском художественном мире. Ничего подобного быть просто не могло.

На самом деле на выставке Издебского было два полотна Матисса, одно из которых – портрет сына известный под названием «Молодой моряк», – сейчас находится в Метрополитен-музее в Нью-Йорке. Некоторые из них (Коза, 1950 Обезьяна с малышом, 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа.

Дело в том, что от внимания исследователей, которые, начиная с Анатолия Подоксика, еще в конце 1970-х годов обратили серьезное внимание на русскую дискуссию о Пикассо, ускользает его статья, первая большая русская статья о Пикассо, опубликованная в конце 1912 года на страницах газеты «Речь», в заглавии которой Пикассо не упоминается, но именно о его произведениях в коллекции Щукина и говорит Бенуа. Различной была их финансовая стратегия их способы выбора. Напоминаю, что одно из центральных слов художественной и литературной критики этой поры было «декаданс», «упадок». Благодаря усилиям московского историка искусства Анатолия Стригалёва мы теперь знаем абсолютно авантюрную историю того, например, как молодой Владимир Татлин, очень бедный, нуждающийся художник, в конечном счете ухитрился получить «благословение» Пикассо.

Я сначала подумал, что он хотел передать Таити с наивным пониманием туземца. Это очень редкое качество. Кубизм. Пикассо – истинный вдохновитель почти всех художественных направлений двадцатого столетия. И для того, чтобы правильно понимать, как воспринимается кубизм и как воспринимается Пикассо, мы должны иметь в виду, что было два кубизма: был кубизм вот этих загадочных затворников-мастеров, Пикассо и Брака, так сказать подлинный кубизм и кубизм публичный, кубизм, как его называли тогда, салонный кубизм, существующий в общественном пространстве, открытый подражанию, который можно изучить, просто поступив в мастерскую La Pallette к Ле Фоконье, как это сделала, допустим, Надежда Удальцова и некоторые другие русские молодые художники. Главную роль в этом процессе играла динамично развивающаяся буржуазия, прежде всего московская.

В свои законные права «голубой» период его творчества вступал постепенно, проявляя себя жесткими контурами фигур и утерей трехмерности изображения, уходом от классических законов художественной перспективы. Мать и сын», «Девочка с козлом». И вот этот вот революционер-консерватор был одним из важных участников журнала «Золотое руно». Михаил Ларионов был одним из этих двух медведей.

Тем важнее эта статья, тем важнее ее стремительное появление на русском языке. То же самое можно сказать и о Пикассо. Но это был не только новый жанр – стало ясно, что перед нами формулируется некое новое чувство реальности и перед искусством ставятся новые задачи.

Тема быков возникла в творчестве Пикассо, вероятно, во время его двух поездок в Испанию в 1933 и 1934, причем облекаются они в достаточно литературные формы: образ Минотавра, который то и дело возникает в красивой серии гравюр исполненных в 1935 году (Минотавромахия). 1890-е годы – это была пора, когда русский художественный мир начал открываться Западу.

А вот к началу 1910-х годов две основные борющиеся силы, конфликт которых, собственно и был двигателем развития русского изобразительного искусства в эту пору, а именно модернисты (то есть традиция «Мира искусства» и художников, которые группировались около петербургского журнала «Аполлон») с одной стороны и авангардисты (условные футуристы) с другой, – обе эти силы обладали западной художественной генеалогией. Они написаны в холодной, сине-зеленой гамме, напоминающей Эль-Греко рисунок острый, контуры изломаны, тела нарочито удлинены ("Свидание" 1902). Один из русских футуристов, анализирующий живопись этой поры, очень точно сказал: «Свойство материала определяет род художественного произведения и управляет всем творчеством артиста».

Я заново открываю путь на Восток и по этому пути, уверена, за мной пойдут многие. Страстный защитник мира, он создал своего знаменитого "Голубя мира" (1949), которого узнала и полюбила вся планета и который стал символом борьбы человечества с войной. И вот это ощущение ненужности художника от момента непроданной картины до экзистенциальной проблемы художнического одиночества, отчуждения исключения из прагматичного буржуазного общества, это переживание требовало от искусства решения фундаментальной задачи – возвращения искусства в жизнь. Например, если бы гипотетический читатель «Весов» не открывал никакого другого издания, он был бы твердо убежден, что главный художник современности в Европе – французский символист Одилон Редон, настолько большое внимание журнал Брюсова уделял ему.

