Пабло Пикассо Живопись

Пабло Пикассо – испанский живописец, основоположник кубизма, по опросу издания Тhe Times 2009 года самый известный художник XX столетия. Пикассо, ПАБЛО (Picasso, Pablo) (1881–1973) – французский живописец испанского происхождения.

Эволюция стиля живописи Пабло Пикассо

А Пикассо невозмутимо сказал: «Ничего, когда-нибудь вы будете похожи на свой портрет». К ранним работам относятся: «Горшок, бокал и книга», «Купание», «Букет цветов в сером кувшине», «Хлеб и ваза с фруктами на столе» и т. д. В полотнах четко прослеживается, как меняется стиль художника и приобретает все более абстрактные черты к концу периода (1918-1919 годы). У художников нужно бы выкалывать глаза, как выкалывают щеглам, чтобы они лучше пели».

Руки персонажей – гибкие с длинными чуткими пальцами – это как бы нащупывающие руки-глаза. Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, так как сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932). Погруженный в торговые дела, он до определенного времени не разделял увлечения своих братьев, коллекционирующих старых мастеров и мастеров древности, приобретая картины лишь для украшения дома. В этом стиле написаны полотна «Любительница абсента», «Свидание», «Нищий с мальчиком», «Трагедия».

• Галерея работ Пабло Пикассо по периодам
• ТОП-10 Самые известные картины Пабло Пикассо
• САМЫЕ ДОРОГИЕ КАРТИНЫ ПАБЛО ПИКАССО
• 10 знаменитых картин Пабло Пикассо
• Биография Пабло Пикассо и описание его картин

Начинают преобладать натюрморты, преимущественно с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином ит. п. — атрибутами, присущими образу жизни художественной богемы начала века. Первое, что он воскликнул, когда Пикассо привел ее в гости: «Дорогая, если бы я рисовал ваш портрет, волосы были бы зелеными». В 1918 году Щукин передал свое собрание городу. В это же время он начинает работать с керамикой, создавая множество декоративных кувшинов, блюд, тарелок, статуэток (фото представлено выше). По Делакруа (1955) Менины.

В это время с пониманием художник относится к оступившимся, униженным судьбой и бедностью. Морис Рейналь говорил: «Нечто таинственное окутывало его личность, по крайней мере для нас, не привыкших к испанскому складу ума: поражал контраст между болезненной и тяжелой силой его искусства и его собственной натурой, между драматическим гением и веселым нравом». Это последняя работа Пикассо в серии работ, нарисованных в знак протеста. Но, пожалуй, самым ярким образцом африканского этапа творчества Пикассо является картина «Авиньонские девицы» (на фото выше), над которой мастер трудился около года. То некто сильный оберегает играющих детей.

Создалось ощущение, что у науки иммунитет к болезням духа. Это было для художника началом тяжелого морального кризиса, который эхом отдается в замечательной серии рисунков исполненных между концом 1953 и концом зимы 1954 в них Пикассо, по-своему, в озадачивающей и ироничной манере, выразил горечь старости и свой скептицизм по отношению к самой живописи. В 1901 году открылась его персональная выставка на улице Лаффит известной своими престижными художественными галереями.

Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо»И. Кажется, что если бы у нас был третий внутренний глаз, то он видел бы именно так, как видит Пикассо. Мастер пишет целые серии композиций, в основном овальных. В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. С ранних лет Пикассо показывал страсть и способности к рисованию.

1. Пабло Пикассо, художник, картины с описанием, биография
2. Пабло Пикассо: жизнь и творчество художника
3. Пикассо ПаблоКартины и биография
4. Персоны и личности (интересное о известных)
5. Любопытные факты о Пабло Пикассо – художнике, картины которого похищают чаще всего
6. Творчество и жизнь ПаблоПикассо

Не удостаивал вниманием равнодушных с той же миной, что и поклонников. Пикассо ощутил, что живопись обладает собственными средствами для более глубокого анализа человека – «на элементарном уровне», который был начат несколько раньше во французской поэзии, русской литературе, немецкой философии и австрийской психологии. Это «Семья акробатов с обезьянкой», «Шут», «Молодой Арлекин». Можете забрать на память».

Пожалуй, еще ни один женский образ не был так изуродован, как в серии «Плачущая женщина», где отвращение к Доре и к войне слились воедино. Родившийся в 1881 году Пабло Диего Хосе должен был бы по отцу носить фамилию Руис. Вместо сиротливой пары героями Пикассо становится семья или коллектив. Его имя, данное при крещении, состоит из 23 слов — Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис Клито Пикассо. В 1930-1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса (Лежащая женщина, 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма (Мужчина с букетом, 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса— Конструкция, 1931).

1. Пабло Пикассо: картины как иллюстрация жизненного пути
2. Биография великого испанского художника
3. Пабло Пикассо «Автопортрет» 1906
4. Пабло Пикассо «Лежащая обнаженная»

Марк Шагал как-то сказал, что Пикассо меняет стиль чаще, чем носки. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. Считается, что в это время Пикассо еще не был знаком с африканской скульптурой. В 50-е – 70-е годы Пикассо работает в разных видах искусства и в разных жанрах, в самых различных техниках: картины, скульптуры, монументальные росписи, керамика, рисунки иллюстрации, литографии, офорты, – трудно назвать область, в которой он не проявил бы себя за последнее двадцатилетие его долгой, творческой жизни. Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве.

В годы испанской революции и войны Пабло Пикассо находится в Париже. В 1902 году его друг совершил суицид. Произведения периода сюрреализма: «Танец», «Женщина в кресле» (на фотографии ниже), «Купальщица», «Обнаженная на пляже», «Сон» и т. д. После того как отгремели войны и мир пришел в относительное равновесие, восстанавливая все, что было разрушено, творчество Пикассо тоже обрело более счастливые и яркие краски.

1. Последняя картина Пабло Пикассо «Лежащая обнаженная и голова»
2. Пабло Пикассо «Автопортрет, 28 июня 1972»
3. Обнаженная, зеленые листья и бюст
4. Пабло Пикассо: последние новости
5. Наиболее известные работы Пабло Пикассо, написанные им в ранний период (до 1900)

Первый – так называемый «Сезановский». В 1905–1906 Пикассо отдавал много времени изучению архаики. Для всех он разный, но в одном сходятся и поклонники и скептики – это была выдающаяся личность XX века. В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся.

В конечном счете его знают по самому первому и последнему. У них рождается сын Поль (4 февраля 1921 года). В то время он развивал новые образы и формальный синтаксис для эмоционального выражения себя, «выпуская насилие, психические страхи и эротизм, которые в значительной степени подавлялись или сублимировались в нём с 1909 года», – пишет историк искусства Мелисса Маккуиллан. Рот, глаз, ухо становятся чем-то вроде универсальных деталей. Душная замкнутость голубого периода сменяется ощущением легкости, свободы.

В 1905 году в Европе разразился острый франко-германский кризис. Тот же круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску. Однако его сын стал заниматься искусством в ущерб классной работе. Он часто ездил к родным в Барселону. Она была на 40 лет моложе его.

Фамилию Пабло решил взять материнскую, посчитав отцовскую слишком простой. Стремление к резкой, разрушительной деформации было знаменем нового века. Впервые полотно увидело свет лишь спустя тридцать лет после его написания и стало открытой дверью в мир авангарда. В 1953 года Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Формы дробятся, умножаются, перетекают одна в другую. Пикассо познакомился сней в1904 году, после того как поселился в Париже.

Но художник пошел дальше. Вот только одна из показательных по своему тону рецензий, вышедших на следующий день после премьеры Парада. Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. По Делакруа» (1955) «Менины. Родился в Малаге 25 октября 1881 года.

• Работы «голубого» периода (1901-1904)
• Работы «розового» периода (1904 — 1906)
• Работы «сезанновского» кубизма («Африканский» период) (1907 — 1909)
• Работы «аналитического» кубизма (1909-1912)

Овал – это античный символ яйца, основы жизни. 1911–1912 годы – так называемый формальный период Пикассо и Брака. Кубизм. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником— символом надежды. Серо-голубая палитра постепенно сменяется розовой и охристой.

Период «синтетического кубизма» порождает серию натюрмортов. Именно так Пикассо не рисовал больше никого. Оба имели сына Пауло, который вырос распущенным мотогонщиком, а позже стал шофёром отца.

