Венеция Врубель

Купить картину или постер "Венеция", художника Михаила Врубеля вы можете на натуральном холсте или на постерной бумаге. Там Михаил Врубель изучает фрески в венецианских соборах, дворцах, храмах Равенны, словно ищет в них то, что даст ему силу и вдохновение обрести самого себя. Еще в 1885 году, сразу после возвращения из Венеции, Врубель так описывал своего «Демона» отцу «Дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, но при всем том Дух властный и величавый». Приезжавший весной на пару недель в Венецию, гостивший у Врубеля Николай Иванович Мурашко сразу ее узнал.

Однажды случился праздник — встреча, личное знакомство с заехавшим в Венецию, заочно Михаилу Врубелю давно известным Дмитрием Ивановичем Менделеевым. Этот пейзаж Михаила Врубеля можно назвать одним из самых поэтичных образов Венеции, при чем не только в русском, но и в мировом искусстве. Словно во избежание смущавшей Врубеля патетики его венецианская поездка началась прямо-таки анекдотом. Для написания заказанных иконостасных образов — Христа, Богоматери и святых Кирилла и Афанасия — Врубель отправился в Венецию, где пробыл полгода.

И, пожалуй, главным событием в этом «обретении себя» стало путешествие в Венецию в 1884-1885 годах истребованное у заказчиков для написания иконостаса Кирилловской церкви. Дальше было еще смешнее. Живой предстает страна, в которой кипят пылкие чувства, сильны и любовь и ненависть. Врубель провел в Венеции около полугода.

Любовь к искусству всецело владела Врубелем с академических лет. Ещё фотографии помогают вспомнить то, что художник плохо запомнил. Вслед за первым монументальным опытом должен был последовать второй. С самого рождения мальчик болел и через два года умер.

По евангельскому преданию, апостолам явился святой дух в виде голубя исходившие от него языки пламени «почили на каждом из них». Михаил Александрович Врубель (1856-1910 гг. ) родился в семье военного и провел свое детство в разных городах – в Омске, Астрахани, Петербурге, Саратове, Одессе. В колорите картины – контрасты.

• Описание картины Михаила Врубеля «Венеция»
• Михаил Врубель в Киеве и Венеции
• Глава седьмая ВЕНЕЦИАНСКИЙ АЛЬБОМ
• Русский музей Дополненная реальность
• ВРУБЕЛЬ Золотая галерея русской живописи

Язык живописи в этом стиле приобрел ярко выраженные черты декоративности твердую линейно-структурную основу и кроме этого подчинил свои открытия не только изображению, но и преображению натуры. В эти годы он вновь писал демонов. В 1887 году Прахов привлек Врубеля к росписи Владимирского собора. Это один из его несомненных шедевров. Работы, написанные Врубелем во время обучения, приобрели статус академического эталона и по сей день хранятся в фонде академии.

Высота помыслов, а в сущности уныло, однообразно до оскомины. На этом фоне Врубель – принципиальный архаик.

О портрете Арцыбушева говорит Н. В. Первые вполне самостоятельные произведения Врубеля относятся к 1884-1885 годам. С посланиями Михаила Врубеля Эмилия Прахова поступила решительно. Михаил Врубель не имел ни учеников, ни последователей, составивших школу. Певица вспоминает «Я была поражена и даже несколько шокирована тем, что какой-то господин подбежал ко мне и, целуя мою руку, воскликнул «Прелестный голос. » Стоявшая здесь Т. С.

1. Врубель Михаил Александрович («Венеция»)
2. «Действительный студент» Михаил Врубель
3. «Дивная патетическая симфония» Врубеля
4. Из Википедии — свободной энциклопедии
5. Глава седьмаяВЕНЕЦИАНСКИЙ АЛЬБОМ
6. Автопортрет с жемчужной раковиной
7. Портрет Веры Александровны Усольцевой

Демон замер в позе ожидания и созерцания. Изысканный прием, который дает ощущение драгоценной старинности, а навеян, несомненно, белильными штрихами («светами», «оживками») древней иконописи. В некоторой близости к этой картине – Гадалка (1895, ГТГ), произведение глубоко психологическое.

Врубель не изображает, а создает, строит, конструирует. Они зажигают ночной пейзаж причудливыми отблесками. Но в его глазах продолжает гореть огонь гнева и протеста. Все эти чувства скрыты некоей формой отчуждения. Это не борьба добра и зла.