«Мир искусства» в общем объединение, скорее разделяющее ценности ар-нуво, югендштиля, того, что мы называем стилем модерн, нежели импрессионизма и постимпрессионизма. В общем, для того, чтобы посмотреть на живопись Пикассо, нужно было ехать, допустим, в Мюнхен или в Берлин, где он принимал участие во временных выставках смотреть его произведения на таких громадных экспозициях, как Sonderbund в Кёльне в 1912 году или «Armory Show» в Нью-Йорке в 1913-м, ну или, наконец, приехать в Москву, прийти к Сергею Ивановичу Щукину и посмотреть на Пикассо там, так как Щукин купил свыше 50 произведений этого художника. В сущности, они собирали практически один и тот же ряд мастеров. Звали его Хосе Руис.

И эта вещь, вопиюще лаконичная и вызывающе примитивная, дала старт приобретению одной за другой радикальных вещей Матисса: «Красная комната», «Разговор». Стимулом к его развитию многие считают вопрос, возникший среди художников: «Зачем рисовать. » Достоверному изображению того, что видишь, в начале 20 века можно было научить практически любого, к тому же буквально на пятки наступала фотография, которая грозила целиком и полностью вытеснить все остальное.

А Щукин забирался в магазин, в галерею и просматривал всех Сезаннов, которых мог найти. Таким стилем могло быть барокко, таким стилем могла быть готика. Он сказал: «С каких пор, Павел Михайлович, вы стали прививать вашей галерее сифилис. » При всей брутальности этой формулировки Маковский попал в десятку. Дальше начинаются различия, так как Морозов с его склонностью к лирическим пейзажам любил Сислея. Ежели же это так было, то так оно и впредь должно быть. На этом пути есть несколько мин, в частности вангоговская опасность.

С одной стороны, эта выставка была успехом 1899 года. Это великолепное слово изобретенное Хлебниковым, описывает устремление русских футуристов к прекрасному будущему и отрицание нынешнего прошлого, но с другой стороны, славянский архаизм этого имени указывает на то фундаментальное различие, которое было очень дорого для русских футуристов. Такой метод передавался посредством цветовой гаммы. В начале 1909 года Щукин заказал Матиссу панно для лестницы своего особняка. Эту проблему русский художественный мир медленно решал – и, к его чести, решил успешно. И в этом отношении Маковский оказался чрезвычайно прав.

Это очень злая и грубая формулировка, но у нее есть и второе дно. Вместе с тем Матисс познакомился с московской художественной жизнью и московскими музеями. «Хочешь не хочешь идти по нему – заставят, потащат», – пишет он. Я могу привести еще и еще примеры подобного рода вызывающего славянофильства. В 1908-м салон «Золотого руна» включил его картины «Прическа», «Терраса в Сен-Тропе», «Герань и фрукты», «Насыпь в Коллиуре» в состав впечатляющей экспозиции французской живописи последних 50 лет. В работах этого времени ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903 Пикассо считал: «кто грустен, тот искренен») движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901 «Женщина с шиньоном», 1901 «Свидание», 1902 «Нищий старик с мальчиком», 1903 «Трагедия», 1903).

В 1930—1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создаёт их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса— «Конструкция», 1931). Примириться с этим было невозможно и борьба с Пикассо шла по разным направлениям. А вот Пикассо у Морозова почти не было: против более чем 50 полотен у Щукина Морозов мог выставить только три картины Пикассо – правда, каждая из этих картин была шедевром, характеризующим определенный поворот. И организаторы ставили своей задачей «ярче осветить особенности развития молодой русской живописи и ее новые задачи подчеркнуть черты развития, общие русскому и западному искусству Здесь – преодоление эстетизма и историзма, там – реакция против неоакадемизма, в который выродился импрессионизм».

В Париже увидеть Пикассо было практически невозможно. Собственно говоря, русский неопримитивизм, сформированный Ларионовым, Гончаровой, «Бубновым валетом» и решает эту проблему. Тем не менее итальянское правительство запретило демонстрацию картины в Риме. Борьба за интерпретацию искусства Запада одновременно была и борьбой за Восток. Расчистки икон начались достаточно поздно: в 1905 году была частично раскрыта «Троица» Андрея Рублева.

Она также не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942). Это выставка, которая собрала молодое поколение – Михаила Ларионова, Наталью Гончарову, Кончаловского, Машкова и тех художников, которых мы сейчас знаем как бубнововалетцев. И вот эту задачу, похоже, щукинские полотна таки решили. С 1901 года по 1907 годы творчество Пикассо разделяется на два периода: "голубой" (с 1901 по 1904) и "розовый" (с 1904 по 1907). Нет.

Например, Щукин практически ничего не покупал из русского искусства. Как мы понимаем, это история постоянной дружбы, вражды, соревнования и конкуренции.

