Известные Поп Арт Художники

С первого взгляда кажется что это коллаж, но на самом деле- живописная картина с оригинальной композицией одного из известнейших Британских поп художников 1950х. Поп-арт зародился в Англии наибольшей известности достигли американские и французские художники. Уэйн Тибо – американский художник, один из известнейших представителей стиля поп-арт, автор большого количества картин с изображением сладостей и игрушек. Со временем работы художников поп-арта оказали своё влияние на дизайн одежды и интерьера: некоторые работы были задействованы известными дизайнерами в качестве принта для одежды и декорирования помещений.

Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман, Клас Олденбург, Энди Уорхол, Хокни Дэвид.

Поп-арт: История идеи, художники

Члены глубоко религиозной семьи были прихожанами Русинской греко-католической церкви. Художники мгновенно и чутко реагируют на все тенденции общественной жизни. 33). Пописты демонстративно отказались от «условности» живописи и рисования на плоскости, вышли в пространство. В поп-арте активно используются стереотипы и символы.

Методы Дада — коллаж, комбинирование реальных объектов на холсте, а также «реди-мейд» Дюшана стали точкой отсчета в дальнейшем «опредмечивании» живописи и уничтожении границ между искусством и реальностью. В «магазине» происходило 13 инцидентов, скажем, входили покупатели, что-то восклицая, что-то приобретая, затем начиналась для них лекция, дискуссия о дороговизне, борьба. Кроме того, многие произведения этого направления вследствие элементарности формы и дешевизны материалов (бумага, различные виды пластмасс) легко воспроизводимы в промышленности. (в 1989 была продана на аукционе Кристис за 5, 5 миллионов долларов) (Ил. В третьем классе Уорхол заболел хореей Сиденгама, также называемой Плясками св.

На одной из выставок он даже выставил себя самого как свое произведение. Характерно, что они пародировали нередко саму попытку создать «благоденствующее» общество в рамках социализма, которое было бы способно конкурировать с американским. Уорхол не боялся экспериментировать. Первый большой трафарет, в котором скомбинированы символы американской жизни (например, парашютист, орел, Джон Кеннеди), он создал в начале 60-х.

5 художников поп-арта, повлиявших на моду

Абстракционисты часто даже названия не придумывали своим работам, просто нумеруя их или называли их первой пришедшей на ум фразой, например «Автомобильный сок 689», словно в насмешку над теми, кто все это покупал. В Италии развивалось «бедное искусство», пропагандистом которого являлся Дж. Характерно, что в таких экспериментах 60-х гг.

Предметы интерьера также стали делать в виде заимствованного образа, взятого из повседневной жизни или с экрана телевизора (например, детские лампы в виде персонажей мультфильмов). Действительность как бы демифологизировалась, мастера стремились представить некую энциклопедию современной жизни с ориентировкой на «великую американскую мечту». Обтекаемые формы и «кислотные» цвета, кричащая расцветка, абстрактный рисунок, глянцевые поверхности и, конечно же, пластик изобретенный в годы этого стиля, — таковы признаки поп-арта в дизайне мебели. Ради лулзов тиражировал сотнями свою картину, где изобразил банку томатного супа «Campbell» и удачно впаривал ЭТО доверчивым и восторженным фанатам. Стоит учесть, что в 30-е гг. Поп-арт — это своеобразное «искусство вне искусства» и если когда-то существовало «искусство для искусства», потом авангард и искусство, потом просто антиискусство, то теперь искуственное искусство.

Хеппенинг — ближайший родственник поп-арта, можно даже сказать, что поп-арт — это «застывший» («замороженный») хеппенинг, а хеппенинг это «активный» («действенный») поп-арт. Перед нами типичный дом потребителя: телевизор, магнитофон, газета на стене вместо картины, а за окном, естественно, кинотеатр.

Поп-арт начался в середине 20-ого века с нью-йоркских художников Энди Уорхола, Роя Лихтенштейна, Джеймса Розенквиста и Класа Ольденбурга, все из которых так или иначе привлекали в свои произведения образы из поп-культуры. В 1962 году он освоил технику шелкографии и создал в ней ряд крупных произведений. (1961, продана на Кристис в ноябре 2011 года за 43 миллиона долларов) (Ил. Как всегда в таких случаях, авангард политически точно неопределим. Активно используются плакатные техники. Трактовка поверхности часто сочная и живописная.

Уорхол, не задумываясь, ответил. Я думаю, вам следует взять эти деньги, перевязать их в пачки и повесить на стену. В 1968 году Уорхол сам чуть не стал героем, едва не убившись о пулю, выпущенную его старой знакомой Валери Соланс, актрисой в его фильмах и тру-феминисткой, создательницей общества «За принудительную кастрацию мужчин». В западном обществе культ денег. Johns, картина Флаги, скульптурные объекты, такие как пивные банки, Раушенберг с его коллажами, combine paintings (сочетание окрашенного холста с различными объектами или фотографическими изображениями), такие, как Monogram, содержащие чучела животных, бутылки Coca-Cola. Раушенберг делает свои первые «комбинированные» картины, а Джонс начинает серию картин «Флаг».

Стиль живописи Поп-арт: развитие, мастера, произведения

А теперь его активно осваивают трафаретные граффитчики (ибо поп-арт относительно прост в освоении), люди приближенные к гламуру, свежевыпеченные дизайнеры и духовно богатые леди, хотя половина из вышеназванных не отличит Уорхола от Лихтенштейна и тем более понятия не имеет о сути и тролльскости поп-арта, зная лишь, что это течение как-то граничит с богемной верхушкой ихних Нью-Йорка и Сан-Франциско и только вот таким образом должно быть охренительно крутым. Непрерывно колеблющиеся поверхности «сверхсенсорных» картин заводят восприятие в тупик, вызывают зрительный шок.

Которая, кстати, принесла ему огромное количество денег. В книге «Искусство с 1900 года: модернизм, антимодернизм, постмодернизм» рассказывается, что Лихтенштейн, например, выбирал одну или несколько картинок из комиксов, которые печатали в газетах, перерисовывал ее, затем проецировал свой рисунок (никогда не сам комикс) на холст, обводил проекцию и, наконец, заполнял ее цветами. Это направление искусства возникло как реакция на абстрактный экспрессионизм в 1950-1960-е годы. Челант.

Источниками вдохновения становится кино, телевидения, комиксы, глянцевые журналы. Он стал не менее употребительным, чем «поп-музыка» и «поп-культура». Китч, графика заборов и граффити вагонов «подземки» естественным образом дополняли арсенал средств, к которым обращались художники авангарда 50—60-х гг. Экспонировались 170 его произведений от тонко выполненных карандашных набросков к серии предполагавшихся иллюстраций к роману Джеймса Джойса «Улисс» (1949 г. ) до последнего цикла под общим названием «Клише мод» (1969 г. ). Слово «арт» могло появиться на любом объекте, т. е. здесь проявилась «годность всего», что есть «артефакт».

Я настаиваю на редифиниции искусства». Чтобы достичь внешних оптических эффектов, оп-артисты используют материалы, не относящиеся к живописи (металл, стекло, пластик), но имеющие отражающую поверхность. В первой половине 50-х Раушенберг разработал стиль, типичный для направления «поп-арт» используя в качестве художественного материала предметы повседневного быта. Работает также с бронзой (композиции): Женщина у озера (бронза, покрытая белым лаком, 1985), Случайная встреча (бронза, 1989) (Ил.

Текст этой книги является ключевым для понимания личности и творчества Энди Уорхола. Это работа Энди Уорхола, выполненная в технике шелкографии – портрет Мерилин Монро.

Поп-арт или популярное искусство

При этом говорилось, что участники переживают «не новую форму», а новый моральный и экзистенциальный опыт. Представители опарта утверждали, что их работы побуждают зрителя к активному соучастию в творчестве, поскольку сам глаз генерирует форму, трансформирует «материю» живописи в «энергию» видимого образа. Своего пика движение поп-арта достигло к середине 1960х гг. Художники поп-арта стерли границы между «высоким» и «низким» искусством.

У них голодный взгляд—они «поп»». Клас Олденбург (1929) – американский скульптор шведского происхождения, классик поп-арта. Так, например, одна из самых знаменитых его работ – это кровать.

В ходе развернувшейся дискуссии влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер (англ. Hilton Kramer) из газеты «The New York Times» высказал мнение, что по своей сути поп-арт «ничем не отличается от искусства рекламы». Вуаля и за полчаса вы уже равны Уорхолу. Простые и сложные истины каждого дня жизни художника. Её накладывали на бумагу или ткань и наносили краску. Нью-йоркские галереи Грина, Кастелли, Стейбла, Джексона, Джодсона, Джениса, музей Утни стали зажигать «звезды» поп-арта, когда и сам художник становился участником акции, в данном случае, рекламы и вложенных денежных средств. Способ Уорхола заключался в следующем: на рамку натягивалась нейлоновая сетка. Помимо американского и английского поп-арта своя школа сложилась во Франции — «новый реализм» во главе с идеологом П. Рестани и такими мастерами, как Арман, Сезар, Бен, Эрро (все это псевдонимы).