Врубелевский герой – бездеятельный, пребывающий в самоуглубленном одиночестве ангел безмолвия – то ли из дословесного состояния космических сфер, то ли изгнанный из царства Слова-Логоса в «ночь мира». В картине Демон сидящий (1890, ГТГ) юный титан изображен в лучах заката на вершине скалы. Из жизни своей Врубель сам творил легенду. Раньше думали, что художник делал подготовительные этюды с душевнобольных (Кирилловский храм находился на территории психиатрической лечебницы), но это неверно: сын А. В. Прахова Н. А. Прахов называет поименно ряд лиц, которые узнаются в «Сошествии», - киевские ученые, священники, археологи, среди них сам Адриан Викторович Прахов. В России Врубеля можно считать родоначальником этого стиля. Художник-творец упивался этой красотой, поднимаясь к вершинам творческого экстаза.

• Натурщица в обстановке Ренессанса
• Картина Венеция – Врубель Михаил

Круг портретируемых довольно узок. Не поверить, что когда-то это был главный в лагуне, процветающий торговый город. Первое знакомство Врубеля с византийскими мозаиками состоялось в Киеве.

Этой таинственностью, скрытым намеком на непознаваемость человеческой души, сложность человеческих взаимоотношений, а также эмоциональностью и красотой живописи, завораживает «Венеция». Цветы часто фигурируют и в картинах мастера.

Историк искусства, археолог, профессор Петербургского университета, он в 70-х годах активно выступал и как художественный критик в журнале «Пчела». Они олицетворяют чудо, а именно – парадокс конечной бесконечности. Здесь художник пишет ряд лучших своих картин, работает в майолике – скульптуры Царь Берендей, Лель, Волхова, – все в Третьяковской галерее, Москва, обращаясь к дизайну исполняет эскизы керамической печи, вазы, скамьи (Музей в Абрамцеве). Поразительна пластическая лепка лица и рук. Он страшно эффектен, конечно и был еще более эффектен, пока не потускнели, не пожухли его краски, но С. Яремич справедливо заметил, что здесь «близка к нарушению высшая художественная сдержанность». Самостоятельная жизнь вне рамок и запретов отца воодушевляла Михаила.

Все расходы за проживание и учебу взял на себя Николай Вессель. Работоспособность его удивительна. Что нахожу в ней – интересно только моей палитре», – писал оттуда Врубель. Отрешенный от царящей вокруг суеты, молодой человек не замечает неприятного старика, тревожно, недобро заглядывающего ему в лицо, словно пытаясь отгадать затаенные мысли.

Особенно примечательна акварель Голова Демона. Лучшее из этих произведений – икона Богоматерь (1885, Гос. Общечеловеческий опыт выделяет эти перлы творения как эстетические объекты, в которых сама природа выступает как бы художником, – объекты, обладающие, подобно рукотворным произведениям искусства, свойством «эстетической бесконечности».

Испытывал, что называется, насущный интерес. вот это-то в то время и могло меня более всего поразить. Благородно-сдержанная экспрессия старинных мозаик и фресок прояснила собственные искания Врубеля.

Не только ученики Мурашко, но и Врубель сам впервые встретился в Киеве с византийским искусством. Он тосковал. У него было внутреннее право не следовать букве древнего стиля – он проник в его дух. У ее поднятой вверх руки возникает из толпы прелестное лицо юной девушки. Как художник Врубель сформировался стремительно.

Эскиз «Надгробный плач», выполненном черной акварелью, фиксирующий замершее, остановившееся движение Богоматери над телом Христа, очищенный от деталей, конкретных примет пространства и времени, этот эскиз воплощает вечную тему смерти. Главные женские роли в этих спектаклях исполняла жена Врубеля, талантливая певица Надежда Ивановна Забела. Бурлила портовая жизнь: сюда везли, отсюда развозили драгоценный константинопольский товар. Итак, отсюда ведет свое происхождение врубелевский колорит. Поздние рисунки относятся к разным жанрам.

А от подготовительных портретов впечатление, что трогал-то и вдохновлял мастера именно контраст наружного несовершенства с победительной внутренней озаренностью. Врубель Михаил Александрович (Mikhail Vrubel), русский художник, крупнейший представитель символизма и модерна в русском изобразительном искусстве. Если честно, не очень. Лучшими рисунками к поэме оказались листы «Несется конь быстрее лани» и один из вариантов «Тамара в гробу». Господствующей в живописи второй половины XIX века была пленэристическая тенденция, кульминацией которой стал импрессионизм.