1. Работы «синтетического» кубизма (1912-1917)
2. Работы периода неоклассицизма (1918 — 1925)
3. Работы периода сюрреализма (1925 — 1936)
4. Работы военного времени (1937-1945)

С 1906 года Пикассо трудился над портретом своей знакомой – Гертруды Стайн. В 1900 году Пикассо со своим другом, художником Касахемасом уехал в Париж.

Страсть мальчика к рисованию к этому времени стала всепоглощающей. Тем не менее, на первой выставке группы сюрреалистов в 1925 году Пикассо выставил работы в стиле кубизм понятие «психический автоматизм в его чистом виде», установленное в Manifeste du surralisme («Манифест сюрреализма»), никогда полностью его не интересовало. В этом же номере впервые в Европе была опубликована копия картины Les Demoiselles («Авиньонские девицы»).

1. Работы послевоенного периода (1945 — 1960)
2. Работы позднего периода (конец 60-х — 1973)
3. Художник Пабло Пикассо: детство и годы обучения
4. Пабло Пикассо: произведения «розового» периода
5. Описание картины Пабло Пикассо «Купальщица открывающая кабинку»
6. Описание картины Пабло Пикассо «Столик в кафе»

Один из признанных шедевров «розового» периода – «Семейство комедиантов» (на фото выше). Это не просто обычная картина, а еще и сильное политическое заявление. На его картинах чаще всего изображены двое, причем далеко не всегда это мужчина и женщина (муж и жена). Этот образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет главную тему картины Герника, самого знаменитого его произведения, которое он пишет через несколько недель после разрушения немецкой авиацией маленького городка басков и которое знаменует начало его политической деятельности (Мадрид, Прадо до 1981 картина находилась в Нью-Йорке, в Музее современного искусства). За такой резкий переход от кубизма к классицизму Пикассо многие критиковали. Это был самый тяжелый период в жизни начинающего художника. Спустя еще четыре года родители приняли решение устроить его в лучшую на тот момент передовую школу искусств – «Сан Фернандо» в Мадриде.

Оба оставались вместе до конца жизни Пикассо. Оно выражается в специфическом огрублении живописной фактуры, «опрощении» стиля. Убаюкивающая созерцательность была не для него. Например, «Арлекин», «Три музыканта», «Натюрморт с гитарой» (на фото выше). На данный момент за работы Пикассо должен был взяться арт-дилер Леон Розенберг.

При этих обстоятельствах в начале 1902 года он начал делать работы в стиле, впоследствии названном «голубым периодом». Матисс был рассержен, посчитав ее пародией на новые искания.

1. Описание картины Пабло Пикассо «Женщина с вороной»
2. Описание картины Пабло Пикассо «Портрет Солера»
3. Описание картины Пабло Пикассо «Муза»
4. Описание картины Пабло Пикассо «Смерть тореадора»

Надо жить по-новому, но никто не знал, как именно. На мой взгляд, в живописи искания не имеют никакого значения. Большая часть работ была сожжена, чтобы обогреть маленькую комнату. Мадрид хранил много других достопримечательностей. В творчестве Пикассо этот этап длился относительно долго – с 1904 г. (осень) до окончания 1906-го – и был не совсем однородным.

В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имён возлюбленных, названий улиц, кабачков. Именно так и случилось с Пабло Пикассо, произведения которого теперь известны всему миру. Он немного напоминал неуклюжий корабль – отсюда и название.

1. Описание картины Пабло Пикассо «Минотавромахия»
2. Описание картины Пабло Пикассо «Петух»
3. Описание картины Пабло Пикассо «Акробаты мать и сын»
4. Описание картины Пабло Пикассо «Свидание»
5. 8 самых популярных картин Пабло Пикассо (и опрос)

Но между ними не было резкого разрыва, как кажется сначала. В этом плане психологически оправдана тема слепоты в творчестве Пикассо, например, композиция «Завтрак слепого», «Слепой гитарист», невидящий старик с мальчиком, скульптурная голова слепой. В 1954 году он встречается с Жаклин Рок, которая в 1958 году станет его женой и вдохновит его на серию статуарных портретов. В общей сложности к 1918 году им было собрано 256 картин (у него было 50 работ одного только Пикассо).

А потому избрал фамилию матери – Пикассо. Я перестал вас видеть, когда смотрю на вас, – сказал он в ярости. Считается, что картина продолжает тему трагедии в след за картиной «Герника». После эпикурейского изящества 1920-х годов (Танец, Лондон, галерея Тейт) в творчестве Пикассо появляется атмосфера конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов. С 1968 по 1971 года он создал множество картин и сотни медных гравюр. Однако пожелали ему выработать свой индивидуальный, более узнаваемый стиль.

• Как на самом деле выглядели женщины с картин Пабло Пикассо
• ИНТЕРЕСНЫЕ ФАКТЫ ИЗ ЖИЗНИПАБЛО ПИКАССО
• Гениальный человек, всегда загадка
• Интересные факты о Пабло Пикассо
• Известные высказывание Пабло Пикассо
• Известные картины Пабло Пикассо

В 1908 году Жорж Брак привез из летней поездки в Экс, где незадолго до этого уединился Поль Сезанн (за что его прозвали «отшельником из Экса»), «кубизированные» этюды. С 1910 года галерея Щукина стала доступна для всеобщего обозрения. В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Некоторые из них (Коза, 1950 Обезьяна с малышом, 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа.

Пабло учился в Барселоне, Мадриде, неоднократно ездил в Париж, где посетил все музеи. По Курбе» (1950) «Алжирские женщины. Особенно важны в тот период скульптуры (Беременная женщина, 1950). На несколько месяцев Пикассо покинул Париж и уехал на родину в Каталонию.

• Пабло Пикассо картины с названиями и годы написания картин
• Поиск по фамилиям или направлениям
• СТИЛИ В ЖИВОПИСИ В АЛФАВИТНОМ ПОРЯДКЕ (при необходимости набрать в поиске)
• Самое интересное в виде мозаики
• Пабло Пикассо: самые известные картины

Эротики здесь практически нет – герои картин просто спасаются любовью от одиночества, пытаются оберегать и защищать друг друга – особенно дороги мастеру сюжеты, в которых слабый оберегает слабейшего (девочка с голубем, мальчик с собакой). Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. В 1956 году на французские экраны вышла документальная лента о художнике «Таинство Пикассо». Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950). ксозданию «новой реальности». Конечно, Пикассо это всячески отрицал.

Согласно одной из версий, первое слово, которое он произнёс, было PIZ, сокращенное от LAPIZ (карандаш по-испански). Хотя совенок не признал заботы и демонстративно отворачивался, стоило только Пикассо войти в комнату, создать несколько картин с его участием все же удалось. Все средства он тратил на то, чтобы дать сыну самое лучшее образование. Их старший брат Майкл Стайн и его жена Сара также коллекционировали его работы. Фернанда Оливье выступает в роли его жены.

В это время она, как и прежде, жила в доме на улице Мерсе в двух шагах от Школы изящных искусств, ради работы в которой ее покойный муж был вынужден перебраться в Барселону. По Делакруа (1955) Менины. В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. Техника исполнения так потрясла отца, что он бросил рисовать. Он написал несколько произведений на тему бродячего цирка, которым был увлечен.

Вскоре в рисунках Пикассо не только фигура, но и лицо распадается на отдельные элементы. Там же Пабло в течение года проходил обучение в местной школе искусств. По Веласкесу (1957) Завтрак на траве. Как ни парадоксально, Пикассо – один из зачинателей кубизма – был чужд ортодоксальных кубистов.

Работа Пикассо, помимо всего прочего, полна драматизма. Пабло Руис Пикассо (Picasso Pablo) испанский художник и скульптор, с 1904 года проживавший во Франции. Попробуйте в картине «Девочка на шаре» закрыть атлета и покажется, что девочка сейчас упадет.

Именно он стал одним из первых щедрых покупателей Пикассо и помог ему выбраться из нищеты. «В один прекрасный день, – вспоминает писательница, – он в ярости сказал: «Я перестал вас видеть, когда смотрю на вас». Разделение творчества есть не что иное, как желание разложить по полочкам и втиснуть его в определенные (стилистические, временные) рамки. Кажется, он сразу начал работать как профессионал.

Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неравны по качеству («Мастерская в Каннах», 1956). В 1930—1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создаёт их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса— «Конструкция», 1931). В 1907-1914 Пикассо работает в таком тесном сотрудничестве с Браком, что не всегда возможно установить его вклад на разных этапах кубистической революции.