Его бесчисленные шелкографии, его длящиеся десятками часов фильмы, его вездесущий постоянно включенный магнитофон, созданный им журнал Interview, где звезды берут интервью у звезд, его Фабрика, как он именовал свою студию, его тусовки и выкрашенные в серебряный цвет волосы – все это Уорхол-художник. Попал в книгу об ахтунгах «Они изменили мир» вместе с Фредди Меркьюри и Элтоном Джоном. Во-первых, конечно, виновата война — в голодное послевоенное время товарное изобилие и потребительский образ жизни были мечтой, а вовсе не недостатком американской культуры. Знакомые слова, кто из попистов их не произносил. Последовательно отказываясь от наиболее высоких способов художественной идеализации и образного претворения материала (идейное содержание, повествовательный или аллегорический сюжет, само изображение, наконец), авангардистские направления одновременно понижали и уровень зрительских реакций. В хеппенинге «Универсальный магазин» Ольденбурга, например, показанном в 1961 —1962 гг., можно было видеть пространство, заполненное продаваемыми товарами, сделанными художником из папье-маше и гипса, ярко раскрашенных. Это ярчайшее направление 20 века возникло как реакция на потребительский бум 1950-1960-х годов.

Предметы составляются друг с другом — нередко в неожиданных сочетаниях. Правда, чтобы их приравнять к искусству, он символически окрашивает блестящими акриловыми красками часть из своих «экспонатов». Художники интересуются тем, что порождено современной цивилизацией, той, в которой «мы живем». И думается именно поп-арт явился первым большим течением авангарда, который был социализирован, вживлен в общество и общество приняло его в конечном итоге как «своего», почему он и стал определенным стилем 60-х гг.

несколько забавно было читать коментарии. Поп-арт зародился еще в прошлом веке в Англии, но его практически всегда ассоциируют с США. 6), Элвиса Пресли (Ил.

Среди всяких искусствоведов считается визитной карточкой искусства Америки 1960-х, на которые пришелся расцвет поп-арта. На первый план вышла техника отображения, смысл отошёл на второй. Картины Раушенберга захватывают этот визуальный «шум» в рамках образов, предлагающих что-то вроде иронической аллегории.

Поп-арт – искусство, вдохновленное массовой культурой

С 1954 по 1961 год жил вместе со своим бойфрендом -- художником Джаспером Джонсом. Этот акцент на концепции работы был истолкован как попытка развенчания авторитетов в мире искусства, что было отчасти верно: некоторые художники поп-арта переняли кредо дадаистов, анти-искусства и анти-эстетическое. Англичане поняли, что перед ними не весь объект, а только одно его качество. Фотография «Ковбой» Ричарда Принса была продана за 3 млн.

and Theres Nobody in It. Коллаж был естественным языком Раушенберга и он расширил его словарный запас, разработав метод комбинирования масляной живописи с фотографической шелкографией. Позже Сото начал экспериментировать с линиями, разложенными между экранами. Иллюзия возникает автоматически, как результат сбоя в работе зрительного аппарата.

Произведения художников этого направления искусства отображают «жизнь без купюр». Традиционная живопись рассматривалась как «банальность». Это использование смешанных форм с цветомузыкальными и световыми эффектами, когда тело, жест, мимика лица становятся смыслом отдельных композиций. Рой Лихтенстайн переносил точки полиграфического растра, рассматривая свои переложения комиксов как результат действий «рисующей машины».

Стиль поп-арт: краткая история, особенности и интересные факты

Более того, воздействие его приемов и образов ощутимо и в настоящее время. Поп-арт — это искусство массовой культуры. Особенно прославились Р. Раушенберг, Д. Розенквист, Р. Лихтенстайн, Э. Уорхол, К. Ольденбург, представляющие «горячую пятерку» из Нью-Йорка и Том Вессельман, Д. Сигал, Э. Руша, Р. Моррис, А. Джонс, Д. Джонс, Р. Индиана, Д. Дайн.

В рассказе и съемке появятся невольно структурность, последовательность, а хеппенинг на самом деле — стихия, непредсказуемость импровизация. 37). В ход шли трафаретная печать, газетнаябумага, пластмасса и даже бытовые предметы.

5). мы из всего делаем фетиши – вещи, люди, стиль.

Поп-арт – история, 5 ведущих художников

Творческое начало должно проявиться у всех «игроков». Фактически это ассамбляжи из нетрадиционных живописных и скульптурных форм, внутри которых, в этом организованном хаосе, движутся люди, создавая «искусство событий». Кроме того, в работах Джеймса Розенквиста поражает монументальность изображений. «Поп» был нефилософичен, полагая, что и сама жизнь есть уже определенная, по крайней мере на поведенческом уровне, философия. Вскоре такое мышление пришло к практической реализации: один художник заявил, что в какой-то день весь Нью-Йорк объявляется произведением искусства, на что другой критик отреагировал ироничным вопросом: «С пригородами или без. » Выход за пределы искусства, под которым понималось исключительно искусство в музеях, воспринималось авангардистами тех дней как возвращение к «нормальному состоянию».

С некоторыми его фигурами можно было даже посидеть за одним столом. Правда, он известен не только как американское изобретение. Все это легко могло вызывать самые простые ассоциации и в этом смысле поп-арт являлся в определенной степени «демократическим» искусством. Первый успех Лихтенштейну принесли его работы на темы комиксов и журнальной графики: картина Электрический шнур (1961, принадлежит Барбаре Кастелли -- наследнице хозяина картинной галереи на сегодняшний день эта картина оценивается в четыре миллиона долларов) (Ил.

Сами формы не изобретаются (они уже существуют), а переносятся в некие «блоки видеоряда», создающие стандартные визуальные образы, несущие определенную информацию и вызывающие определенные ассоциации и эмоции. Целая коллекция маек, аксессуаров и даже скейтборды пользовались огромной популярностью. Таким образом, нанося специальным резиновым валиком на деревянной ручке чёрную краску. Видимо, слэнговая частичка «поп» циркулировала инкогнито в качестве жаргонного в кругах художников, близких битникам, обозначая нечто, рассчитанное на вкус широких кругов публики. Художественный андеграунд, частично преодолевший свой подпольный статус, продемонстрировал не только отклики на зарубежные течения, но, в ряде случаев, яркую самобытность. Почему искусство должно быть иным. Возможно, что дело не только в проблеме лидерства авангардистских художников Англии и США в Англии «поп» оставался некой экзотикой, в США он приобрел массовый, опирающийся на коммерческий успех, характер.

Туда же с легкой руки маэстро отправились готовые супы Campbell Soup Company, доля рынка которых в Америке занимает 70. 9), Мао Цзэдуна (Ил. Именно тогда в студиях Манхэттена, в студиях «нижнего» Нью-Йорка, в «Театре лучевого пистолета» Ольденбурга и «Фэктори» Уорхола можно было наблюдать своеобразные спектакли с «бунтом инстинктов», с «освобождением от эмоциональной анестезии». В качестве сюжета своей самой знаменитой картины Джаспер Джонс избрал американский флаг. Они стали предшественниками британского поп-арта. Для ряда критиков, для апологетов абстрактного искусства Г. Рида, Г. Розенберга, К. Гринберга и П. Селза новое искусство казалось «неискусством».

Поп-искусство обязательно использует стереотипы и принципы своего времени. Джаспер Джонс вырос в городке Аллендэйл Южная Каролина и, описывая этот период своей жизни, он сказал, «В месте, где я вырос, не было художников и искусства, я действительно не знал, что это такое». И если сюрреализм по сути интернационален, то поп-арт направлялся внешними силами потребителя (языковой, культурный барьер), производя сильное визуальное воздействие на общественность. 12), Чёрный Ленин (Ил. Сменился контекст, масштабы изображений, цвет и способы отображения. И все-таки международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг (1925–2008), Рой Лихтенштейн (1923–1997) и Джаспер Джонс (1930).

Гамильтон мастерски владеет техническими приемами. Художник относился к зрителю добродушно-снисходительно, предлагая некую игру по взаимной «договоренности», давая понять, что он подозревает в зрителе нечто низменное, над чем можно и посмеяться. Наиболее значительными произведениями Джаспера Джонса принято считать серию его ранних живописных работ, созданную во второй половине 1950-х годов. Что на самом деле изменилось во время развития искусства Лихтенштейна – это тема, эволюционировавшая от комиксов к исследованиям модернистских художественных течений: кубизма, футуризма, ар-деко, «де стейл», сюрреализма и абстрактного импрессионизма.

Помимо этого, у него были три стадии, по которым он создавал свои первые работы: на белом фоне черным цветом изображались числа и фигуры (первая) на полотно наклеивались скомканные газеты (вторая), на всё это накладывали предметы (гвозди, газеты, фотографии и др. ) и картина покрывалась красным цветом. Я никогда не верил в существование пластических отношений между формами». Начиная с оптических эффектов на картинной плоскости, они будут стремиться систематизировать свои композиционные решения (Дебур Гарсия-Росси, Собрино Ле Парк, Демарко Морелле) и достичь переливающихся эффектов (Морелле, Сото, Стейн) некоторые из них обратят свои поиски в сторону кинетизма (Агам Крус, Диас Сото, Ивараль Варданега, Марта Бото).