Иногда получались целые сцены – играющие в шахматы, беседующие. Картину «Венеция» Михаил Врубель написал как раз после возвращения из этого прекрасного и загадочного итальянского города. Намеренно выделив белое пятно манишки, художник «поставил» его на острие треугольника, тем самым заставив шататься и придав композиции неустойчивый, динамический характер.

Из этих переплетений рождаются у Врубеля персонажи, весьма типичные для европейского символизма и модерна, – полулюди-полуживотные, полулюди-полурастения: «Царевна-Лебедь» (1900), пришедшая на холст из оперы Римскогtext-align: centerdiv style 0text-align: centerо-Корсакова, две молодые женщины, словно вырастающие из спирали «Жемчужина» (1904), «Богатырь» с его огромным конем, растущим из земли, как травы и кусты. И не забудем, что включал этот иконостас четыре живописные композиции. Первый биограф Врубеля А. П. Иванов писал о них: «Пластическая музыка этих икон построена в величавых и ясных ладах Дж. Беллини и Карпаччо, а в глубине ее, как доминанта в органном пункте, звучит красочное волшебство мозаик Сан Марко». Он стремится заглянуть в самую глубину души, постичь сокровенные мысли и чувства. В этом отношении незавершенность эскиза Воскресение воспринимается как недопроявленность – словно бы от ужаса перед тем, что уже показалось. Картина «К ночи» (1900) может служить в этом отношении прекрасным примером. Известны некоторые из рисунков Врубеля того периода это «Врубель со своим университетским товарищем Валуевым» (1877), «Маргарита» (1877) – иллюстрация к гётевскому «Фаусту». Как относимся, так и знаем.

Репина занимался акварелью. И падения с этих вершин были сопряжены с отчаянием, тоской и меланхолией.

Примерно так и с академией — закиснешь, переучившись в ней. Но при этом уязвленное самолюбие заставляло его подчас бросать обидные слова в лицо своим друзьям-художникам, которые прощали своего друга истолковывая его слова как причуды больного гения. Требовалось их дописать, сохраняя по возможности стиль XII века.

Арцыбушева и С. И. Мамонтова (оба 1897). В контакте с Византией прояснялось что-то, к чему он пытался пробиться самостоятельно. Общее руководство работами принадлежало Прахову. Хотя, хотя Врубель ведь, как запомнилось Валентине Семеновне Серовой, той зимой на вечерах у Симоновичей «чертил византийские лики», примериваясь к стилю, в котором предстояло поработать. Вернувшись из Венеции, Врубель метался.

Одну из самых интересных его статей, посвященную Шестой передвижной выставке 1878 года (собственно, двум экспонатам – «Кочегару» Ярошенко и «Протодьякону» Репина), не пропустила цензура. «Демон поверженный» (1902) – последнее законченное полотно Врубеля – завершает его «демониану». Да ведь до них несколько верст. Самобытная манера Врубеля – особого рода кристаллический рисунок, мерцающий тонами «сине-лилового мирового сумрака» – окончательно сформировалась в его киевские годы (1884–1889), причем в русле церковного искусства. В 1896 году на одной из репетиций оперы Хумпердинка «Гензель и Гретель» в Панаевском театре в Петербурге Врубель впервые услышал ее пение. В Академии он работал по классу П. П. Чистякова.

Врубель умеет извлечь красивые, красочные созвучия из самых обыкновенных предметов. Отец описывал неоконченное полотно в том же письме, говоря, что Демон показался ему «злою, чувственною, отталкивающей пожилой женщиной». Он воспроизвел главную сцену своей росписи «Сошествие Святого Духа» на своде хор без картонов, по маленькому эскизу, действуя как старый мастер, неведомо откуда обретая уверенность и силу ренессансного художника. Атмосфера волшебной сказки, характерная для картин Пан (1899), Царевна-Лебедь, К ночи, Сирень (все 1900), пронизана характерным для символизма чувством темного хаоса, таящегося за внешними покровами мироздания. Византийским теологам и весь природный мир виделся каталогом шифров, которыми Бог говорит с людьми.

Такую смелость он сам в себе ощущал, с юности культивировал. Вся цветовая композиция приведена в единство. Предельная одухотворенность, запредельное одиночество.

Особое внимание привлекает задумчивый грациозный юноша. Вокруг упавшего лиловый мрак и переплеснувшие голубые струи. Он рисует и пишет акварелью без устали, не переставая изучать законы старого искусства. Написана она на золотом фоне, в одеянии глубоких, бархатистых темно-красных тонов, подушка на престоле шита жемчугом, у подножия – нежные белые розы.