Но, пожалуй, самым ярким образцом африканского этапа творчества Пикассо является картина «Авиньонские девицы» (на фото выше), над которой мастер трудился около года. И вот благодаря этому зоопарку он смог сэкономить деньги и скопить на то, чтобы поехать в Париж и, скорее всего, в марте 1914 года ему удалось попасть в мастерскую Пикассо, причем, кк это получилось, мы не знаем до сих пор, так как сам Татлин очень искусно, как и многие другие русские футуристы, свою биографию мистифицировал.

В 1979 году договор о передаче работ Пикассо был официально подписан. Даже в собственной среде эти люди были скорее исключением. А вот добраться до Пикассо было практически невозможно. И вот именно Мерсеро, его дружба с теми художниками, которые в эту пору являются участниками, являются членами фовистской фаланги, а затем начнут формировать кубизм, позволило «Золотому руну» выступить организатором нескольких очень важных выставок.

Это исток современного искусства. И вот «Наби», что по-еврейски означает «пророки» – это сознательно принятое на себя имя, – по-разному решали эту задачу интегральной художественной среды. Залогом этого успеха на международном художественном поприще было то, что скандинавские художники молодого поколения учились в Париже, жили в Париже, путешествовали в Мюнхен, выставлялись там. Плетнёв прищурился: «Импрессионист».

Если мы посмотрим на то, что русские властители дум 1890-х годов думали о современном художественном творчестве, которое для человека той поры в России почти что было синонимом западного искусства, мы вынуждены будем прийти к выводу, что эти люди ни в чем другом между собой никогда бы не согласились, но всех их объединяет крайне негативное отношение к современному художественному мышлению идущему прежде всего из Франции. «Мир искусства» сложился как кружок друзей и родственников и этим он отличается от всех предшествующих русских художественных движений – от передвижничества, от абрамцевской колонии. Я нынче сотворил чудовищные вещи. Неужели в этом бешеном распорядке красок и линий люди искренние и беспристрастные могут находить и свет и солнце и жизнь, тонкую колористическую прелесть и даже поэзию.

Надо сказать, что именно в 1906 году состоялось событие, к которому «Золотое руно» прямого отношения не имело, но которое действительно знаменует первый очень важный и решительный шаг похода на Запад: Сергей Дягилев организовал в Осеннем салоне огромную ретроспективу русской живописи. Русские мальчики, как говорил Достоевский, вернут тебе карту звездного неба исправленной. «Мир искусства» имел постоянную художественную хронику, в которой знакомил русского читателя с европейским художественным процессом. Но Маргарита (так зовут натурщицу) постоянно московского художника подзуживает тем, что у вас уродливая натура, у вас люди не умеют писать свет и солнце.

Серов, видевший «Танец» и «Музыку», говорил, что Матисс – это просто яркий фонарь.

Дега как истинный импрессионист не дал цельных картин. И это, конечно, очень большое искушение для живописи. Но современник говорит о некоем разочаровании.

Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. До «Мира искусства» русская художественная школа – одна из многих европейских школ, следующих своей традиции, решающая свои локальные задачи, участвующая в международных выставках. В начале 1910-х годов на лестнице его особняка, то есть в почти публичном пространстве, тоже появляется триптих работы Пьера Боннара «У Средиземного моря».

И вот с выставкой в Москве в 1891 году связан один казус, который позволяет нам понять, чем же было для русского человека в это время само понятие «импрессионизм» – слово, с которым читатель мог столкнуться на страницах журналов, но которое оставалось просто обозначением явления, для русских пока недоступного. Нестеров: «Эка беда, как будто бы успех в публике для художника – не срам скорее. Родился в Малаге 25 октября 1881 года.

Все эти обстоятельства – новое видение и новое знание – породили новый живописный язык. В 1899 году мирискусникам и Дягилеву удалось организовать в Петербурге первую экспозицию и единственную экспозицию, которая, на мой взгляд, должна была стать моделью дальнейших выставок «Мира искусства». Кубизм, конечно, выступил для целого поколения мощной аналитической системой и системой, которая не просто касается живописи, но, в общем, обладает какими-то миропреображающими потенциями, так как кубизм небывало активизировал волю, разум художника. В 1953 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся18.

Именно на фоне Мориса Дени мы должны рассматривать предельно радикального Матисса. Мы знаем, что он был знаком с импрессионистическими работами. Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточённостью увенчанные нелепыми шляпами, лица изображённые в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассечённые потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). Оккупация не ослабила деятельности Пикассо: портреты, скульптуры (Человек с агнцем), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи (Натюрморт с бычьим черепом, 1942, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия). Владимир Грингмут, рупор правых националистов и монархистов, отрицает импрессионизм.