Фигуры массивны, тяжеловесны, лепка их нарочито огрублена. Чувством неудовлетворения собственным творчеством отмечена серия интерпретаций и вариаций на темы знаменитых картин Девушки на берегу Сены. Один из ближайших друзей Пикассо, Жорж Брак, воскликнул: «Это все равно, что питаться паклей и парафином вместо нормальной пищи». Наказания удалось избежать исключительно благодаря влиятельным друзьям.

С последней картиной, на которой изображены ужасы войны, связана одна известная история. Это полотно было создано в Мадриде и используемый искаженный стиль напоминает Эль Греко. (Впервые это появляется в портрете Гертруды Стайн. ) Самостоятельной, отдельной от тела жизнью живут почти все мужские головы подготовительных этюдов.

Наряду с циклом великанш и купальщиц, картины, вдохновленные помпейским стилем (Женщина в белом, 1923), многочисленные портреты жены (Портрет Ольги, 1923) и сына (Поль в костюме Пьеро) являют собой одни из самых пленительных произведений, когда-либо написанных художником, даже при том, что своей слегка классической направленностью и пародийностью они несколько озадачили авангард того времени. Договор с Канвейлером положил конец его изгнанию из Франции. Художник то ностальгировал по парижской студии, то по атмосфере Средиземноморья и своим голубям. После освобождения. Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период (Девушка перед зеркалом, 1932).

Особенно шокировало зрителей полотно «Авиньонские девицы» (1907 год). Голубые фигуры на голубом фоне не тонут в плоскости, а зримо и выпукло выступают. В 1944 году Пикассо становится членом Французской коммунистической партии. После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам художник считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины (Портрет Канвейлера, 1910, Художественный институт). Его отец был учителем рисования и мастером декоративных росписей интерьеров.

Ждали судебного врача, но он не приехал, вот таким образом вскрытие помогал делать ночной сторож. Пикассо еще не окончательно осел во Франции. Это выражение подхватил какой-то журналист. Синяя Комната Пикассо (1901, Собрание Филипса, Вашингтон) отражает влияние этих художников и одновременно показывает эволюцию творчества Пикассо в голубой период, который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение последующих нескольких лет.

Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения (Портрет художника, в подражание Эль Греко, 1950, частное собрание) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярного на юге Франции боя быков), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959-1968). Пикассо не сразу остался жить в Париже. К этому этапу относятся «Бидон и миски», «Женщина с веером».

Аполлинер и Жакоб были очень хорошими друзьями Пикассо в течение 1910-х годов. Корни живописи голубого периода гнездятся в Испании. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и не ровны по качеству (Мастерская в Каннах, 1956). В том же 1904 году художник встретил Фернанду Оливье, которая стала его первой музой. А одним из самых популярных мотивов того времени был мотив «худого гостя» – демона-искусителя. Той же весной Пикассо пишет одну из своих наиболее известных работ – большое панно «Авиньонские девицы» (которое сейчас находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке). Это состязание, ставка в котором – жизнь.

Немецкая оккупация не могла испугать Пикассо: он оставался в Париже с 1940 по 1944 год. Они написаны в холодной, сине-зеленой гамме, напоминающей Эль-Греко рисунок острый, контуры изломаны, тела нарочито удлинены ("Свидание" 1902). Коричневый цвет выходит за рамки общей цветовой гаммы картины.

Но синтетический кубизм исключал портретную живопись. Вместе с тем, каждый уважающий себя человек видел (хотя бы в иллюстрациях) «Девочку на шаре», «Бег» и «Гернику». По словам матери, его первыми словами были «piz, piz», сокращение от «lpiz», что в переводе с испанского означает «карандаш». непосредственно перед «голубым периодом»), а 1904 год можно считать переходом между двумя периодами. Он не выносил бездарных людей так же, как талантливых.

Оба часто спорили. Конечно, в "Гернике" нет ничего от конкретного города басков, нет ни самолетов, ни убийц. Он часами заставлял своих покупателей ждать в приемной и, пока чинный дворецкий утверждал, что «мсье очень занят», сам наотрез отказывался вылезать из кровати.

Картины этого гения являются гордостью ведущих музеев мира. Пикассо наследует цветовую палитру французского художника. Тогда Пикассо перемещался между Испанией и Францией, ещё не поселившись в Париже окончательно. За два месяца Пикассо создаёт свою «Гернику»— громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Можно было б назвать ее «Слепой музыкант», но художник сделал акцент на старости, в которой единственной отдушиной является творчество.

Глез и Метценже, ранние теоретики кубизма, считали одним из краеугольных камней нового стиля полное изгнание «литературного содержания» из живописи. И деформация, к которой прибег Пикассо имела глубокое обоснование. Мать и сын», «Девочка с козлом». Их бледные, отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. Пикассо и молодая художница Франсуаза Жило познакомились в 1943 году. Среди них— Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937).

Первый выпуск был опубликован 31 марта 1901 года, когда художник начал подписывать свои работы «Пикассо» прежде он подписывал их «Пабло Руис и Пикассо». В Прадо размещены картины Диего Веласкеса, Франсиско Гойя и Франсиско Сурбарана. Вот таким образом его подразделяют на несколько этапов. Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения («Портрет художника, в подражание Эль Греко», 1950) и элементы тавромахии (Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968).

Герои—это бедные дети и матери, старики. И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Эта картина оказалась первой из произведений художника, которую приобрел музей.

Розовый цвет становится на два года главным в творчестве Пикассо. Так появились полотна «Мальчик, ведущий коня» и «Девочка с козлом». Для Пикассо символика играла не последнюю роль.

Кубизм развивается в совершенно ирреальные и сюрреалистические образы. В ней прослеживается влияние популярного на тот момент увлечения «порочными» персонажами, характерного для французского искусства. В работах этого периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали (Женщина с пучком волос, 1903 Пикассо считал— кто грустен, тот искренен) движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя (Любительница абсента, 1901 Женщина с шиньоном, 1901 г Свидание, 1902 Нищий старик с мальчиком, 1903 Трагедия, 1903).

В «Гернике» гений света держит в вытянутой руке свечу. Период этот длился до 20-х годов.

Под впечатлением смерти начался «голубой период» в творчестве Пабло Пикассо. К 1905 году Пикассо стал фаворитом американских коллекционеров Лео и Гертруды Стайн. Полное имя, которое будущий художник получил при крещении— Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано14 (Криспиниано15) де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо. Наступил реальный кризис эпохи.

Живопись начала 20-х – такие картины, как Женщины, бегущие по пляжу, Флейта Пана, Портрет Ольги Хохловой, построены на контрасте холодного (синего, голубого) и теплого (красного, коричневого, терракотового) тонов. Испанец Бласко Ибаньес в 1906 году создал философско-психологический роман «Кровь и песок». Они возобновили свою дружбу, но Пикассо стал часто посещать новые социальные круги. Так приунывшие старые знакомые думали, что все уже распродано и соглашались взять то, что им предлагал Пикассо, за ту непомерно высокую цену, которую он называл.

С нее начинается новый период в его творчестве, так называемый неоклассицизм. Вот таким образом он отказывал в визитах как конкурентам, так и друзьям.

Картина Бойня (1944-1945, Нью-Йорк, Музей современного искусства) – последнее трагическое произведение Пикассо. Но в лаборатории искусства используются свои инструменты – слова, звуки, краски, формы. В 1904году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. Полотно «Девочка на шаре» можно назвать переходным. Переполненный отвращением к войне, художник написал гигантское обвинение фашизму: так родилась на свет «Герника» (Guernica), картина тираническая, пугающая и многословная. С 1901 по 1906 год живопись Пикассо представляет собой некую театрально-драматическую разновидность «народничества», в какой-то степени свойственного искусству его великих предшественников Ван Гога и Сезанна, у которых оно связано не столько с сюжетом, сколько с антисалонной направленностью.

В произведении "Война" (которое, как и панно "Мир", художник делает для Храма Мира в Валлорисе 1952) Пикассо также не изобразил ни пушек, ни танков, ни трупов. Некоторые из них («Коза», 1950 «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. Академический реализм легко различимый в работах середины 1890-х годов хорошо отображён в «Первом причастии» (1896), большой композиции, которая изображает его сестру Лолу. Канвейлер был немецким искусствоведом и коллекционером. Изнеженно-пушистая, золотисто-зеленоватая «Дама с собачкой», написанная в 1900 году, напоминает (и скрыто пародирует) колористическое и фактурное гурманство позднего импрессионизма.

Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе увлечённый проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. С помощью нового подхода Пикассо анализирует, выявляет пластические свойства самой натуры. Обучение Пикассо под руководством отца началось до 1890 года. Позировала для картины (как и для целой серии других картин) Дора Маар, которая сама работала профессиональным художником. Однако искусствоведы признают, что эта работа стало отправной точкой авангарда. "Мать и дитя" (1922), портрет сына Поля (1923) являются характерными произведениями того времени.

Под конец розового периода Пикассо увлекся античными мотивами. Проблема уникальности и точности изображения оставалась на первом месте в европейском изобразительном искусстве вплоть до того момента, когда в него ворвался кубизм. Ныне там располагается музей и фонд имени П. Пикассо. Он настолько разный в каждый следующий период, что кажется, что это писали разные люди. В 9 лет он изобразил сцену боя быков – довольно сложную многоплановую композицию, которую не каждый взрослый решит так умело. Картины боя быков были близки ему с детства. Оно прославило Пабло Пикассо.

А когда вернулся, быстро переписал портрет без модели. Дело дошло даже до потасовки. Состязание, в конце которого наступает «момент истины», как назвал его Хемингуэй. В его картинах бесконечно и безостановочно что-то происходит. В этих обстоятельствах в начале 1902года Пикассо стал писать в стиле, по которому впоследствии период творчества художника в Барселоне в 1903—1904 годах был назван «голубым».

Именно в этом городе он увлекся керамикой. Громадная композиция (28кв. м. ), написанная в течение нескольких недель в творческом порыве, связала искусство Пикассо с жизнью всех народов, сражающихся с фашизмом против будущих "Герник". А он творил более 70 лет. Но и не более того. Один из элементов, периодически появляющихся в его картинах, – сова, которая слепа днем, но хорошо видит в темноте. Зато он очень быстро определил главное направление своих интересов. Полотно имеет внушительные размеры – в высоту и ширину более двух метров.

Фамилия, доставшаяся ей от предков, – Пикассо – в Испании встречается редко. Все персонажи находятся в статике и между ними не наблюдается какой-либо внутренней близости, каждого сковало внутреннее одиночество – тема всего «розового» периода. Вот Мария-Тереза открывает своим ключом домик художника (ключ всегда прописывался достаточно четко) играет с мячом на пляже, забавляется с друзьями. Наука научилась проникать в сокровенные глубины.

Более семидесяти раз он переписывал картину и всякий раз был неудовлетворен результатом. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неровны по качеству (Мастерская в Каннах, 1956, Париж, музей Пикассо). По Веласкесу (1957) Завтрак на траве. По нервическим образам изломанным формам и грязным оттенкам сейчас легко идентифицировать тот период. Его интересовало не внешнее сходство, а внутреннее.

Журнал «Золотое руно» в 1906 году даже объявил конкурс на лучшее его изображение или описание. Пикассо с блеском сдаёт все экзамены и поступает в Ла-Лонху. В «Тавромахии» ребенок выводит из лабиринта ослепшего Минотавра.

По Курбе (1950, Базель, Художественный музей) Алжирские женщины. Наряду с элементами стиля модерн (ср., например, в Странствующих гимнастах рисунок пальцев рук, завитков волос, характерный для этого стиля) в его работах появляются широкие плоскости, покрытые одним цветом, признаки статичности в лицах и фигурах. Пикассо пишет еще несколько жанровых картин, подражая то одному, то другому художнику, нащупывая свой путь. Начиная с 1905 года тот же круг образов приобретает у Пикассо иную окраску.

В Москве в это время мало кто собирал современную западную живопись. Остальные же мыслили, скорее, как конструкторы, чем как художники. В 15 лет Пабло пишет большую сюжетную картину «Посещение больной» («Наука и милосердие») в любимом доном Хосе Руисом сентиментальном жанре, причем фигуру врача юный художник писал со своего отца. В отрочестве и юности Пабло постоянно рисовал отца – худощавого человека с тонким лицом и остроконечной бородкой (Дон Кихот). Здесь он учится в местной школе искусств (1894 – 1895).

Гертруда, увидев результат, огорчилась. В настоящий момент картина хранится в Музее современного искусства города Нью-Йорка. Картины его полны меланхолии. Пикассо и тут пошел против течения: «В сущности, самое лучшее – это картины исполненные литературности, те, что рассказывают». Однако отец смог добиться того, чтобы его допустили к вступительным экзаменам на конкурсной основе, с которыми он справился блестяще.

Каждый из них в ответе за товарища. Вначале таким отдельным от всего остального предметом становится голова. В розовый период он задумал композицию «Гарема» идею которого навеял барселонский бордель, находившийся на улице Авиньон, где Пикассо обычно покупал краски. Анри Матисс первым в шутку назвал их «маленькими кубиками». Жили влюбленные внищете. Мягкие размытые тона, ускользающие линии мало отвечали его характеру.

Адские кони в бешенстве топчут открытую и сжигаемую на костре книгу. Многие картины измождённых матерей с детьми датируются «голубым периодом», во время которого Пикассо разделил своё время между Барселоной и Парижем. Жаклин Роке (1927-1986) работала в гончарной мастерской Madoura в Валлорис на Лазурном берегу, где Пикассо делал и расписывал керамические изделия. О донье Марии известно очень мало, а сам художник старался о ней не говорить.

На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931). Пикассо – истинный вдохновитель почти всех художественных направлений двадцатого столетия. Это всё про Пабло Пикассо. Ему было поручено сделать макет для огромной общественной скульптуры 50 футов (15 м) в высоту, которую должны были построить в Чикаго и обычно известную как Чикагский Пикассо. В этом кафе пройдёт его первая выставка.

По воле Пикассо оформление спектакля получилось двойственным. Рисунок стал сильнее и решительнее. «Нет, — ответил художник, — это сделали вы. п. — атрибуты, присущие образу жизни художественной богемы начала века. Здесь изображен изогнутый слепой человек, который держит большую коричневую гитару. Она также не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942).

Однажды увидев репродукцию «Герники», гестаповцы спросили: «Это вы сделали. ». Но любое впечатление шло в копилку его опыта.

После эпикурейского изящества 1920-х (Танец) Пикассо создает атмосферу конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 и театральной пьесе, созданной во время войны. Он был первым ребенком дона Хосе Руиса Бласко (1838-1913) и Марии Пикассо Лопес. Произошло именно так, как он намечал. Пикассо было девятнадцать лет, когда он приехал в Париж в1900 году, чтобы посетить Всемирную выставку, где в Гран Пале, в разделе, посвященном испанскому искусству, была выставлена его большая картина «Последние мгновения» исполненная в академической манере. Это должен был быть балет «Парад» на музыку Эрика Сати в постановке Леонида Мясина. Его предки были незначительными аристократами.

Произведения, созданные в 1945—1955 годах, очень средиземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят своё выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»). «Худой гость» являлся во сне и наяву и требовал отречения от света разума и погружения в изначальную стихию «варварства» с ее радостями и исступлениями, что позволило бы человеку бежать от своей постылой, одинокой и бессильной индивидуальности. Пабло Пикассо (Пабло Руис-и-Пикассо) – знаменитый испанский художник, вместе с Ж. Браком является основателем течения "кубизм" в живописи.

В итоге Лео Стайн переехал в Италию. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Испанцы плакали на выставке, стоя перед "Герникой".

Для этого портрета она позировала более восьмидесяти раз. Своим названием картина обязана поэту А. Сальмону. Весной 1916 года Аполлинер вернулся с фронта раненным.

«Герника» — скрупулезное изображение трагедий войны и страданий мирных жителей. Мир на картинах Пикассо пластичен. Наступает розовый период, который искусствоведы укладывают в два года: 1905–1906. Каковы бы ни были намерения автора, результат этого пластического анализа и последующего синтеза, лаконичные конструкции, в которые он претворяет лица и фигуры своих моделей, – конкретный образ, соотносимый с тем, который, трансформируясь именно так, как это нам показывает художник (от человека «простого» к просто человеку), находится в начале 20 в. в центре искусства, литературы, философии идеологии.

Приобретая картины, Сергей Иванович не прислушивался ни к каким мнениям. Брожение умов там началось только в конце XIX века. По Курбе, 1950 Алжирские женщины. Примириться с этим было невозможно и борьба с Пикассо шла по разным направлениям.