Капроу понял, что можно манипулировать объектами и людьми в пространстве. Как бы там ни было, термин «поп-арт» легко вытеснил другие названия, вроде «нового реализма» и «супернатурализма». Корни поп-арта лежат в Великобритании 1950-х годов. к нему примкнули Джонс, Уорхол, Розенквист.

Поп-арт – стиль массовой культуры

Художественный критик и писатель Лоурес Элоуэ, будущий хранитель в музее Гуггенхейм в Нью-Йорке, увидел в 1954 г. обозначение «поп» на одной из картин художника Р. Б. Китай и пустил его в оборот как новый, нарождающийся феномен. 32). Уорхол придерживался мнения, что знаменитости на портретах должны были выглядеть идеально и без изъянов: картина До и после из цикла Рекламные объявления (1960), давала анонс нового лица от Уорхола, якобы улучшенной версии тебя самого.

Для большинства людей в конце 1950-х и начале 1960-х годов, поездки в художественном музее были утомительными, требовали трактовки неясных абстрактных образов и картин, большинство из которых не были ни понятны, ни интересным им. Первые его гипсовые фигуры имели каркас из дерева или проволоки. Первая встреча произошла в 1952 году, – Eduardo Paolozzi представил ряд коллажей, собранных из журнальных вырезок и других найденных объектов, в том числе его (теперь) знаменитый коллаж под названием I was a Rich Mans Plaything (создан в 1947). Такая среда влечет человека к своему пересозданию.

Тем не менее, основной Поп был более позитивным и более заинтересованными в создании новых форм выражения используя новые методы и новые живописные образы. Наконец, в 50-е гг. Так оп-арт столкнулся с первичными, низовыми схемами в механизме человеческой перцепции.

К неофициальному искусству 60-х, за некоторым исключением, невозможно применить критерий направления или движения это время одиночек, однако уже к началу 1970-х сложился круг художников, которых впоследствии стали называть «московскими романтическими концептуалистами», по аналогии с западными концептуалистами. 27), картина TorpedoLos. Поп-арт сделал музеи и галереи искусств более понятными и вот таким образом более привлекательными для простых людей, которые приходили на выставку «переработанных в искусство» вещей из своего повседневного обихода. Начинал он с рисования простых рекламных плакатов, затем работал в известных развлекательных изданиях (Vogue, Harpers Bazaar).

состоялась большая выставка 80-летнего художника его поклонником и другом стал Раушенберг. Уорхол последовал совету. В рамках своих произведений «комбинированной живописи» он объединял предметы, хорошо известные американскому обществу из рекламы и средств массовой информации. Пример работ последних мы можем, например, наблюдать в коллекциях Prada или Moschino.

проходит время и фетиши меняются, потому как правда поменялась вместе с нами. Она не похожа на привычные воспоминания и декларации художников, это скорее чисто литературное, эссеистски многосложное произведение, главы которого написаны в жанре диалога Энди (А) с неким собеседником (Б). Уорхол называл свою мастерскую «фэктори» (она и была в бывшем помещении фабрики). Стиль был зафиксирован в своем формате: черные контуры, смелые цвета и заменяющие оттенки точки «бендей» (метод печати использовавшийся в комиксах в 50-60х годах).

Поп-арт: как популярная культура стала искусством

Хотя на первый взгляд бесконечные повторы этикеток на банках консервированного супа «Кембелл» или бутылки кока-колы Уорхола ничего не выражали, кроме самое себя, художники попа искали за этим ту «формулу действия и состояния», которая бы воспринималась как факт действительности. В другой работе он просто заснял сон известного американского поэта Джона Джиорно. И не зря.

С поп-артом в музейные и выставочные залы хлынуло то, что искусством не признавалось и было областью «массовой культуры» низшего разбора, - рекламные плакаты и этикетки, муляжи и манекены, увеличенные репродукции и комиксы, кроме того, наборы любых предметов, попавшихся под руку, — одеяла и консервные банки, разбитые часы и раскрашенные чучела. Используют низкопробные материалы (вырезки с глянцевых журналов, бытовой мусор и прочее). Возможно, благодаря многократному включению коммерческих образов, поп-арт стал одним из самых узнаваемых стилей современного искусства.

Как выражались художники, «они концентрируют в одном месте хронологически и топографически случайное». Именно так создавались такие известные произведения Энди Уорхола, как «Диптих Мэрилин» или «Че Гевара». Раушенберг совместно с Робертом Моррисом стал ставить «балеты». Иногда образы вводятся в картину как прямая цитата в виде коллажа или фотомонтажа, в других случаях имитируются композиционные приемы и техника рекламных щитов, в третьем вещь (например, картинка комикса) увеличивается до гигантских размеров или изготавливается из необычного материала. Видный представитель оп-арта Хесус-Рафаэль Сото (англ. ), увлекавшийся ранее неопластицизмом Мондриана, говорил: «Я не приемлю самого слова пластический. В этом смысле, поп-арт и реклама – звенья одной цепи. В другой работе Вазарели — «Сверхновые» (1959—1961) две одинаковые контрастные формы создают ощущение перемещающейся вспышки, покрывающая поверхность сетка через некоторое время отделяется и зависает, а вписанные в квадраты круги исчезают и снова появляются в различных точках.

Легенда гласит, что Уорхол, узнав об этом, с досадой произнес: «Что же он нам ничего не сказал— мы могли бы снять, как он падает». Это панорама жизни. В 1964 г. Р. Раушенберг, крупнейший представитель американского поп-арта, получил на Венецианском биеннале «Гран-при». Произведение, говорили они, это «кое-что, занимающее пространство, не более», это «искусство, которое не знает, что оно искусство». Знакомые образы притягивают взгляд, приводят в лёгкое замешательство, завораживают. Этот стиль очень отдалился от традиционных «высоко художественных» тем морали, мифологии и классической истории.

Поп-арт — стиль для смелых экспериментаторов

Парадокс же состоит в том, что каждая из таких работ стоит не меньше 50 тыс. Критика поп-арта Поп-арт часто презирают критики за его низкопробное качество (тиражность). Капроу поставил хеппенинг «Слова» (1961), который назвал «инвайромент со светом и звуками» представление «Апельсиновый сок» (1964). 15) буквально встряхнули мировое искусство.

Кроме того, в 1952 г. была открыта в Сан-Франциско выставка «Собрания обыденного искусства», позволившая консолидироваться художникам новой генерации. В 2012 году результат ее коллаборации с Louis Vuitton превратил бутики бренда в арт-инсталляции, а образ художницы послужил прототипом для манекенов витрин марки по всему миру. С начала 60-х гг. Популярность Уорхола была невообразимой. Исследования психологов показали, например, что глаз всегда стремится организовать хаотически разбросанные пятна в простую систему (гештальт).

Первоначально поп-арт стал появляться в искусстве изобразительном (живопись, графика, скульптура). Он стал устраивать перфомансы, сотрудничать с инженерами и использовать различные печатные материалы он стремился выразить сложность и многослойность существования современного индустриального общества. Их искусство – в определенном смысле памятник таким товарам и социальному равенству, ведь потребляя продукт, мы можем идентифицировать себя с любым другим потребителем этого продукта: «Ты можешь смотреть телевизор и видеть кока-колу и ты знаешь, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, ты тоже можешь пить кока-колуВсе бутылки кока-колы одинаковы и все они хороши» – говорил Э. Уорхол, прославляя потребление и делая потребление (чужих образов) частью своего искусства. Они хотели, чтобы их искусство было гораздо более широким, чем традиционные стили (например, абстрактный экспрессионизм), в своих работах использовали легко узнаваемые предметы и образы, отвечающие массовой культуре того времени. Среди этого всплеска инноваций работы Роберта Раушенберга, Рея Джонсона (1927-95) и Джаспера Джонса начали оказывать влияние на сцену Нью-йоркского искусства.

Поп-арт – популярное течение в искусстве

Перекрывающиеся и в то же время внешне несопоставимые портреты создают цветной визуальный комментарий к пропитанной массовой информацией культуре, пытающейся совладать с эрой телевидения. Черно-белая версия этого коллажа была использована в качестве обложки для каталога выставки This Is Tomorrow в Галерее Уайтчепел в 1956 году. О глубоком интересе Гамильтона к сложной технике свидетельствуют его литографии.

В Японии поп-арт стал после увлечения абстрактным искусством «вторым» языком авангарда (если под первым понимать абстракцию). Поп-арт, бесспорно, рекламное искусство, любящее рекламу как символ современности. Эдуардо Паолоцци еще в 1947 г. употребил словечко «поп» в одном из своих коллажей. В работе «Я была игрушкой богатого человека» (I was a Rich Mans Plaything), впервые присутствует слово «поп». Он искал.

Авторы хеппенингов инвайроментов стремились предельно расширить место действия. Да он сам понимал: не то, не то. 28), In the Car (в 2005 была продана за рекордные 16, 2 миллиона долларов) (Ил. 14) и американского доллара (Ил.