Можно было бы сказать «национальными корнями», если бы слово «национальный» не относилось напрямую к культуре Нового времени, а именно под культуру Нового времени, в донациональную, племенную почву уходили интересы русских будетлян. Напомню, что в это время увидеть импрессионистов в публичном пространстве Европы было крайне сложно.

Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Вместе с картинами Матисса в Россию пришла его репутация – репутация лидера молодого поколения, к которому очень быстро прилипла кличка «фовисты», то есть «дикие звери». Вторая выставка «Золотого руна», в которой участвовали современные западные художники, прошла через год, в январе и феврале 1909 года. Матиссовские «Танец» и «Музыка», отрицая очень многое в живописном языке, в живописном словаре, так и не подвергают сомнению центростремительную идею композиции, структуры отчетливой, ясной, в сущности, геометрической.

Можно сказать, что 1890-е годы проходят под знаком латентного изоляционизма. К тому же появляется возможность сравнить различные техники, в которых работал художник. Важно подчеркнуть, что там было две выставки. Оскудевает содержание, понижается и достоинство исполнения».

В годы испанской революции и войны Пабло Пикассо находится в Париже. Успех этой стратегии заключается в ее двойственности. Картин было относительно немного, несколько десятков, но резонанс был огромный.

Мой путь – к первоисточнику всех искусств: к Востоку. Это был Отель Сале, особняк XVII века. «Не знаю, что такое слово значит.

Дальше его коллекционирование напоминало взлет советской космической ракеты, которая отстреливает новую ступень, поднимаясь вверх. Мюнхен – одна из европейских художественных столиц – организовывал свою художественную жизнь по той модели, которая была отточена Парижем: большая, регулярная, ежегодная художественная выставка в огромном выставочном пространстве стеклянного дворца, которая включала сотни имен художников и тысячи произведений. Это медленное, но очень логичное избывание провинциальности. Кроме того, стоит отметить следующие работы Пабло Пикассо: «Женщина в рубашке», «Туалет», «Мальчик, ведущий лошадь», «Акробаты.

Их отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. Зимой 1914 года в первом номере журнала «Аполлон» художественный критик Яков Тугендхольд, великолепно знакомый с парижской художественной жизнью, опубликовал большой обзор коллекции Щукина, начинающийся с импрессионистов и заканчивающийся творчеством испанца, но вслед за ним редакция поместила статью символистского литератора Георгия Чулкова, который, опираясь на вполне уже стереотипные, клишированные славянофильские представления о погибающем под гнетом материализма и позитивизма Западе, неожиданно нарисовал апокалиптический образ Пикассо. Для нас же важно то, что внутренняя логика кубизма была открыта тем живописцам, которые над ним размышляли, пока еще очень ограниченному кругу критиков, но кубизм как сенсация стал набирать обороты в 1911 – 1912 годах и русские были в привилегированном положении, так как еще в 1909 году на выставке «Золотого руна» первые кубистические работы Брака московской публике уже были открыты.

На самом деле это не так. Пикассо действительно жил в доме номер 13. Мы должны отдавать себе отчет, что среда эта была достаточно узкой.

Но решал ее «Мир искусства» по-своему, явно полемически по отношению к тем вариантам национальной идентичности, которые формулировали основные идейные движения в России этого времени. Декоративная эстетика этой поры – одна из центральных художественных и социальных проблем. Именно во Франции выдвигались центральные проблемы искусства, там же они и решались. "Мать и дитя" (1922), портрет сына Поля (1923) являются характерными произведениями того времени.

К ним можно отнести дивизионистов, которые появились во Франции на исходе девятнадцатого века. Эта коллекция создавалась не без советов его друзей-художников. Как бы то ни было, «Золотое руно» сделало поразительную вещь. Это «Арлекин и его подружка» «голубого» периода это «Девочка на шаре», которая была продана Гертрудой Стайн и куплена Иваном Морозовым, вещь «розового» периода и это уникальный кубистический «Портрет Амбруаза Воллара» 1910 года: похожих на это изображение в мире, по-моему, только еще два портрета – Вильгельма Уде и Даниэля Анри Канвейлера.