., на что тот ему ответил: Это сделали вы. Тем не менее итальянское правительство запретило демонстрацию картины в Риме. Канвейлер был среди первых кураторов Пабло Пикассо, Жоржа Брака и кубизма, который они совместно разработали. Художник Ж. Брак так высказался об «Авиньонских девицах» : «Складывается такое впечатление, будто нас хотели попотчевать паклей и напоить керосином». К раннему периоду его творчества относятся картины, написанные в 1986 году: «Автопортрет» Пикассо, «Первое причастие» (на ней изображена сестра художника Лола), «Портрет матери» (на фото ниже).

Тема быков возникла в творчестве Пикассо, вероятно, во время его двух поездок в Испанию в 1933 и 1934, причем облекаются они в достаточно литературные формы: образ Минотавра, который то и дело возникает в красивой серии гравюр исполненных в 1935 году (Минотавромахия). На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ (Сидящая купальщица, 1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), орущих (Женщина в кресле, 1929, Париж, музей Пикассо), раздутых до абсурда и бесформенных (Купальщица, рисунок, 1927, частное собрание) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы (Фигуры на берегу моря, 1931, Париж, музей Пикассо).

«Авиньонские девицы» оказались настолько ни на что не похожими, что все почувствовали себя разочарованными. Ивану Морозову она продала картину за 13 тысяч франков. Чуть более поздняя зловещая кокотка в красной шляпе явственно напоминает о Тулуз-Лотреке.

Идея подарить Франсуазе зеленые волосы принадлежала Матиссу. Там он встретил своего первого парижского друга, журналиста и поэта Макса Жакоба, который помог Пикассо в изучении французского языка и литературы. По мнению искусствоведов, картина открывает «голубой период» творческой деятельности Пикассо, наполненного драматическими событиями в его жизни. Она стала также моделью для нескольких безмятежных и величественных скульптурных бюстов исполненных в 1932 году в замке Буажелу, который он приобрел в 1930 году. Картины «розового» периода представляют мир циркачей и бродяг («Семья акробатов с обезьяной», «Девочка на шаре», «Семейство комедиантов»). Ключевыми в этот период для мастера стали такие слова, как одиночество, страх, вина, боль.

Пикассо выступил здесь как художник-борец, яростный обличитель фашизма. Пабло возвращается на родину, но сердце его в Париже. Переход от сентиментализма «голубого» и «розового» периодов к инновациям, возникающим зимой и весной 1907 в этюдах к этой картине, во многом имеет контрастный характер. Если бы не курение дяди, Пабло Пикассо мог бы вообще не появиться на свет. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передаёт в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914).

На лице прежде и разительнее всего меняется способ изображения носа. Звали его Хосе Руис. Немецкая оккупация не могла, понятно испугать Пикассо, который оставался в Париже с 1940 по 1944. Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. В двадцать лет Пабло уже был вполне сложившимся самобытным художником. Пикассо говорил, что внешность отца навсегда запечатлелась у него как тип мужского облика: «когда я рисую мужчину, я всегда представляю себе дона Хосе».

В 1901 году была также написана картина «Любительница абсента». В удлиненных пропорциях героев прослеживается влияние Эль Греко. Как любил говорить Пикассо – тут все рассказано. «Голубой период» Пикассо (1901-1904) характеризуется мрачными картинами, представленными в оттенках синего и сине-зелёного, которые лишь изредка согреты другими цветами. Усилившаяся условность в работах художника – это результат глубинного погружения в натуру. «В один прекрасный день, – вспоминает писательница, – Пикассо переписал всю голову заново.

Пикассо, вначале больше других отдавший дань модным темам, очень скоро и весьма остро ощутил, что живопись обладает собственными средствами для более глубокого анализа человека – «на элементарном уровне», – который был начат несколько раньше во французской поэзии, русской литературе, немецкой философии и австрийской психиатрии. Свою первую серьезную картину он написал в восемь лет – «Пикадор». Художник в 1937 году создает полотно «Герника» в черно-белых тонах по заказу правительства Испании для Всемирной выставки в Париже. В 1925 начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. И оставил работу над портретом». На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ (Сидящая купальщица, 1929), орущих (Женщина в кресле, 1929), раздутых до абсурда и бесформенных (Купальщица, рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы (Фигуры на берегу моря, 1931).

Произведение переходного периода— от голубого к розовому— Девочка на шаре (1905, Музей изобразительных искусств, Москва). Происходила переоценка ценностей, утрата устойчивости, былых идеалов, что-то кончилось и что-то должно начаться, но что. А. С. Пушкина Семейство комедиантов, Вашингтон, Национальная галерея). В 1902 года он вновь вернется в Барселону, однако остаться в ней так и не сможет. А в России произошла революция 1905–1907 годов. Это был серьёзный удар для Пикассо.

Все полотна мастера – а их несколько десятков тысяч. Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Орта-де-Эбро», 1909), увеличивает и ломает объёмы («Портрет Фернанды Оливье», 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твёрдым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910). Это панно стало главным событием международной выставки. Здесь уже в полной мере использован принцип архитектурного сочленения. Оккупация не ослабила деятельности Пикассо: портреты, скульптуры (Человек с агнцем), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи (Натюрморт с бычьим черепом, 1942, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия). Они стремились, как писал Ван Гог, «выразить в грубой манере суровую и грубую правду».

Сотрудничество Пикассо с Русскими балетами активно продолжилось и после Парада (декорации и костюмы для Треуголки Мануэля лде Фальи, 1919). Это были не обдуманные решения, а скорее попытки побега, предпринятые наспех. Юный художник благополучно рос в городе, который со временем считал настоящим домом. Некоторые историки, однако, считают, что «Три музыканта» — это запоздалый ответ Пикассо Матиссу и его «Уроку фортепиано». Форма, которую теперь создает художник, не есть средство «остановить мгновенье», она становится самостоятельной структурой, существующей по своим законам.

Как часто это бывало раньше, все изменила женщина. Аналитический кубизм Пикассо стал знаменательным этапом в истории искусства. Но даже в этом свете голубые картины Пикассо во французской живописи выглядят обособленно, а вот для Испании они вполне органичны.

Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность (Рыбная ловля ночью на Антибах, 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов (Майя и ее кукла, 1938). Пикассо уставший от его любовницы Доры Маар, начал жить вместе с Жило. Его семья была среднего класса.

В 1930-1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса (Лежащая женщина, 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма (Мужчина с букетом, 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (Пикассо создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса – Конструкция, 1931). Художник вернулся к неоклассицизму («Портрет жены Ольги в кресле», «Купальщицы», «Женщины, бегущие по пляжу», «Портрет сына Поля»), а затем перешел к сюрреализму («Танец», «Женщина с цветком», «Девушка перед зеркалом» и другие). Он стал одним из ведущих дилеров французского искусства XX века. С 1992 года полотно хранится в музее Мадрида.

Это свидетельство рискованного эксперимента, черновик, «поле битвы», оно хранит следы влияний и метаний, предчувствие кубизма. Печать неистовствовала, критики объявили Русский балет едва ли не предателями, деморализующими французское общество в тылу во время тяжёлой и неудачной войны. Этот период в жизни картин Пикассо характеризуется унынием, выражением смерти и старости, депрессией, меланхолией, грусти. В основном затрагиваются темы смерти, печали. Уже в 50-е годы, обращаясь к теме войны в Корее ("Резня в Корее", 1951), художник прибегает к той же символике и аллегориям, что и в "Гернике". Oливье появляется во многих его картинах «розового периода», на большую часть из которых повлияли их тёплые отношения, наряду с интенсивным изучением французской живописи. Конец 20-х – начало 30-х годов для Пикассо – период самых разнообразных художественных находок, среди которых образы спокойные, классически-ясные, встречающиеся чаще всего в графике (иллюстрации к "Метаморфозам" Овидия, 1931 к "Лисистрате" Аристофана, 1934), кажутся несовместимыми с нарочитой гармонией его живописных портретов, натюрмортов, почти абстрактных декоративных полотен ("Танец", 1925 "Фигуры в красном кресле", 1932).

На них почти все мужские головы живут самостоятельной, отдельной от тела жизнью. Это были времена крайней нищеты, холода и отчаяния. Произведения, созданные в 1945-1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо (Радость жизни).

Этой любви, самой чувственной в его жизни, он обязан созданием своих лучших шедевров, таких как «Обнаженная, зеленые листья и бюст» (Nu au Plateau de Sculpteur), «Сон» (Le Rve), «Чтение» (La Lecture). А предмет своих исканий он обычно уяснял уже в процессе работы над картиной. Очень скоро родился знаменитый образ «женщины-цветка» — именно так художник видел свою новую музу. Талант и тяга к рисованию у мальчика проявились с самого раннего детства. Собственный талант Франсуазы быстро чах под тесным крылом великого мастера, но ей одной из всех бывших и будущих любовниц удалось стать Пикассо другом и с годами не потерять его уважения. За закрытыми дверьми он повторял: «Приходите завтра или, лучше, через месяц», а при всех похлопывал незадачливого дилера по плечу, делая вид, что сделка состоялась.