Арт-поп: самые дорогие современные художники

Он не только практик индустриального дизайна, но и автор книг, статей, лекций. И это сработало. Работая вместе, они осваивали арт-сцену и развивали свои идеи в искусстве. На ней поп-культурные символы (например, американские астронавты) соседствуют с образами Рубенса. Наконец, сюда относятся манекены и разного рода объекты «реди-мейд» имеющие опосредованную связь с миром реальности и миром фантазии. В начале 60-х годов Раушенберг прекратил создавать комбинированные картины. Андрей (именно так его назвали родители) с самого начала был не похож на остальных.

Так отвечают сторонники поп-арта. Один из членов группы, критик Лоуренс Аллоуэй для обозначения этого стиля предложил термин «поп-арт». Все это стало основой поп-арта. Не случайно поп-философ Маршалл Маклюэн предлагает рассматривать и всю «человеческую ситуацию» (имея в виду общество в данный момент) как произведение искусства. «Новый реализм» более эстетичен, более анекдотичен и более ироничен, чем в США и Англии.

Представители поп-арта в искусстве

Сделав себе имя, Уорхол даже сотрудничал с производителями супа «Campbell», ставя свои автографы на настоящих банках с супом и консервами— их продавали моментально, принося отличный профит. Пописты интерпретируют хеппенинг как «коллаж фактов, предметов и жестов в пространстве». Для просвещения вам необходимо было лишь несколько минут в день с умным видом (желательно при гостях) пялиться на такие творения.

Художники не ограничивались холстом и масляными красками при создании своих произведений. Это способствовало увеличению его интереса к образам прото поп-арта. Раушенберг), которые занимаются реализацией замысла их предводителя. Знаменит тем, что стер картину Виллема де Кунинга (один из лидеров абстрактного экспрессионизма) и выставил её, назвав «Стертый рисунок Виллема де Кунинга».

Не были забыты и сюрреалисты так, «Завтрак в меху» Мереты Оппенгейма представлял собой чайный прибор, обтянутый шерстью, что очень напоминало последующие акции «попистов». В 1968 г. они показали свои работы на антивоенной выставке (против войны во Вьетнаме), где, в частности, экспонировалась уменьшенная копия статуи Свободы с лентой через плечо—и надписью: «Мисс Напалм». Конечно же используются большие постеры и картины.

Его вдохновляли образы повседневной жизни. Стоит посмотреть, как Арман располагает на плоских основах распиленные корпуса музыкальных инструментов, воплощая в реальность то, что делали Пикассо и Брак, как раскрашивает свои «компрессы» (сдавленные корпуса автомобилей) Сезар, как делает «живописные монтажи» Эрро и реконструирует по фотографиям интерьеры старинных лавочек Бен, чтобы понять это. На первом собрании Паолоцци представил визуальную лекцию под названием «Bunk» (сокращенное «bunkum», т. е. Для многих распространение нового течения обозначало «конец» абстрактной живописи, что воспринималось по-разному. «Джанк-арт» (jank-art) мог бы дополнить гамму применяемых средств это абсурдное сочетание разных вещей и объектов, как правило имеющих бросовый характер: хлам, старье и т. п. Являясь его самой известной работой, эта серия изображала частоту появления Мэрилин в СМИ.

Поп-арт: 8 художников, которых должен знать каждый дизайнер

После популярности абстрактных экспрессионистов поп-арт со своими идеями, взятыми из средств массовой информации и народной культуры, стал серьезным сдвигом в модернизме. И. Де Сото интересовали оптические эффекты. Характерно, что наряду с рекламными образами и «мусором» цивилизации поп-артисты изображая отдельных политических деятелей, скажем, Дж. Вещи и интерьеры, сделанные в манере поп-арт, невозможно спутать ни счем другим. Таким образом, вы получаете тот же образ, но каждый раз немножко иной. В 1961 году прошла выставка молодых современников, – представлены работы Derek Boshier, David Hockney, Allen Jones, RB Kitaj and Peter Phillips.

Вот таким образом можно смешать в одну кучу хлам и подлинные ценности. Оп-арт постепенно приобретает интернациональный характер, в разных странах образуются целые группы художников: в Италии (Альвиани Де Векки, Коломбо Мари), Испании (Дуарте Ибаррола), Германии (Хаккер Мак Гравениц) Швейцарии (Тальман Герстнер), СССР (Вячеслав Колейчук). В 1960-е г. г. Одновременно Раушенберг (считавший себя художником-универсалом) экспериментировал с электроникой («Черный рынок», 1961) и занимался оформлением представлений совместно с коллегами-художниками.

Художников-«попистов» привлекал окружающий их мир массовой культуры, рассчитанной на потребление миллионов, когда эстетические и социальные ценности приравнивались к потребительским, обыденным и бездуховным. В 1952 году несколько художников, критиков и архитекторов при институте современного искусства в Лондоне создали «Независимую группу», которая изучала современные технологии и городскую культуру. Идеалистические обвинения в лженоваторстве и упадочничестве, предъявляемые поп-арту некоторыми искусствоведами, не повлияло на его развитие. Американские кубисты, например С. Дэвис, Ч. Демут, Дж. Новые таланты: Джим Дайн, Роберт Индиана, Алекс Кац, Рой Лихтенштейн, Клас Ольденбург, Джеймс Розенквист, Том Вессельман и Энди Уорхолл.

Актеры стремились спровоцировать зрителей на какое-нибудь выступление. Отцом поп-арта критика США именует американского художника Энди Уорхола. И это всё скупали. Его откровенно заимствованные и растиражированные изображения Мерлин Монро (Ил. Это было действительно происшествие и термин «хеппенинг», повторенный в прессе, с тех пор приобрел популярность.

Термин «поп-арт» (от англ, «pop-art») быстро стал популярным. Это помещение нарушило представление о мастерской художника как об уединённом месте. Тот самый Энди Уорхол, который нарисовал Мэрилин Монро. Все может стать искусством, коль скоро оно названо таковым, утверждают мастера-«пописты». он сделал ряд повторений своих объектов «реди-мейд» в начале 60-х гг. В ход шли трафаретная печать, газетная бумага, пластмасса и даже бытовые предметы.

Икона поп-арта: самые известные работы Энди Уорхола

Внук немецкого иммигранта и индианки из племени чероки. Он также приравнял знаменитостей к массовым товарам народного потребления в портретах, таких как Мэрилин Диптих (1962). Да и вся карьера Принса построена на подобном «воровстве». Официальное искусство СССР долгое время развивалось под строгим контролем государства, пресекавшего попытки художников отклониться от единственного в стране стиля – социалистического реализма. Тем не менее, это было своеобразным заявлением, протестом против современного искусства.

Первые опыты не пользовались успехом. Например, его знаменитая серия «Медсестры» — отсканированные и переведенные на холст обложки женских журналов, которые он сверху просто раскрасил. Он жил, главным образом, в Нью-Йорке и Чикаго, в 1946-1950 г. г. 8), Мика Джаггера (Ил. Что тут сказать— богема. Сам термин был предложен Аланом Капроу, поставившим в октябре 1959 г. в галерее Рейбен в Нью-Йорке представление, названное «Восемнадцать хеппенингов в шести частях».

36) и Ресторан (1967) (Ил. В Америке на тот момент (конец 1950-х) модной считалась непонятная хрень под названием абстрактный экспрессионизм— откровенно ничего не значащие многометровые мазюки, которые подавались как нечто крайне символизирующее и полное глубокого смысла и долго считавшиеся элитным и самым-самым VIP-искусством. 13), кока-колы (Ил. Десятки тысяч фотографий и шестьсот «капсул времени» — картонных коробок, куда Уорхол складывал всевозможные ненужные вещи, так сказать, для потомков. Работы Харинга настолько плотно вошли в современную культуру, что в прошлом году универмаг Colette запустил pop-up-магазин, весь заполненный вещами, созданными под влиянием его творчества. Все это так просто – быстро и случайно».

Особенности работ в стиле поп-арт

Неудивительно, что деревянная мебель в поп-арте встречается редко. Сознательная интерпретация здесь исключена. Его коллаж «Я была игрушкой богатого человека» (1947) содержит вырезанные изображения девушки-пин-ап, логотипа Coca-Cola, вишневого пирога истребителя Второй мировой войны и руки человека с пистолетом из которого вылетает слово POP.

В своих дневниках Уорхол рассуждал: «Мне нравятся деньги на стенах. Это тот случай, когда произведения искусства одновременно выступают и рекламируемым объектом, когда «все смешалось в доме Облонских». Чуть позже Уорхол выставил красное изображение серпа и молота на синем фоне под названием «Натюморт». Их привлекала также реклама стандартных наборов мебели — «ливингрум». Таким образом, формировалось направление поп-арта.

10), Ричарда Никсона (Ил. Уже из названия понятно, что это стиль массовой культуры. Но вскоре все эти художники почувствовали необходимость в «отверстии», открывающемся во внешнее пространство: Крус Диас экспериментирует с цветовыми эффектами и добивается их «равномерного насыщения», Сото — стремится их углубить, а Агам — достигнуть их рельефности. «Велосипедное колесо» и другие редимейды Дюшана стали источником вдохновения для серии предметов, отлитых в бронзе, которую художник создал в конце 1950-х — начале 1960-х годов. Это было граничит с тем, что со времени абстрактного экспрессионизма Нью-Йорк стал претендовать на звание «третьего Рима» в искусстве. Это позволило ему экспериментировать с собранными из газет, журналов, телевидения и кино изображениями, которые он мог воспроизвести в любом размере и цвете в качестве композиционной элемента на холсте или печати.