Если мы посмотрим, что Бердяев через несколько лет напишет о футуризме, мы с легкостью сможем подставить вместо слова «футуризм» имя Пикассо и мы получим практически тот же самый текст. И вот эта вот неслыханная простота Щукина совершенно покорила – он захотел такую же, результатом чего была картина «Игра в шары», колористически и с точки зрения рисунка очень близкая к картине Остхауса, где черепахи уже не было и были три мальчика, которые катают шары, как это принято на Юге Франции. Это практически физическое, физиологическое воздействие, вносящее гармонию в человеческую жизнь не на символическом уровне содержания, а на физиологическом, волновом. Когда в 1889 году Павел Михайлович Третьяков приобрел картину молодого Серова «Девушка, освещенная солнцем», Владимир Маковский, один из отцов передвижничества, знаменитый жанрист-рассказчик, на публичном обеде передвижников задал Третьякову вопрос, который можно истолковать как хамский.

И вот через руки этих людей импрессионизм и стал усваиваться в мире. Еще Дмитрий Владимирович Сарабьянов показал, что для значительной части русских авангардистов в начале ХХ века имя «импрессионист» было синонимично тому явлению, которое затем стало описываться понятием «футурист» или «авангардист» и что многие русские авангардисты прошли в своем очень быстром становлении стадию импрессионизма. И все искусство, которое можно воспринять как искусство эволюции, пойдет под знаком революции. То, что сейчас звучит как риторическая фигура, в 1897 году было бомбой.

Самый процесс восприятия воздействует на результат. В творчестве Пикассо этот этап длился относительно долго – с 1904 г. (осень) до окончания 1906-го – и был не совсем однородным. В них нет ничего. Но то, что повсюду, то вызывает меньше всего внимания.

А Мане уж давно знаменитость». В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Самые известные работы периода: «Ольга Хохлова» (на фотографии выше), «Пьеро», «Натюрморт с кувшином и яблоками», «Спящие крестьяне», «Мать и ребенок», «Женщины, бегущие по пляжу», «Три грации».

Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и её кукла», 1938). Его искусство было представлено в Москве особенно полно и разносторонне. «Золотое руно» появилось в конце 1906 года как альтернатива «Весам».

Собственно говоря, эта связь Сезанна и кубизма была отмечена самими современниками. Процесс это был сложный. Но сама по себе задача научить европейцев русскому искусству, познакомить их с ним – задача, в общем, очень актуальная, очень показательная. От произведений членов группы французских живописцев «Наби», чьи изысканные декорации украшали квартиры французских буржуа или особняки французской аристократии, его отличает предельная, первобытная простота, но на самом деле он успешно решает ту же самую задачу. Но вот на западной почве – а «Мир искусства» с самого начала осознал и сформулировал свои западные амбиции, – на западной почве, в немецких, французских выставочных залах, мирискусники представляли себя как большое, подлинное русское национальное искусство. (Мы знаем, что именно в этом, 1894 году впервые в Академии художеств в Петербурге официально художники стали писать обнаженную женскую модель. ) Между художником и моделью складываются товарищеские отношения: они понимают друг друга, они работают, он пишет ее несмотря на пикантные возможности сюжета, все остается между ними в пределах сотрудничества. «Наби» работали с кланами и семьями, они создавали декорации и это не приниженное слово.

Импрессионизм для посетителя передовых выставок около 1900 года был не тем явлением, которое мы знаем и любим сейчас. – «пророк», «избранный») – группа художников и движение в постимпрессионизме, которое сформировалось во Франции в конце XIX века. Свою первую серьезную картину он написал в восемь лет – «Пикадор». Говоря коротко, Морозов представлял французскую живопись после импрессионизма как эволюцию, Щукин – как революцию.

В 50-е – 70-е годы Пикассо работает в разных видах искусства и в разных жанрах, в самых различных техниках: картины, скульптуры, монументальные росписи, керамика, рисунки иллюстрации, литографии, офорты, – трудно назвать область, в которой он не проявил бы себя за последнее двадцатилетие его долгой, творческой жизни. Во-первых, они показывали, что радикальные поиски той поры имеют отцов и дедов. Это были Вламинк, Дерен, ван Донген, Ле Фоконье, Марке и другие.

Но примером сотворенного искусства дьявола для Бенуа становится не Пикассо, а африканские статуэтки, стоящие в той же комнате, по стенам которой развешены его полотна. В этом отношении они схожи. И вот тут действительно футуристам приходится бороться за национальную независимость. В настоящий момент картина хранится в Музее современного искусства города Нью-Йорка.

Но эти журналы не имели иллюстраций. И это непростая и любопытная история. Пикассо создал более чем 20 тысяч работ. На мой взгляд, в живописи искания не имеют никакого значения.

Именно так и друзья и враги нового искусства зачастую описывали его. Спустя еще четыре года родители приняли решение устроить его в лучшую на тот момент передовую школу искусств – «Сан Фернандо» в Мадриде.