В его работах видно стремление защитить грядущий день. Брюсов в 1908 году написал поэму «Огненный ангел». Пикассо пошел еще дальше, пытаясь открыть даже не суть модели, а суть творца, который эту модель изображает («Важно не то, что делает художник, а то, что он собой представляет»). Сюрреализм возродил тягу Пикассо к примитивизму и эротизму. Соединение геометрических и человеческих фигур в Девочке на шаре (1905) делает эту картину прологом к тем инновациям, которые через два года войдут с кубизмом в мировое искусство.

Фигура составлена из нескольких самостоятельных объемов: голова (шар), руки (прямоугольник), спина (треугольник) и отделенные от туловища, четко очерченные как самостоятельные объемы ноги. И оставил работу над портретом». Он откликался на все актуальные события времени. Затем семья перебралась в один из красивейших городов – Барселону. Из-за этой скандальной картины с Пикассо порвал Матисс. Никто из критиков не смог дать удовлетворительного объяснения этим странным, дерзким композициям, даже если это были действительно превосходные картины (Менины, 17 августа 1957, Барселона, музей Пикассо). То он пишет человека, несущего вырывающегося ягненка.

Одних интересует, на какой же слог всё-таки падает ударение в его фамилии, другие с любопытством разбираются в его амурных приключениях, третьи стремятся найти как можно больше смыслов в его полотнах, а четвертые пытаются понять, почему его картины сегодня уходят с аукционов за такие огромные суммы. На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано». Техника соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости (Гитара и скрипка, 1913) или передает в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 (Портрет девушки 1914).

Это было стремление, как писал Ван Гог, «выразить в грубой манере суровую и грубую правду». Смена творческой установки выглядит как внедрение рационального начала в сферу интуитивного, эмоционального.

Пикассо начал рисовать с самого детства, первые уроки художественного мастерства он получил у своего отца— учителя рисования Хосе Руиса, а вскоре овладел им в совершенстве. Страсть к собирательству пробудилась в Сергее Ивановиче лишь в сорок с лишним лет. Они бедны, но свободны, ни от кого не зависят.

Особенно часто на его полотнах встречается цирковая труппа. Именно эта деталь вызвала критические замечания в стиле: «Врач щупает пульс у перчатки». В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Среди наиболее известных его работ находятся картины в стиле протокубизм такие как «Авиньонские девицы» (1907), «Герника» (1937) и изображение бомбардировки Герники немецкими и итальянскими ВВС по приказу испанского националистического правительства во время Гражданской войны в Испании. Даже письма родным он не писал, а рисовал.

Важны только находки. Руис убедил чиновников в Академии разрешить его сыну сдать вступительный экзамен. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мертвым ребенком и быком за её спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками.

Художник изобретал все новые способы наложения друг на друга прозрачных плоскостей. Он переписывал картину 80 раз и уже абсолютно разуверился в возможности воплотить ее образ в классическом стиле. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приёмы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921). В это время создатель труппы «Русские балеты Дягилева», организатор популярных в Париже «Русских сезонов» Серж Дягилев, умевший привлечь к работе над своими балетами самые громкие имена, собирался ставить очередной спектакль. Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к Метаморфозам Овидия (1930) и Аристофану (1934) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Так родился новый термин.

Тут нет ни кризиса, ни перелома. Но то, что возникало под кистью художника, удовлетворяло его все меньше и меньше. В "Девочке на шаре" (1905) различие, даже противоположность и вместе с тем взаимосвязь двух образов достигается контрастным сопоставлением двух разных силуэтов (легкость и хрупкость девочки и тяжеловесность мужчины). В искусстве столь крутой поворот нуждался не только в творческой энергии. По Мане (1960).

Когда Пабло исполнилось тринадцать, он написал натюрморт. Демон-искуситель занимал воображение многих – как художников и поэтов, так и обывателей. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты— клоуны, танцовщики и акробаты картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов (Семья акробата с обезьяной, 1905). Яркими образчиками этого этапа являются полотна «Натюрморт с плетеным стулом», «Столик в кафе», «Скрипка и гитара». Тема абсента звучит во многих картинах. К счастью для Пикассо, центром этих перемен была Барселона, в которой он жил.

Пабло Пикассо, картины которого теперь представляют по большей части ноты с музыкальными инструментами, курительные трубки, бутылки вина и столовые приборы, делает упор на декоративность и контрастность. Стимулом к его развитию многие считают вопрос, возникший среди художников: «Зачем рисовать. » Достоверному изображению того, что видишь, в начале 20 века можно было научить практически любого, к тому же буквально на пятки наступала фотография, которая грозила целиком и полностью вытеснить все остальное. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты— клоуны, танцовщики и акробаты картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905). По технике – это сплошное напластование полупрозрачных, дымчатых, ломаных плоскостей, которые выглядят как движущиеся «молекулы» кристаллической материи, которые в своем движении рождают формы. Самые известные работы периода: «Ольга Хохлова» (на фотографии выше), «Пьеро», «Натюрморт с кувшином и яблоками», «Спящие крестьяне», «Мать и ребенок», «Женщины, бегущие по пляжу», «Три грации».

В течение первых пяти месяцев 1901 года Пикассо жил в Мадриде, где со своим другом анархистом Франциско де Асис-Сольером основал журнал Arte Joven («Молодое искусство»), у которого вышли пять номеров. Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Творческая биография Пабло Пикассо по-настоящему экстремальна. Поутрам они воровали круассаны имолоко.

Этот момент можно по праву назвать переходным от следования за натурой к деформации формы. На Родине создаются шедевры «голубого» периода: «Две сестры (Свидание)», «Старый еврей с мальчиком», «Трагедия» (фото полотна выше), «Жизнь», где еще раз возникает образ погибшего Касагемаса. Да, это убийство, но матадор рискует жизнью в той же степени, что и его жертва. Внешнее стало казаться пеленой, которая скрывает истинное. Таков язык Пикассо.

Жестокость и благородство тавромахии всегда зачаровывала Пикассо. В другом случае нужно было бы сказать – образа мира. Экскурсии проводил сам Сергей Иванович.

Дело всегда в этом. На момент начала Первой мировой войны (август 1914 года) Пикассо жил в Авиньоне. Голубь изображенный на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже (1949), – наиболее действенное проявление политических убеждений художника. Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточенностью увенчанные нелепыми шляпами, лица изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы (Утренняя серенада, 1942). Этот портрет был приобретен И. А. Морозовым в 1913 году у самого Воллара. С осени 1901 года он написал несколько посмертных портретов Касагемаса, которые завершились мрачной аллегорической картиной La Vie («Жизнь») (1903), в настоящее время представлена в Музее искусств Кливленда.

Друзья помогли ему поселиться в обшарпанном здании именуемом в среде молодых художников «прачечной баржей». Надо отметить, что никто из кубистов не начинал так, как Пикассо, который родился живописцем и не переставал им быть. О Пабло Пикассо слышали все. И наступил день, когда отец вручил Пикассо свою палитру и кисти со словами: «Сын мой, больше я ничему не могу тебя научить». С 1901 по 1906 («голубой» и начало «розового» периода) живопись Пикассо представляет собой театрально-драматическую разновидность «народничества», в какой-то степени свойственного искусству его великих предшественников: Ван Гога и Сезанна, у которых это качество связано не столько с сюжетом, сколько с антисалонной направленностью.

Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо. Эволюция Леже, Ле Корбюзье привела их к архитектуре и декору. Сергей Щукин родился в 1854 году в Москве, а умер в 1936 году в Париже. В 14 лет он поступил в школу изящных искусств Ла Лонха в Барселоне. Период ученичества был очень недолгим и насыщенным. Закройте девочку и будет казаться, что атлет уже никогда не встанет со своего куба. Картины, ознаменовавшие начало нового периода, впервые были выставлены в конце зимы 1905 году в галерее Серюрье – это «Сидящая обнаженная» и «Актер».

Возможно, это одна из самых известных картин Пикассо. Талант у юного художника проявился рано. Грандиозный скандал 18 мая 1917 года, состоявшийся на премьере (и единственном представлении) этого балета в театре Шатле немало способствовал подъёму популярности Пикассо в широких кругах парижского бомонда.