Наиболее яркие формы американского поп-арта

(1956), Гамильтон объединил образы из различных источников средств массовой информации, тщательно подбирая каждое изображение и составляя разрозненные элементы популярных образов в единый обзор потребительской культуры после войны. С. Сонтаг говорила, что хеппенинг трудно описать и даже снять на пленку. Художники не ограничивались холстом и масляными красками присоздании своих произведений.

«Ты можешь смотреть телевизор и видеть кока-колу и ты знаешь, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, ты тоже можешь пить кока-колуВсе бутылки кока-колы одинаковы и все они хороши», — говорил Энди Уорхол. Основой для изучения стали американская культура.

тогда говорить об обществе потребления было еще неактуально. В его работах такие эффекты получаются путём наложения одного слоя на другой. На Джаспера Джонса также оказали влияние идеи Марселя Дюшана. Одной из наиболее известных картин такого рода (отмеченная влиянием дадаистов Марселя Дюшампа и Курта Швиттерса) была написанная в 1956 «Кровать»: на полотне большого формата Раушенберг представил свою кровать вместе с постельными принадлежностями, забрызганную краской и поставленную вертикально, как картина.

Присущие особенности стилю поп-арт

Не три миллиона, конечно, за чужую фотку, но тоже весьма неплохо. Позднее он стал более привержен объектному искусству. Секс, драгс и искусство. Само изображение на сетке создавалось путём контактного засвечивания. В нем есть привкус нравственного благодушия и бездумного оптимизма, хотя все это можно воспринять как «эстетику обыденного и вульгарного».

Все это продолжение симультанных декламаций дадаистов, скандальных выступлений футуристов, эпатирующих выходок сюрреалистов, «живописи телом» Ива Клейна и разбрызгиванием красок «внутри» холста Дж. Хотя работа Лихтенштейна могла показаться фабричным продуктом, на самом деле она представляла собой наложение механического репродуцирования (комикса), ручной работы (рисунка), снова механического репродуцирования (проекции) и снова ручной работы (раскраска). Это Джонс был первооткрывателем идеи «тиража предметов», которую Уорхол позже довел до крайности, наталкивающей то ли на мысль о бесконечных рядах продуктов на полке супермаркета, то ли на движение кинокадров.

Ричард Гамильтон, Эдуардо Паолоцци и табличные поп-арт изображения

По-моему, не плохо для работы низкопробного искусства. подчеркивал связь действия и среды. Мэрфи, в 20-е гг. Иконография поп-арта специфична, она включает «лики» эстрадного певца Элвиса Пресли, президента Джона Кеннеди и Мерилин Монро, «репродукции» картин Моне, Делакруа, Леонардо да Винчи, Ренуара и Пикассо, натуральные ансамбли мебели, полное убранство ванных комнат, пишущие машинки, почтовые конверты, обложки книг, электроприборы, лампочки, выключатели, фойе, кассы, зрительные залы кинотеатров, принадлежности живописца, буквы и слова (так называемый «леттризм»), консервные банки и бутылки, обувь и одежду, обстановку баров и больниц интерьеры лавочек и магазинов, еду и алкогольные напитки, сигареты и окурки, средства транспорта — автомашины, корабли, самолеты. Художники называют такой прием «комбинациями», а критики — «ассамбляжами». Декупажи («вырезки») Матисса с их элементарными формами и яркими красками вполне соответствовали будущей эстетике поп-арта, тем более, что в американских музеях было достаточно поздних работ этого французского мастера. Как писал критик Эллоуэй, «весь город, со всеми его жителями, может быть не только субъектом искусства, но и его субстанцией».

Среди его работ в области гравюры и фотографии — выполненный в 1974 трехмерный эстамп «Палиндром». Но я против формы. Сфера действия «товарной эстетики» все больше смещается в сферу реализации товара и сферу развлечений. В этом смысле создания оп-арта общедоступны.

Клас Ольденбург и поп-скульптура

Сам Мураками говорит, что это более всего представляло современную жизнь Японии. Здесь можно было найти мумифицированную стопу, счета, яблочный огрызок, ковбойские сапоги, письма, книги, банки супа «Кэмпбелл» (который художник с удовольствием ел до самого своего конца) — продукты жизнедеятельности великого Энди. На выставке «Арте-Фиера-77», проходившей в 1977 году в Болонье, в изобилии демонстрировались произведения художников этого направления —Виктора Вазарели, Еннио Финци и других. Эллоуэй, вместе с художниками Ричардом Гамильтоном и Эдуардо Паолоцци, был одним из основателей Независимой Группы — объединения художников, архитекторов и писателей, которые в 1952-1955 годах на своих собраниях в Институте современных искусств (ICA) в Лондоне исследовали радикальные подходы к современной визуальной культуре. 31) и картина Спящая девушка (была продана аукционным домом Сотбис за 44, 8 миллиона долларов, стала самой дорогой из коллекции художника) (Ил.

Как бы не относились критики или зрители к поп-арту, но он стал одним из господствующих направлений современного модернистского искусства.

Отталкиваясь от этих «математических» принципов, новое поколение конкретистов отвергло и форму. Хеппенинг появился вначале в США, потом распространился в ФРГ, Италии и Японии. К примеру, его пивные банки «Ballantine Ale» (1960) исполненные в бронзе и установленные на мраморное основание, до сих пор выглядят ироничным монументом самого массового американского товара. Розенквист).

молодые художники возвращаются ко все менее возвышенным вещам, к таким, как кока-кола, мороженое, большие бифштексы, супермаркеты и «съедобные» символы. Всё засвечивалось, как при фотопечати. Поп-арт стал эпохой в развитии авангарда. От нее остались только «кустовые» небрежные удары кистью с краской на некоторых «ассамбляжах» Раушенберга и «объектах» Ольденбурга.

В Германии яркой личностью являлся И. Бойс, образовавший целую школу. Запах раздавленной земляники, письмо от друга, билборд с рекламой «Драно», три стука во входную дверь, царапина, вздох или голос, читающий нескончаемую лекцию, мгновенная ослепляющая вспышка, шляпа-котелок – все станет материалом для этого нового конкретного искусства. Клаус Ольденбург, не менее знаменитый, чем Раушенберг, указывал, что «поп-арт — это искусство, которое не знает, что оно искусство».

Увлеченность Раушенберга образами массовой культуры и реализованная им эстетика по принципу «все сойдет» оказали огромное влияние на идеологию поп-арта, состоящую в имитации массовой культуры в противоположность более субъективному творчеству Раушенберга. Навыки Розенквиста в создании афиш прекрасно пригождались ему в реалистичных изображениях этих коллажей, увеличенных до монументальных масштабов. Поп-арт формировался в Нью-Йорке и Лондоне в середине 1950-х. г. В классе он становится изгоем.

Книга Философия Энди Уорхола (От А к Б и наоборот) также стоит в этом ряду. Образ реального мира исчезает, на смену ему приходят фиктивные имиджи массовой культуры. Характерен лозунг о «расширении ситуации искусства».

Появилась мнительность, развилась боязнь врачей и больниц (которая не отпустит его до смерти). но кто сказал, что это истина.

«Поп-арт подобен сосуду, назначение которого — оставаться пустым», — говорил Рой Лихтенштейн. Он наложил образ Кеннеди на шелкографическое изображение астронавта, спускающегося на парашюте. В 1967 году он создает ещё одну программную графическую работу -- огромную литографию с элементами шелкографии (182 x 89 см) Booster (Ил. Что может быть банальней звездно-полосатого флага.

Раушенберг стремился к своеобразной синестезии, т. е. По их мнению, Уорхол изобразил всю пошлость и пустоту западной культуры. Даже соорудил монумент в виде рубленой котлеты. Конечно, представителей поп-арта было намного больше, здесь названы только основные.

прил. Оп-арт намеренно противодействует нормам человеческой перцепции. Вещи и интерьеры, сделанные в манере поп-арт, невозможно спутать ни с чем другим. Однако художника отличал политический подтекст своих работ.

На почве исследований они пытаются сформировать новое искусство. Кроме картин, Энди искал себя в разных сферах. Это не первый раз, когда модельеры обращаются к творчеству знаменитого ученика Уорхола: дизайнер обуви Николас Кирквуд уже создавал провокационную коллекцию туфель по мотивам работ Кита, впрочем, как и adidas и даже Томми Хилфигер (дизайнер выпустил резиновые сапоги со знаменитыми человечками Харинга). Лишнее смывалось водой. Близость поп-арту проявилась в картинах М. А. Рогинского, Е. Л. Рухина, посвященных миру обыденных, даже подчеркнуто вульгарных вещей (Михаил Рогинский Большой примус Красная дверь, обе – 1965 Борис Турецкий Мусорная свалка (1974). Поп-арт выражается смелыми, простыми, повседневными образами, с использованием яркой бескомпромиссной афишной палитрой цвета, стиранием граней между коммерческими проектами и изобразительным искусством, (среда, окружение также важно, как сообщение вложенное в предмет искусства) вплоть до Дада.