И воздействие это, в общем, воспитательное, преобразующее. Он, в сущности, говорит о том, о чем говорят в это же время русские филологи-формалисты. Мы-то понимаем, что это время расцвета русского изобразительного искусства: это «Мир искусства», это «Голубая роза», это, наконец, готовность, беременность русского искусства тем, что мы назовем потом русским авангардом.

Полотно имеет внушительные размеры – в высоту и ширину более двух метров. Период этот длился до 20-х годов. Он придумал в диалоге с Ларионовым такое явление, как всёчество. Светлые и тёмные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара.

Я думаю, что это апокриф, так как Щукин очень хорошо понял очень скоро, что именно эта живопись теперь владеет им совершенно – начав покупать Пикассо с 1909 года, «Даму с веером» из московского Музея имени Пушкина, он затем не мог остановиться до 1914 года. На самом же деле, с одной стороны, через византийские художественные каноны в Россию уже издавна проникла языческая красота позднего эллинизма. «Весы» были журналом поджарым, элегантным и космополитическим. Очень знаменателен диалог между Крамским и Репиным, сохранившийся в их переписке.

Но прямое влияние – это не самое интересное. Пабло Пикассо (Пабло Руис-и-Пикассо) – знаменитый испанский художник, вместе с Ж. Браком является основателем течения "кубизм" в живописи.

Очень мило и весело. Русские авангардисты были свободны от культурной традиции. Лев Толстой, великий писатель и религиозный диссидент, в своей брошюре «Что такое искусство. » издевательски говорит о поэзии французского символизма. И очень важным текстом в этом отношении была книга двух живописцев Альбера Глеза и Жана Метценже, которая так и называлась «De cubism», «О кубизме».

Мы знаем от Матисса, что Морозов, приезжая к дилеру в Париже, говорил: «Покажите мне лучших Сезаннов» – и делал выбор среди них. Там написано «monsieur Chtchoukine Moscou». Понятно, что подобного рода вещи – проблема для любой традиции. «Танец» и «Музыка» помещаются Щукиным на лестнице своего особняка, то есть в публичном пространстве. Ларионов в одном из своих текстов написал: «Поль Сезанн, художник, жил при Рамзесе II».

Это живопись, которая говорила сама о себе собственным языком. Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Для современного человека импрессионизм принадлежит к классике искусства. Громадная композиция (28кв. м. ), написанная в течение нескольких недель в творческом порыве, связала искусство Пикассо с жизнью всех народов, сражающихся с фашизмом против будущих "Герник".

Но Грингмут в конце своего текста исключительно высоко повышает ставки. И этот список можно умножить: Морозов действительно отбирал вещи с биографией. В этих обстоятельствах в начале 1902года Пикассо стал писать в стиле, по которому впоследствии период творчества художника в Барселоне в 1903—1904 годах был назван «голубым». К ранним работам относятся: «Горшок, бокал и книга», «Купание», «Букет цветов в сером кувшине», «Хлеб и ваза с фруктами на столе» и т. д. В полотнах четко прослеживается, как меняется стиль художника и приобретает все более абстрактные черты к концу периода (1918-1919 годы). Эти четыре человека принадлежали к двум предпринимательским семьям – Морозовым и Щукиным.

Богемный круг Парижа буквально раскололся на два лагеря: «за» и «против». С нее начинается новый период в его творчестве, так называемый неоклассицизм.

«Золотое руно» выглядело вызывающе дорого. Собственно, после Мориса Дени, появившегося у Морозова, Щукин заказывает «Танец» и «Музыку» как максимально авангардный ответ на искусство компромисса. И здесь первостепенна заслуга Сергея Дягилева. Через год четыре картины и несколько рисунков были показаны на следующей выставке «Золотого руна», а в 1910 году два полотна представляли Матисса на так называемом Салоне Издебского – уникальной выставке, организованной одесским скульптором Владимиром Издебским и путешествовавшей по городам Российской империи. Игорь Грабарь не без иронии пишет в своих воспоминаниях, что Сергей Иванович Щукин любил, потирая руки, говорить: «Хорошие картины дешевы».

В девятнадцатом веке стали появляться различные художественные группировки. Ясно, что сторонники традиционного искусства восприняли его как чистый бред мирискусники и модернисты, близкие к журналу «Аполлон», поняли, что это демаркационная линия и если их раньше пугал Матисс, то сейчас Матисс был понят как совершенно традиционный художник, а вот кубизм стал восприниматься как реальная проблема, причем не просто живописная проблема, а проблема культурная, так как кубизм ставил под вопрос базовые принципы живописи, как их понимал европейский человек начиная с эпохи Возрождения. Сам процесс усвоения импрессионизма в России был очень драматичен.