Здесь художник критикует бомбардировки баскского города Герника, проведенные нацистами во время гражданской войны в Испании. Картина, выполненная масляными красками «Плачущая женщина», написана в 1937 году. В картине "Три женщины у источника" (1921) он вновь обращается к реалистическим формам. Достаточно взглянуть на такие полотна, как «Обнаженная женщина», «Танец с покрывалами», «Дриада», «Дружба», «Бюст моряка», «Автопортрет».

Родился в городе Малага в автономной области Андалузия в Испании. Но мальчик с раннего детства хотел отличаться от своего предка-художника. Правда этот переход в работе Пикассо обусловлен кубизмом и его пространственными отношениями, как пишет Маккуиллан «объединение ритуала и порыва в изображении напоминает примитивизм «Авиньонских девиц» и неуловимый психологический резонанс его символических работ». Французские друзья Пабло никогда не могли понять его в полной мере, так как он был из другого мира.

Натурщица Фернанда Оливье была первой женщиной Пикассо (ейбыло18, ему 23года), с которой у него установились долгосрочные отношения (1904—1912). В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Теперь в семье уже трое детей – Пабло, Лола и Кончита (которая умерла пять лет спустя)– им соответственно девять, шесть и три года. Самые известные картины «розового» периода наполнены странствующими комедиантами, циркачами, гимнастами. В среде творческих людей пробудился интерес к очищенному от шелухи цивилизации искусству нецивилизованных народов, к древним фрескам, африканским скульптурам. И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Позднее он сам говорил: «Все зависит от любви. Новорождённый скорчил гримасу и зашёлся в плаче.

В «аналитическом кубизме» предмет изображен разбитым на несколько фрагментов. Русский коллекционер Щукин горестно заключил: «Какая потеря для французского искусства. » Аполлинер признался, что не находит в этом полотне ничего, кроме смутных блужданий. Это довольно большая картина по размеру – ширина и высота ее более 2 метров. Речь идет о Еве Хумберт, жившей с ним в те годы. Если следовать хронологии, то период, когда художник был близок к сюрреализму, выпадает на 1925-1932 годы. Композиция второй («Семья акробатов») нам известна по наброскам, офортам и акварели. Образы на его картинах вновь стали чувственными и наполнились жизнью, яркостью в противовес персонажам «голубого» этапа творчества.

Его гражданская позиция совершенно ясна. Страстный защитник мира, он создал своего знаменитого "Голубя мира" (1949), которого узнала и полюбила вся планета и который стал символом борьбы человечества с войной. Однажды нацистский офицер увидев фотографию Герники спросил у Пикассо: Это вы сделали.

Здесь последовательно используется геометрический способ построения фигуры, головы, маски, типичный для традиционной скульптуры, особенно выразительно проявляющийся в скульптурах западно-африканского народа фанг, в статуях и масках догонов, сенуфо, бамбара. Начало оживления жизни. Пабло Руис и Пикассо, также известный как Пабло Пикассо (25 октября 1881 – 8 апреля 1973), был испанским художником, скульптором, гравёром, керамиком, театральным художником, поэтом и драматургом, который провел большую часть своей жизни во Франции. Здесь были заложены первоосновы концепции кубизма.

В 1953 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся18. После потери Евы Гуель, у художника был роман с Габи Леспинасс. Все они демонстрируют зрителю красоту и редкую для картин художника безмятежность. С 1926 года она хранится в Чикаго. По сути, он является продолжением предшествующего.

С 1905, хотя темы и остаются прежними (все те же странствующие бродяги, циркачи), колорит становится прозрачнее, пространство заполняется розовато-голубоватой или золотистой дымкой, контуры рисунка делаются мягче, общее настроение – лиричнее. Пикассо отказался от оплаты в 100000, пожертвовав всю сумму жителям города. Общественный резонанс произведения Пикассо был огромен.

На двери мастерской надпись «Fu Rendez-vous des Poetes» («Встречи поэтов»). Свой редкий талант Пабло проявил в нежном возрасте 10 лет, когда он закончил свою первую картину под названием «Желтый пикадор», на которой изображен человек верхом на лошади во время корриды. Всегда и во всем он должен был быть единственным.

Кроме того, стоит отметить следующие работы Пабло Пикассо: «Женщина в рубашке», «Туалет», «Мальчик, ведущий лошадь», «Акробаты. Его сопровождают пляшущие призраки. Для этого полотна тридцатитрехлетняя женщина позировала более восьмидесяти раз.

Розово-голубой фон картины навевает мысль о прощании с предыдущим периодом. В работах этого времени ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903 Пикассо считал: «кто грустен, тот искренен») движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901 «Женщина с шиньоном», 1901 «Свидание», 1902 «Нищий старик с мальчиком», 1903 «Трагедия», 1903). На одном из мероприятий в 1905 году он встретил Генри Матисса, который стал другом и соперником на всю жизнь.

В своей книге 1964 года «Жизнь с Пикассо» Жило описывает его жестокое обращение и бесчисленные измены, которые привели к тому, что она бросила его, забрав детей. Впрочем импрессионистов плохо знали и практически не ценили даже во Франции. Голубой период. Сам Пикассо никогда не давал наименований своим произведениям. Именно там Пабло Пикассо познакомился с творчеством импрессионистов. В 1904 он снова приезжает в Париж, чтобы обосноваться тамокончательно.

Это был причудливый дом, состоящий в основном из чердаков и подвалов. Пикассо уже считает себя приемным сыном Франции. Первые и очень ценные уроки ему преподнес отец, который тоже был художником. Событие это потрясло Пикассо.

Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к Метаморфозам Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Как правило, все картины этого периода художник выполнял в сине-зеленых оттенках. Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике Мадура в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных (Кентавр, 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия.

Наследники Сергея Ивановича оспаривают законность национализации. Причем, рисовал не по-детски. Она была не только его другом, но и покровителем, покупая его картины за небольшие деньги. Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, так как сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или так как простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность (Зеркало, 1932). Богемный круг Парижа буквально раскололся на два лагеря: «за» и «против». В этой среде были популярны имена Ибсена, Метерлинка, Вагнера, Домье, Толстого, Ницше, Кропоткина.

Каретников, вышедшая в 1967 году. Его Пикассо хранил у себя до самой смерти. В том же году, в возрасте 14 лет, он написал «Портрет тёти Пепы», энергичное и драматическое изображение, которое Хуан-Эдуардо Сирлот назвал «без сомнения, одним из величайших во всей истории испанской живописи». После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создаёт атмосферу конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить отчасти влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 и театральной пьесе, созданной во время войны.

По Мане (1960). Этот последний стоит упомянуть особо. Впоследствии Пабло Пикассо вспоминал о своих академических работах с неприязнью, предпочитая им те, что писал еще в Корунье под наблюдением отца (например сделанный им в четырнадцатилетнем возрасте портрет маслом «Босая девушка», в котором чувствуется влияние Сурбарана). Быстро взять Париж ему не удалось. Потом началась Первая мировая война, перевернувшая сознание миллионов. Это довольно длительный период в творчестве художника. «Все имеют право меняться, даже художники, »—острил сам Пикассо по этому поводу.

Стиль этот Пикассо разработал по возвращении в Барселону в в 1903-1904 годах. Окружающую жизнь он воспринимал через рисунок. В течение нескольких следующих месяцев Пикассо писал, так сказать, «постскриптумы» к «Авиньонским девицам». Портрет получался почти классическим и необыкновенно похожим. На момент поступления Пикассо было только 13 лет.

А. С. Пушкина. Его картины не случайно приобретают овальную форму. В тот же период, когда Пикассо сотрудничал с труппой Дягилева, он и Игорь Стравинский работали над балетом «Пульчинелла» в 1920 году. У него постоянное ателье в Бато Лавуар (в «барже»). Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на Ольге Хохловой, успех художника в обществе— все это отчасти объясняет этот возврат к фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты (Мандолина и гитара, 1924).