Кому и зачем может быть полезен поп-арт

Задача оп-арта — обмануть глаз, спровоцировать его на ложную реакцию, вызвать образ «несуществующий». Во время рецессии 2009 года, неизвестный покупатель приобрел работу Энди Уорхола шелкография Eight Elvises (1964) за колоссальные 100 млн ( 60. 5m), что делает его пятым самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным. 11) и Владимира Ильича Ленина (Красный Ленин (Ил. Постепенно этот стиль переместился в другие направления: киноиндустрию, хэппенинги, музыку. Предпосылками возникновение этого стиля стало желание развлечься, которое присуще популярной культуре, а также новыми средствами представить рекламируемый образ. При этом получалось, что изначальный образ иронически перетолковывался и преобразовывался.

Стрессовое поведение публики в контексте «случайного» должно было вести к перестройке связей между людьми, между человеком и вещью (включая улицы, магазины, товары, образы популярной культуры и урбанистический фольклор). Так, вход в рекламное агентство ChiatDay в Лос-Анжелесе выполнен Олденбургом в виде гигантского чёрного бинокля, а в Милане на площади перед железнодорожным вокзалом Кадорна в землю наполовину воткнута гигантская иголка с торчащей из неё яркой красно-жёлто-зелёной ниткой (на противоположномй стороне площади имеется другой конец нитки, с узелком) (Ил. Сами произведения искусства тоже, подобно банкам кока-колы, ставились на поток. Впервые слово «поп» было использовано в 1954 году британским художественным критиком Лоуренсом Эллоуэем, для обозначения нового типа искусства, вдохновленного образами и изображениями массовой культуры. Правда, такое решение жюри вызвало бурную реакцию — Ватикан высказался об «упадке культуры» и все же присуждение первого места представителю поп-арта окончательно утвердило официальное признание этого направления.

Влияние исторических трендов искусства на современный дизайн: Поп-арт

«Независимая группа» вскоре организовывает «институт современного искусства», который устраивает выставки «Коллаж и объект» (1954), «Человек, машина и движение» (1955), «Это завтра» (1956). Поп-арт – стиль, который способен удивлять. Актер сильно расстроился и выкинулся из окна, разбрызгав себя по тротуару. Так, Вазарели писал: «Моя цель—внедрить пластическое сознание в повседневную жизнь. Опыт Голливуда тут, несомненно, учитывался. В своей книге «Хеппенинг — инвайромент» Капроу приводил в качестве примера действие, организованное в одном из американских колледжей: группы студентов, разделившихся на «мужскую» и «женскую» части, начали строить «деревню» из старых автомобилей, потом кузова их обмазывали сладкой патокой, которую слизывали, после чего сожгли все собранные машины. Уорхол одним из первых применил трафаретную печать как метод для создания картин.

В своем коллаже Что же это делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными. В 1962 г., когда прошло 4 месяца после смерти Мэрилин Монро, Уорхол представил миру несколько размноженных изображений Мэрилин Монро, взяв за основу одну из известных фотографий со съемок фильма Ниагара (1953). В ответ на это можно спросить: С кем должно работать искусство, если как не с обществом.

39). В то время в Нью-Йорке часто устраивались хэппенинги. Создатель знаменитых портретов Мерилин Монро, Элвиса, Мао Цзедуна, Битлов и пр.

Интерьер в стиле поп-арт: видео

Одной из наиболее известных его работ является «Прищепка» высотой 45 футов (1974) в центре Филадельфии. На сетку, пропитанную фотоэмульсией, накладывался диапозитив.

Сам Капроу в 1961 г. заполнил двор автомобильными шинами, которые затем перетаскивал с места на место. Всего за 65 долларов он нарисовал картину знаменитой водки и запустил ее в народ. В итоге, к концу 1970-х, когда поп-арт в Америке сошел на «нет», его феномен уже распространился в Англии, Европе и даже немного в Советском Союзе. В 1955 г. Раушенберг начал делать первые «комбинированные картины», представляющие из себя некие соединения живописи и отдельных предметов, а в конце 50-х гг. Эта серия, написанная в 1962 году, служит хорошим примером его особого дара — сливать казалось бы совсем неподходящие предметы в образы большой лирической красоты.

1. Джаспер Джонс и его флаги, буквы и цифры
2. Роберт Раушенберг и его коллажи
3. ПОП-АРТ — ИСКУССТВО МАССОВОЙ КУЛЬТУРЫ
4. Критика и значение стиля в искусстве
5. Великобритания: Независимая группа

Его структура была преднамеренно открытой, завлекающей. Смотри Виллема Де Кунинга или Поллока. Снимал фильмы, один из которых был длиной в 24 часа, без какого либо сюжета— камера просто снимала спящего человека. 35) изображавшую гипсовую фигуру велосипедиста на необычном фабричном велосипеде.

Ольденбург принял участие в выступлениях студентов, «в политических хеппенингах» и размещал свои работы во дворах мятежных университетов. Он также ниспровергал относительный размер предметов, как например ложка и вишенка, воссоздавая их в архитектурном масштабе: «Мне нравится брать предмет и полностью лишать его его изначальной функции. » Изменяя вид, масштаб и функции объекта, Олденбург опровергает его значение и заставляет зрителя переоценивать его присутствие. Объекты в действительности могут двигаться используя механическую силу или без неё. Телевидение, реклама, комиксы, радио, картинки из журналов, привычные образы массовых средств информации стали объектом изображения, приравненные к таким символам прекрасного, как «Мона Лиза» и Венера Милосская.

1. Рой Лихтенштейн и бумажная культура
2. Джеймс Розенквист и монументальный образ
3. Энди Уорхол и многократное повторение
4. Современное интернет издание о творчестве
5. БРЕНДЫ, СОШЕДШИЕ С ЭКРАНОВ: ПИВО «ДАФФ»
6. САМЫЕ НЕОБЫЧНЫЕ НАЗВАНИЯ ВЫПЕЧКИ

Общество потребления и свободы требовало таких же выразительных средств. Визуально противоречивая конфигурация создает неразрешимый конфликт между фактической формой и формой видимой. «Интерьер II» (1964) исполненный маслом, целлюлозой, коллажем и рельефом из металла на панели, построен на сюжете из фильма «Шокобезопасный». Зрители впервые увидели вместо картин многократно увеличенные изображения этикеток от консервных банок и банок с томатным супом (Ил.

Тогда, если кто-нибудь придет к вам в гости, первое, что он увидит — деньги на стене». Глубоко взволнованный космическими полетами и речью президента Кеннеди, который призывал «всех людей объединиться для выполнения великих задач, стоящих перед человечеством», Гамильтон поместил в центр фотографию Кеннеди в скафандре космонавта. Фактический термин «Поп-арт» имеет несколько возможных истоков: первое использование этого термина в письменной форме было приписано как Лоуренс-Дилей, так и Элисон и Питер Смитсон, а также Ричарду Гамильтону, который дал определение этому слову на письме, в то время как первое произведение искусства с собственно содержанием слова «Поп» было создано Паолоцци. В следующем году был проведен семинар «параллель жизни и искусства», само название которого созвучно «эстетике» поп-арта искавшего связи между этими явлениями. Стиль повлиял даже на часть фильмов о Джеймсе Бонде.

Путь развития направления поп-арт в Америке несколько отличался от британского. Так создавалась матрица, то есть печатная форма. Серии и вариации характерны для Вессельмана так, его известные «Американские ню» насчитывают до 100 произведений (все под номерами).

Пообещав одному молодому актеру роль в своем фильме, Уорхол затем передумал. В них не происходило ровным счетом ничего, а длиться они могли по 25 часов. Женщина только что убила мужчину в борьбе за револьвер. Розенквист также непосредственно вовлек изображения из популярной культуры в свои картины. Ходили грязные слухи, что Уорхол обладал настолько лютым характером, что многие его э-э-э друзья и партнеры мужского полу пытались стать героями.

Гвоздем модной программы тогда стало платье, придуманное Vivienne Westwood. Здесь следует иметь в виду одну закономерность в эволюции модернизма. В 1951 году у Лихтенштейна состоялась его первая персональная выставка в галерее Carlebach в Нью-Йорке. Мои работы предлагают социальное благосостояние раr ехсеllenсе».

Нео-попВ 1980-х произошло возрождение интереса к поп-арт – явление известное как нео-поп (или Шок поп-арт). Лихтенштейн родился в 27 октября 1923 в Нью-Йорке в состоятельной еврейской семье. 7), Элизабет Тейлор (Ил. Работы могли не нравиться, но они были гораздо понятнее – образы, которые содержали работы, они могли проассоциировать и связать со своей повседневной жизнью. Правда, чаще всего в подобном направлении он действовал используя чучела животных. Англичане и американцы — истинные пионеры поп-арта.