«В начале моего пути я более всего училась у современных французов. Это не живопись художников 1870 – 80-х годов.

Два пейзажа из коллекций Щукина и Морозова. С 1992 года полотно хранится в музее Мадрида. И футуристы декларировали свою ненависть к музеям.

В Москве открывается выставка под эпатажным названием «Бубновый валет». В конечном счете его знают по самому первому и последнему.

Он и вел переговоры с вдовой Жаклин Пикассо. Но исключения были и такое исключение в России – это казус итальянского футуризма. «Лет семь или восемь тому назад русская живопись переживала хорошее, бодрое время.

Пьер Боннар создает живопись очень приятную, сладкую, обволакивающую, порождающую ощущение, особенно этот триптих, ощущение теплого комфорта средиземноморского лета. Тут нужно пояснить вот какие вещи. Наши коммерсанты-толстосумы, которые так горячо отстаивали покровительственные пошлины, оказываются первыми поощрителями и потребителями всего иностранного.

В Валлорисе художник начал в 1954 году серию портретных изображений «Сильветт»1920. Несмотря на заметную разность, существующую между ними, несмотря на два самостоятельных течения финнов-народников (то есть реалистов в данном случае) и художников с направлением западно-аристократическим, они все же представляют один дух, пропитанный сознанием своей общей силы. С другой стороны, она спровоцировала значимый конфликт. Но помимо того, что русский читатель получил два весьма различных по качеству перевода, весной 1913 года подписчики и читатели альманаха «Союз молодежи», единственного более-менее стабильного печатного органа русского авангарда, могли прочитать там реферат, который принадлежал Михаилу Матюшину, одному из лидеров петербургского футуризма.

Станковая живопись олицетворяла отчуждение современного человека. У меня есть ощущение, что за нее отчасти отвечает Александр Бенуа. Эта модель также будет воспроизводиться довольно долго. Серов обладал нечастым даром честно формулировать свои мысли и выражать позиции и это признание очень дорогого стоит.

Но на самом деле именно Сергей Иванович Щукин заплатил рекордную сумму на рынке современной живописи: в 1910 году за «Танец» Матисса он заплатил 15 тысяч франков, а за «Музыку» – 12 тысяч. Надо сказать, что он держался стоически, ему, кажется, нравилось. Один из признанных шедевров «розового» периода – «Семейство комедиантов» (на фото выше). За два месяца Пикассо создаёт свою «Гернику»— громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Таков язык Пикассо. Я напомню, что в этот момент рубль стоил 4 франка.

И далее: «Можно ли питать такие же надежды Западу, я не знаю: там не только на искусство, но на все общество и государство надвигается другая гроза, несравненно более страшная и вконец разрушительная, – гроза социализма, от которой у нас, русских, есть все средства избавиться».

Один из вопросов – откуда взялась эта метафорика. Это были произведения Брака, Леже, Ле Фоконье и некоторых других художников. Нас будет интересовать аргументация. В России они были европейцами, в Европе они были русскими. Когда Игорь Грабарь писал свой обзор современного искусства за последние 50 лет, сидя в Мюнхене и перелопачивая колоссальный объем информации, абсолютно неизвестной для русского человека в ту пору, он, например, написал, что в Салоне 1865 года Эдуард Мане выставил картину «Девочка с кошкой». И деформация, к которой прибег Пикассо имела глубокое обоснование. Результатом этого проекта, этого заказа являются два огромных полотна – «Музыка» и «Танец», которые сейчас хранятся в Эрмитаже в Петербурге, но изначально они были написаны для особняка Сергея Ивановича Щукина в Москве.

Различия продолжаются и в других областях. «Бубновый валет» вообще организация живописцев, ребят не очень разговорчивых и образ «Бубнового валета» формируется в русской традиции поначалу скорее оппонентами этого течения и критиками, которые подчеркивают то, что им кажется недостатками, а сами художники, как правило, остаются молчаливыми – они относительно мало публикуют текстов.

Он откликался на все актуальные события времени. Это был «Стог сена» Клода Моне, который сейчас хранится в музее Цюриха и который встретил ехидные отклики русских критиков и очень невнятную реакцию художественного сообщества. Событие это потрясло Пикассо.

В 1904году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. В 1904 году Валерий Брюсов, претендовавший на роль, в сущности, единоличного лидера русского символизма, стал издавать в Москве журнал «Весы». Щукин разместил эти полотна на лестнице своего особняка. Дело в том, что сифилис, очень распространенный в Европе XIX века и бывший сам по себе культурным фактором, прежде всего последней трети столетия, носил неполиткорректное название «французская болезнь».