Начинало казаться, что она настойчиво подсказывает путь искусству. Некоторые из них (Коза, 1950 Обезьяна с малышом, 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. Произведения, созданные в 1944-1945 года, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо (Радость жизни). Присущие раннему эклектичному творчеству Пикассо мягкий колорит, правильные пропорции и пространственная перспектива, эмоциональная окрашенность и психологическая характеристика персонажей (это преимущественно простые люди: рабочие, странствующие актеры, нищие, калеки и т. п. ) сменяются вариациями на тему человека, лишенного конкретных социальных, психологических и прочих характеристик: абстрактные статичные положения и позы, резкие, нарочитые цветовые сочетания, «неумелые» контуры фигур, асимметрия, ломаные линии, увеличенные, грубо заштрихованные детали, утрированно свободное обращение с пространственной перспективой и пропорциями. Пикассо уделил особое внимание превращению форм в геометрические блоки (Фабрика в Хорта де Эбро, 1909), увеличивает и ломает объёмы (Портрет Фернанды Оливье, 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины (Портрет Канвейлера, 1910). Пикассо нарисовал портрет Гертруды и её племянника Алана Стейна.

Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике Мадура в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных (Кентавр, 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Здесь уже в полной мере использован принцип архитектурного сочленения. «Розовый период» (1904 – 1906) характеризуется более веселым стилем, оранжевыми и розовыми цветами и изображением циркачей, акробатов и арлекинов известных во Франции как «saltimbanques».

Он еще в юности попробовал силы в разных жанрах и отверг их. Вместе с излюбленными изгибами женоподобного тела скрипки и нотными знаками встречаются знаки игральных карт и игральных костей и слова «Ma jolie», «Jaime Eva». Можно смело утверждать, что именно с нее началось творчество Пабло Пикассо. Юному Пикассо на тот момент было 14 лет и он был слишком молод для того, чтобы учиться в Ла-Лонху (школа изящных искусств).

Там она знакомится сПикассо, становится его моделью иего девушкой. Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры (Человек с агнцем), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи (Натюрморт с бычьим черепом, 1942). С 1901 года по 1907 годы творчество Пикассо разделяется на два периода: "голубой" (с 1901 по 1904) и "розовый" (с 1904 по 1907).

Несмотря на то, что Пикассо был крещеным католиком, позже он стал атеистом. Этот период искусствоведы назвали негритянским (так как художник в это время интересовался африканской пластикой). Полотном "Авиньонские девушки" (1907) Пикассо, как уже было сказано, отметил рождение кубизма. Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточённостью увенчанные нелепыми шляпами, лица изображённые в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассечённые потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). Она оставила его на столе и пошла сообщить матери плохую новость.

Однако же, ничего не продавал. Пикассо, который может быть назван профессиональным революционером в искусстве, являет собой заключительный аккорд классической традиции, подобный грохоту рушащегося здания. Как уже говорилось ранее совместно с Джорджем Браком, где-то в районе 1907 года он становится родоначальником кубизма вследствие того, что перешёл в своём творчестве от изображения к анализу формы и составляющих. В 1897 году эта картина экспонируется на выставке в Мадриде.

Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения (Портрет художника, в подражание Эль Греко, 1950) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968). Самый крупный из его товарищей по исканиям Брак был по образованию художником-декоратором. Так же не колористическая или психологическая, но сугубо пластическая интерпретация модели сохраняется и тогда, когда Пикассо, после знакомства с Ж. Кокто и С. Дягилевым (1915) и работы над декорациями и костюмами к театральным постановкам Парад, Русский балет (1916–1919), вступает в новый, так называемый неоклассический период. Именно оттуда пришла в его картины гордая нищета и возвышенное убожество. Даже самые близкие друзья Пикассо не приняли картину.

Перелом происходит в 1906. Художник огромного дарования и неустанного творческого труда, проживший долгую жизнь, Пабло Пикассо, как всякий новатор, вызывал различное к себе отношение и разные оценки, от признания его гением до полного отрицания его творчества. Их отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. Про Щукина говорили, что он покупал «свежие» холсты с еще непросохшими красками. Посетителям разрешалось осматривать ее по воскресеньям с 11 до 14 часов. Свой принцип выбора художественных произведений он определял так: «Если, увидев картину, ты испытываешь психологический шок, – покупай ее». Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 (Три музыканта, 1921).

В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Художники намеренно огрубляли живописную фактуру, «опрощали» стиль. Среди них— Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами (Плачущая женщина, 1937).

Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1923 года (Женщины, бегущие по берегу, 1922, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Особенно важны в тот период скульптуры (Беременная женщина, 1950). Контакты с сюрреализмом.

В общем, у Пикассо начинается относительно счастливый этап жизни. В настоящее время «Любительница абсента» хранится в Эрмитаже, попав туда из частной и весьма внушительной коллекции работ Пикассо (51 произведение) С. И. Щукина после революции. От экспериментов с цветом и передачи настроения Пикассо обратился к анализу формы: сознательная деформация натуры (Авиньонские девицы, 1907), односторонняя интерпретация системы Сезанна и увлечение африканской скульптурой приводят его к совершенно новому жанру. Теперь портрет выглядел резко, скупо, лицо приобрело сходство со схемой. Он воспользовался возможностью, чтобы сделать несколько рисунков композитора. В свои законные права «голубой» период его творчества вступал постепенно, проявляя себя жесткими контурами фигур и утерей трехмерности изображения, уходом от классических законов художественной перспективы.

Теперь он начинает жить какой-то своей собственной, отдельной жизнью. На каждой картине под этим названием изображен Арлекин, Пьеро и монах. В 1907-м в Лондоне и Амстердаме состоялись международные конгрессы анархистов. Дон Хосе никогда не стремился к новаторству, не рвался потрясти мир новыми открытиями.

В 1937 году симпатии Пикассо— на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Фрнко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолётов над позициями франкистов). Говорят, что он назван так в честь нескольких святых и родственников. Решимость оставила Пикассо и он сбежал оттуда. Он не обладал большим талантом, но был хорошим мастером своего дела.

Она стала его возлюбленной, а затем второй женой в 1961 году. Он дважды пытается устроиться там, но оба раза возвращался в Барселону. Когда мальчик достиг семилетнего возраста, отец поручил ему дописывать фрагменты своих картин (например, лапки голубей). В Валлорисе художник начал в 1954 году серию портретных изображений «Сильветт»1920. А уже в 1901-м («Девочка с голубем», «Объятие», «Арлекин и его жена») Пикассо похож только на самого себя.

Они обрисованы компактно, замкнутым контуром. Возникают абстрактные статичные положения и позы, резкие, нарочитые цветовые сочетания, «неумелые» контуры фигур, асимметрия, ломаные линии, увеличенные, грубо заштрихованные детали, утрированно свободное обращение с пространственной перспективой и пропорциями. В окончательном варианте остались только фигуры женщин, похожие на устрашающих идолов и слабый намек на натюрморт на переднем плане. Монохромность голубых картин только оттеняли могущество линий. Особый интерес художник проявил к изделиям из мастерской Мадура, в которой он позже и работал.

С одной стороны— коммунист, прогрессивный деятель, борец за мир и трогать его было опасно с другой Дело не в том, что, с их точки зрения, он был «буржуазный формалист», с этим еще можно было примириться, главное— он был великий мастер и при сопоставлении с его работами все великие достижения советского искусства меркли и отбрасывались на столетие назад. По Мане» (1960). Поющая женщина в голубой комнате 1901 года вызывает в памяти Дега. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы: обои, куски газет, спичечные коробки. Он окончательно поселился в Париже.

Балет, по словам Ильи Эренбурга, напоминал «балаган на ярмарке с акробатами, жонглерами, фокусниками и дрессированной лошадью». Зимой вода там замерзала, а летом было нестерпимо жарко. Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и её кукла», 1938). Пленительные изгибы тела юной любовницы диктовали художнику плавные и упругие линии и, хотя фотографическое сходство всегда было на последнем месте, белокурая девушка узнаваема всегда. – знают разве что его биографы. Светлые и тёмные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. К тому же, его картины не покупали.

По Веласкесу» (1957) «Завтрак на траве. При крещении малышка получила имя Мария де ла Консепсьон.

12 апреля 1904 года Пикассо с 300 франками в кармане отправился в Париж. Пикассо создал более чем 20 тысяч работ.

Это портреты Амбруаза Воллара, Фернанды Оливье, Канвейлера. Пикассо оставался в Париже в период немецкой оккупации с 1940 по 1944 год. Логика процесса вела от анализа к синтезу, т. е. По этой же причине он заставлял бывших любовниц вести жизнь затворниц и не выходить по вечерам, ежедневно из года в год, ожидая его звонка.

Как студенту ему не хватало дисциплины, но приобрёл дружеские отношения, которые повлияли на его последующую жизнь. Но по настоянию отца он был допущен к сдаче вступительных экзаменов на конкурсной основе.

---