Вещь в поп-арте или изображается или подается сама по себе. С одной стороны, это запоминающиеся рекламные образы, продающие себя. Одно из наиболее известных произведений Джаспера Джонса — две бронзовые банки из-под пива. Эта модель уже испытывалась и опробовалась раньше: что-то подобное сорока годами ранее предпринимал Пикассо, создавая коллажи из напечатанных снимков «реального мира» в своих натюрмортах, в опасениях, что его картины становились слишком абстрактными. Самая известная работа – «Эмпайр», где в течение 5 часов показано Эмпайр Стейт Билдинг в Нью-Йорке в одном ракурсе. Работа Green Car Crash (1963) (синтетический полимер, шелкография краски, акрил, лен) Энди Уорхола продана на Christie в Нью-Йорке, в 2007 году, 71, 7 млн. К 1934 году Уорхолы переехали из трущоб в более комфортабельный район.

Его работы оказывают влияние на развитие мирового дизайна. Кажется, что они сливаются в новом пространстве. Известный своими монументальными публичными скульптурами бытовых предметов и «мягкими» скульптурами, Клас Ольденбург начал свою карьеру с гораздо меньших масштабов. Его фильмы были настоящей «одой скуке», как их нарекли критики.

учился в Йельскомм университете, а затем, до 1954 г., в Институте искусств в Чикаго. Параллельно, а может быть и раньше, свою концепцию разрабатывали англичане. 30), картина I Can See the Whole Room.

В середине 1950х существовало множество мелких течений в искусстве (Неодадаизм, Фанк-арт, Леттризм, Полиматериализм и т. д. ), авторы которых стремились расширить свое поле деятельности, сделать более объемлющим и дающим свободу для творчества по сравнению с классическими течениями. Такие иллюзии действительно имеют всеобщий характер и не зависят от индивидуального сознания, культуры, убеждений и вкусов личности. И больше ничего. Это их идеи оказали непосредственное влияние на творчество Уорхола.

Но английский поп-арт был болен «прерафаэлизмом», был слишком рафинированным, так что он стал скорее духовной силой, чем подлинным «отцом» нового движения, вскоре захватившего США, ряд стран Европы и Японию. Поп-арт зародился еще в прошлом веке в Англии, но его практическивсегда ассоциируют с США. мы – представители другого поколения. Тогда бизнесмен посоветовал изображать купюры долларов.

34). 25). Поп-арт (англ. Поллока. В 1962 году большую гласность получил британский поп-арт, BBC экранизировало Pop Goes the Easel, фильм Кена Рассела, в котором рассматривались новые стили и течения в Англии. Между тем, в Америке, в середине 1950-х годов в мир искусства потрясли творения (Neo-Dada, Funk Art, Lettrism, Beat Art, Polymaterialism, Common-Object), в которые были включении статьи массовой культуры. После смерти суперстара его имущество было исследовано и описано. Имело значение и развитие так называемого «невербального театра» использовавшего язык жестов и язык предметов. Чтобы понять, на чем строится эффект подобного воздействия, может быть, стоит вспомнить и слепки людей Д. Сигала, эти застывшие мумии, рядом с которыми можно стоять, сидеть и которые являются словно «современной книгой мертвых». Он отказался от эмоционального стиля абстрактных экспрессионистов, но не потерял при этом их экспрессивности, выработав метод, который использовал – приемы коллажа в сочетании с нетрадиционными материалами (малярная краска) и необычными техниками, например, рисование автомобильной шиной после окунания ее в чернила.

ОН стилизовал под газетные фото и полицейские протоколы картины автокатастроф, портреты серийных убийц и бандитов в общем, касался всего, что максимально далеко от «высокого искусства», да и просто искусства. Р. Индиана так описывал ситуацию: «. Банки из-под печенья, набитые сотенными купюрами, — сейфам Энди не доверял. В студии царила обстановка вседозволенности, проводились вечеринки. Раушенберг говорил: «Живопись равна и искусству и жизни, я же ищу середину между ними».

Как появился поп-арт и где. В поп-арте большое внимание уделятся надписям, например, «Мать—это мать» и названиям, где характерным может явиться такое: «Я люблю тебя вместе со своим «Фордом» (1961, художник Дж. До появления поп-арта в Америке был распространен абстрактный экспрессионизм. «Популярное искусство» абсолютно точно передавало настроение того времени: мечтательность, дерзость, некоторая наивность, молодость.

Олденбург много выступал с разного рода хэппенингами. Свой хэппининг, что показательно, он называл «тотальный инвайромент», т. е. » (Just what is it that makes todays homes so different, so appealing. В 1962 году Уорхол создал несколько картин, которые стали сенсацией в мире искусства. На этих основаниях художники гордились демократизмом своего искусства.

В настоящее время цены на его картины доходят до десятков миллионов долларов. Англичанин Дэвид Хокни утверждал, что его искусство лишено приверженности к форме и в этом — «его козырная карта». Правда, не так механически, как это могло показаться. Без произведений искусства ничего не было. Правда, если натурализм поп-арта начала ХХ века проявлялся в стремлении воспроизвести, «отзеркалить» реальную жизнь, то пройдя путь «от изображения к реальности», современный модернизм приобретает все более рациональные, потребительские формы от боди-арта до рекламных распродаж. Художник, который, возможно, оказал влияние на поп-арт, является Эдвард Хоппер (1882-1967) – художник-реалист урбанистической Америки. В середине 50-х гг. Кроме «живописи», Ричард Принс создает сумки для Louis Vuitton, выпускает газировку под своим именем и халтурит фотографом на звездных свадьбах — например, у Мадонны, когда она выходила за Гая Ричи.

Днями и ночами искал новый поворот. С детства он был нелюдимым, в школе – изгоем. Наиболее известная работа Джаспера Джонса Флаг (1954-55), которую он нарисовал после сна об американском флаге. Арт-критики тут же обратили на молодого художника своё внимание. Художники делали акцент на общественном, банальном и анонимном, легко узнаваемом.

В 1951 году была издана антология дадаизма, вызвавшая к себе сильный интерес художников. Одна из картин этого ряда Путь в небо (Skyway, 1964, Музей искусств Далласа) (Ил. Для всех — это выход энергии, пробуждение неожиданных эмоций, проверка своей реакции на непредсказуемые события. Появившись в середине 50-х гг., поп-арт достиг расцвета в 60-е гг. теперь, увы, поздно.

Раушенберг был очень увлечен иконографией американской массовой культуры. Но если роман английского писателя-фантаста Герберта Уэллса издевательски названный «Тоно-Бэнге», представлял собой сатиру на агрессивную рекламу и распространение «Кока-Колы», то Мел Рамос, один из основателей поп-арта, заработал славу на полу-рекламных постерах в виде пикантных картин с изображением обнаженных девушек, рекламирующих этот и другие продуктовые бренды 50-х. В последующие годы появляются (с применениями сопровождающих обычных предметов) такие энвайронмент, как Синема (1963) (Ил. Джорж Сигал показывал гипсовые слепки с моделей, помещая их в реальные пространства: в макеты мясных лавок, в кассу кинотеатра, в ванную комнату.

Серия отличается смелостью декоративного рисунка. Алан Капроу так оценил опыт Поллока: «стоять не у холста, а внутри него, разбрызгивая краску». Так, например, его экспозиция F-111 – огромна – более 40 метров. Ольденбург комментировал: «Я стою за искусство, которое берет формы из жизненных контуров, за искусство, которое (эти контуры) скручивает, распрямляет, собирает и отбрасывает, как слюну, — тягуче, тяжело, остро, мягко и глупо, короче, как сама жизнь». Буквально его кровать, облитая краской и поставленная вертикально.

В первую очередь интересовали методы промышленной рекламы, современные технологии изготовления рекламы, техника создания коллажей. и стал доминирующим направлением авангарда, вплоть до конца 1960-х. г. И я предоставил им такую возможность».

Для коллажа 1964 г. «Ретроактивность 1» (см. 38), Женщина на скамейке (бронза, покрытая белым лаком металлическая скамья, 1989) (Ил. Но всемирную известность оп-арт получил в 1965 годупосле Нью-Йоркской выставки «Чувствительный глаз» (The Responsive Eye) в музее современного искусства.

Предмет изолируется, приобретает характер знака-символа — имперсональный и связанный с урбаническим окружением, новейшей техникой, реалиями быта. Он моментально захватывает зрителя, цепляет его внимание. Создавая рекламу в стиле поп-арт, необходимо учитывать, что это решение «поймет», прежде всего, аудитория молодая, способная оценить буйство красок, китч и провокацию. Однажды академик Дмитрий Лихачев, демонстрируя картины Энди Уорхола, сказал: «ХХ век, возможно, войдет в историю культуры как столетие идиотствующего искусства».

Американский поп-арт родился как отрицание абстрактного экспрессионизма. У каждого художника своя жанровая специализация. Это техника коллажа, объединяющая реалистичные объекты и газетные фотографии в абстрактные живописные панно. Особенно если учесть, что этот период наложился на войну во Вьетнаме.

(1964, была продана в 2010 году на Кристис за 42, 6 миллиона долларов) (Ил. «Подарок Аполлону» Раушенберга — кухонный столик, перепачканный красками и привязанное к нему мусорное ведро. В своем комментарии Ольденбург приводил слова «посетителей магазина», которые, видя трехметровый сэндвич из папье-маше, восклицали: «О, нет, это не сэндвич, это искусство. » И далее он декларировал: «Я хочу уйти от знания, как делать произведения, так как это находится вне жизненного опыта. В 1952 г. в Лондоне возникает группа «Независимых». Источник его вдохновения — культура манга и анимэ.