Путь к русскому читателю Матиссу проложил символистский журнал «Золотое руно». «Мы получали и читали Новое время, Русские ведомости иногда Новости – газеты разных направлений, – писал он. Именно с этой точки зрения именно в этом аспекте мы понимаем новаторство «Мира искусства» и блестящую стратегическую интуицию Сергея Дягилева.

Он понимает, что он хочет. Кто, казалось бы, дальше отстоит от мистики среди русских авангардистов. Мы достоверно знаем только один из холстов, показанных на этой экспозиции.

Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передаёт в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914). И вот тут именно с Плетнёвым происходит преображение: он пишет то, что видит. Отзывы на Матисса в русской художественной среде полярны.

Синяя Комната Пикассо (1901, Собрание Филипса, Вашингтон) отражает влияние этих художников и одновременно показывает эволюцию творчества Пикассо в голубой период, который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение последующих нескольких лет. Художник в 1937 году создает полотно «Герника» в черно-белых тонах по заказу правительства Испании для Всемирной выставки в Париже. Гвоздем выставочной жизни Парижа в конце 2016 и в начале 2017 года была выставка в Фонде Louis Vuitton коллекции Сергея Ивановича Щукина. Но это скорее исключение, которое подтверждает правило.

Произведения, созданные в 1945—1955 годах, очень средиземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят своё выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»). А Машков едет в это время изучать фрески раннего итальянского Возрождения и здесь очень интересно получается, что для этого поколения нет принципиального различия между тем, что называлось «итальянские примитивы» и живописью Сезанна и Гогена.

Юному Пикассо на тот момент было 14 лет и он был слишком молод для того, чтобы учиться в Ла-Лонху (школа изящных искусств). У рычагов ее стоял Роже Маркс, один из самых влиятельных музейных деятелей страны. Его гражданская позиция совершенно ясна. Матюшин сделал странную вещь: в этом переводе он придал французским терминам из книге «О кубизме», достаточно простым, туманное и почти мистическое содержание. Она называлась Первая международная художественная выставка.

В 1901 году была также написана картина «Любительница абсента». Это десятилетие – своего рода десятилетие некрологов.

И главным ответом авангарда стала первая в мире монография о Пикассо, вышедшая по-русски в 1917 году в Москве, в футуристическом издательстве «Центрифуга». И Щукин, как мы знаем из воспоминаний современника, говорил буквально то же, что говорил Матисс: «Они помогают мне взбираться по лестнице». И именно эту модель, самую передовую на тот момент, Дягилев переносит в Петербург. Аксенов заставляет нас сосредоточиться не просто на творческой личности Пикассо, а на логике живописного развития этого художника. В 1904 году петербургский журнал «Мир искусства» перестал выходить.

Ну, например, в 1876 году Эмиль Золя, в ту пору молодой непризнанный литератор, был парижским корреспондентом влиятельного либерального толстого журнала «Вестник Европы», на страницах которого напечатал раньше, чем по-французски, свой литературный манифест «Экспериментальный роман». Что это было. К раннему периоду его творчества относятся картины, написанные в 1986 году: «Автопортрет» Пикассо, «Первое причастие» (на ней изображена сестра художника Лола), «Портрет матери» (на фото ниже). Мы знаем, что перед самым открытием выставки «Бубновый валет» беспокоящее Ларионова пустое место на стене было занято огромным холстом, который написал Илья Машков. Все персонажи находятся в статике и между ними не наблюдается какой-либо внутренней близости, каждого сковало внутреннее одиночество – тема всего «розового» периода.

Следы его влияния можно найти в самых неожиданных местах. «Танец» и «Музыка» – это в определенном смысле манифесты. Так что Щукин очень предприимчиво помогал своему любимому художнику и другу, минуя кошелек Бернхейм-Жён.

Пикассо действительно в это время уже приобрел некую ауру загадочности. Я буду соперником Пикассо в обладании дьявола». И если мы посмотрим на щукинское собрание Матисса, то мы увидим, что «Танец» и «Музыка», самые дорогие вещи, – это панно, а огромные холсты, которые, в общем, конечно, представляют собой не совсем портреты, за каждый из которых Щукин вынимал из бумажника 10 тысяч франков, квалифицируются именно как портретная живопись. И мемуаристы оставили впечатляющее описание этих экскурсий. Тема абсента звучит во многих картинах. Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950). И дальше делает парадоксальное замечание: «Однако ж что это значит.

На самом деле Бенуа, конечно, описывает то, что уже творится на русских выставках. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты— клоуны, танцовщики и акробаты картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905). 1890-е годы ситуацию поменяли. Но договор этот имел исключения.

---