Например, картина False Start (1959) Джаспера Джонса продана в 2006 году за 80 млн. Коллекционеры оценили поп-арт. В одном люди проходили через «стены» развешанных листов бумаги с обильными надписями, в другом видели ванну с девицей, обливающей себя соком. к искусству, которое воздействует на все чувства сразу: тут могли объединиться кинематограф, танец, живопись, телевидение.

Быть может и не искал вовсе, а просто старался делать деньги при любой возможности. Коллаж вещей и людей в пространстве напоминает еще об одном явлении авангарда, об инвайроменте (от англ, «inviroment») — о переживании среды, созданной на основе «ручного» или индустриального творчества. Раушенберг раздвинул пространство своих коллажей с помощью включения трехмерных объектов и стал называть их «комбинированными произведениями». Р. Линхтенштейн один из ярких представителей течения поп-арта. Появилась мебель в виде женских тел, персонажей из фильмов, предметов быта. Росту мировой экономики в целом и американской в частности способствовала техника вещания (телевидение), миниатюризация радио, музыка (которая сама по себе стала известна как Поп) звукозаписывающие студии, появления культовых групп, таких как The Beatles, явление pychedeli и, наконец, расширение рынка искусства, его глобализация.

Большое влияние на молодых художников оказал «диссидент абстракционизма» Уильям де Кунинг в 1950 г. он сделал коллаж «Штудии для женщины» с использованием обертки сигарет «Кембелл» его влияние испытал и Р. Раушенберг и Д. Джонс. Использовался коммерческий типографский метод эстамп (например, трафаретная печать) – это позволяло выйти в рамки тиража, отрицая традиционные живописные методики. При восприятии реальных объектов иллюзии возникают редко. Например, два рисунка на органическом стекле с промежутком между ними.

фигурировали обычные вещи, помещенные в чуждую им среду и выступающие в чуждой им функции. в плюшевом белом облаке. Коллаж составлен из популярных рекламных образов, навязываемых новыми средствами коммуникации, бум которых приходился как раз на время создания этой работы и зарождения поп-арта. Создатель «комбинированных картин», которые совмещают в себе рисунок и настоящий объект.

В начале 1980-х годов Сегал создает скульптурные натюрморты из гипсовых фруктов. Он как бы документировал действительность. В некотором смысле, появление поп-арта подорвало господство абстрактного экспрессионизма. Раушенберг постулировал: «Пара мужских носков не менее пригодна для работы, чем масло и холст». Вскоре, заметим, появится и неискусство и неавангард — далекое последствие «революции поп-арта».

просто мы так считаем. Обычно делалось несколько вариантов одного произведения.

В том же году Лихтенштейн познакомился с Клаасом Олденбургом, Джимом Дайном и другими нью-йоркскими авангардистами. Под «человеческим глазом» имеются в виду типовые реакции психики, на основе которых возникают иллюзии. Сын шведского дипломата, Олденбург с 1936 г. жил в США. долл. Был ли политичен поп-арт, только ли он воспевал американскую мечту. Энди Уорхол родился6 августа 1928 года в США, в семье иммигрантов из Словакии. Первые шаги нового стиля в живописи были связаны с деятельностью «Независимой группы» художников и архитекторов, основанной в 1952 году в Лондоне.

Отец Уорхола Андрей в поисках работы иммигрировал в Соединённые Штаты в 1914 году, мать Юлия (в девичестве Завацкая) присоединилась к нему в 1921 году. Работы Сигала отвечают основным принципам американского поп-арта – течения. Художник часто включает энкаустику и рельеф в свою живопись. Это самая большая из созданных когда-либо литографий.

Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (1926—1990). Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блек, Джо Тилсон и Ричард Смит. Краска проникала через прозрачные участки сетки и создавала изображение. Здесь есть радость «узнавания» в незнакомом знакомого, лишенная большой интеллектуальной нагрузки.

26). Поп-арт был первым постмодернистским движением, отражавшим власть кино и телевидения, фотографий знаменитостей, рекламы и товарной упаковки на функционирование общества потребления. информационная машина США начала пропагандировать «поп» — «чисто американское искусство», отражающее определенный яркий образ жизни. Критик настаивал на необходимости решительного противодействия поп-арту3. Изображения Елизаветы II размером 100 на 80 сантиметров были написаны по фотографии королевы, сделанной в 1975 году фотографом Питером Грюжоном и были включены Уорхолом в подборку «Правящие королевы».

В самой противоречивости поп-арта есть изюминка, она всегда неожиданно уместна. Сконструированные ими визуальные тесты имели экспериментальный характер. По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности». Именно вот таким образом они стремились соединить жесткий и брутальный символизм «имиджа», с одной стороны и «реализм» конкретного предмета, который можно осязать как некий товар в супермаркете, — с другой. В этом смысле поп-арт сделал музеи и галереи более актуальными для широкой общественности. Художники оп-арта нередко объединяются и выступают инкогнито: группа Н. (Падуя), группа Т. (Милан), группа Зеро (Дюссельдорф), группа поисков визуального искусства, возглавляемая Виктором Вазарели, которая дала первоначальный толчок движению оп-арта.

В 1955 г. в Париже оп-арт экспонировала в своей галерее Denis Rene. Да, впрочем, поп-арт и не хотел им быть. Реклама искусства, которое рекламирует себя как искусство, которое ненавидит рекламу.

окончательно «осел» в Штатах основатель дадаизма Марсель Дюшан в 50-е гг. Он родился 6 августа 1928 года в Питтсбурге (штат Пенсильвания, США) четвёртым ребёнком в рабочей семье иммигрантов-русинов из села Микова у Стропкова на северо-востоке современной Словакии, части бывшей Австро-Венгерской империи. Наиболее активны Лоуренс Эллоуэй, Ричард Гамильтон, Эдуардо Паолоцци, Питер Блейк. 29), картина Ohhh.

Кстати, «рисовал» он не только её, но так же и других знаменитых личностей. Если не сам предмет, то его образ («имидж»), как социально-эмоциональный символ, напомнит о мире, полном товаров. Основоположники поп-арта создавали так называемые «комбинированные картины», сочетая вещественные вставки с живописью в манере абстрактного экспрессионизма. На этом влияние Уорхола на мир моды не закончилось. «Долларовые» картины имели большой коммерческий успех. Alright.

далеко не все поддается осмыслению вне временного контекста. Его живописный стиль очень отличается от большинства поп-арт работ, простые изображения ультра-американских бытовых сцен (например, Night Hawks, 1942 и Gas, 1940) были хорошо известны поп-поколению. Многие творцы поп-арта продолжают эту традицию концептуального искусства. Пластическое предполагает форму. Эти движения принадлежали традиции Баухауза иМондриана.

(POPism: The Warhol Sixties). Сам автор комментировал свою «реализацию» следующим образом: это идеальная ситуация на полпути между искусством и жизнью. Вскоре их заинтересовал начавший выходить (с 1956 г. ) журнал «Плейбой», тогда вполне «невинный» и позволяющий благодаря смягчению цензуры показывать обнаженную грудь модели из-под приспущенной рубашки. Он ретушировал морщины и дефекты кожи лица, убирал лишние подбородки, подрисовывал ярче глаза и губы, придавая лицам идеализированные черты. Они уделяют большее внимание наполнению работы и меньшее значение технике воплощения.

С другой, самостоятельные арт-объекты. Немало значили и приемы европейских авангардистов. В своих ранних шелкографиях он использовал собственные, нарисованные от руки изображения. Так, в восприятии живописи геометрической абстракции (по другой терминологии — «конкретной живописи») участвует лишь представление о формальном зрительном порядке. В хеппенинге ассамбляж размещается «вокруг» человека инвайромент создает эффект «актуализации» пространства, которое рассматривается как искусственное «окружение».

В его тридцатикомнатном манхэттенском доме обнаружили около тысячи картин, полторы тысячи рисунков, банковскую книжку на 15 миллионов долларов, мебель «арт-деко», одеяла индейцев навахо, пятьдесят бело-серебряных париков, сорок две подшивки статей об Уорхоле, полный комплект журнала «Интервью», три тысячи часов аудиозаписей бесед Уорхола, его друзей и знакомых. Спонтанно и бессюжетно (почти бессюжетно, так как некая общая программа, конечно имелась) в действие вовлекались вещи вне зависимости от привычных условий их материального бытования. Известный представитель — Акакава. Всего не перечислишь. В 1964 г. Дюшан писал о поп-арте: «Это течение меня восхищает».

Эти рисунки и элементы орнамента часто расположены на плитке, крепящейся на стену. Довольно эклектичный, он поражал своей неугомонной активностью. ничтожных личностей в кислотных и кричащих цветах.

происходит новое «открытие» искусства модерн, устраиваются выставки, посвященные этому наследию, выходят книги, рассказывающие о нем. «Давайте вместе исследовать звезды. » принадлежит к серии литографий и картин с использованием масляных красок и коллажей, в которой Гамильтон изобразил человека на фоне современной техники и спорта, уделяя главное внимание идеалу мужской красоты и мужской одежде.

---