Он в России не имел предшественников, не оставили последователей. Столовался Врубель в скромной соседней траттории. По совету И. Е. Когда не было моделей, он рисовал себя.

В процессе работы над этой картиной художнику помогали фотографии. А тексты, адресованные лично ей, Прахова бережно хранила, перед смертью наказав дочери всё сжечь, что та и сделала. Прахов решил, что Врубелю лучше работать над ними не в Киеве, а в Венеции, городе-музее, где перед глазами будет собор св. Даже важнейший в политическом отделении от Византии подвиг — «возвращение» небесного покровителя венецианцев святого Марка, чьи мощи удалось похитить из Александрии, — был совершен хваткими купцами-мореходами Торчелло.

В 1902 году Врубеля поражает тяжелый душевный недуг, но и в поздний свой период (проведенный в основном в частных клиниках Москвы и Петербурга) он создает немало работ, отмеченных изысканным мастерством (Жемчужина, 1904 Портрет Валерия Яковлевича Брюсова, 1906), – работ, переходных от модерна к авангарду. Обслужить его самолично выходил живописный, в синей куртке и феске набекрень, синьор Этторе и предлагаемое им дешевое вино — нельзя же в Италии обедать без вина — было вполне пригодным. «Эврика. Воображение Врубеля абсолютно определенно было занято поисками парадоксального эффекта «темного сияния». Ковальский расположился писать этюд на высоком холме с видом на Днепр и дальние луга. Проведя в Венеции полгода, в апреле 1885-го Врубель вернулся в Киев и под впечатлением от путешествия создал четыре иконы: «Св.

В статьях под псевдонимом «Профан» Прахов с большим литературным блеском и темпераментом пропагандировал искусство передвижников. Врубель не завершает это полотно и приступает к упорной работе над иным образом Демона, который получил название «Демон поверженный» (1902). Всё дело в перемене мест известных, непременных изобразительных слагаемых. Демон низринут в ущелье среди скал. Назад, в раннее утро венецианского искусства тянуло Михаила Врубеля. Последний бешеный всплеск энергии, последнее сверхусилие – и потом изнеможение, срыв.

Он чрезвычайно сложен и многогранен. Он словно не находил себе места – то принимал решение уехать из Киева (и действительно на несколько месяцев уезжал в Одессу), то возвращался опять его потянуло к хмельному «кубку жизни», он бурно увлекался какой-то заезжей танцовщицей, много пил, жил неустроенно, лихорадочно, а к тому же еще и жестоко бедствовал, так как денег не было, отношения же с Праховым стали более холодными и далекими. Безумно жаль утраты.

«. Так, в пору работы над эскизами он сделал такое замечание в письме к сестре: «Надо тебе еще знать, что на фотографии яркое солнце удивительную дает иллюзию полночной луны». Своим творчеством он опроверг сомнения «левых» и «правых» скептиков в необходимости как школы, так и сознательного эксперимента в искусстве.

Тема этого последнего Демона – титанический протест и трагическая гибель. Это всех, знавших хмурый нрав Гайдука, немало веселило. Бессознательно, быть может иконное влияние уже сказалось. Федорова. весь в черный бархатный костюм, в чулках, коротких панталонах и штиблетах. Хотя три мужских лика выразительностью уступают «Богоматери», смотрятся наподобие ее небесных стражей, но и «Святой Кирилл» и «Святой Афанасий», а в особенности торжественно сумрачный «Христос Спаситель», образы отнюдь не пустые.

Оторопь берет. Брюсова. Особое внимание привлекает задумчивый грациозный юноша. Любовь, зашедшая в тупик, – вот это было серьезно. Жизнь художника проходила между этими двумя крайностями.

Ан нет. Читали бы, публиковали, вовсю цитировали Умница Эмилия Львовна. Больные, санитары позировали ему и тогда возникали портреты-зарисовки. Руководитель Абрамцевских керамических мастерских (с 1890). Это состояние неподвижности может продлиться долго.

Будучи в академии, Врубель много и упорно работает самостоятельно. Для Терещенко Врубель взялся написать картину «Восточная сказка», но сделал только эскиз акварелью, да и тот порвал, когда Э. Л. Прахова отказалась принять его в подарок. Врубелевский демонизм – это демонизм в смягченной форме, вне крайностей индивидуализма, с оттенком того всеобщего страдания за людей, которое красной нитью проходит через всю русскую культуру XIX в. В этой картине Врубель выступает как символист. Этой таинственностью, скрытым намеком на непознаваемость человеческой души, сложность человеческих взаимоотношений, а также эмоциональностью и красотой живописи, завораживает «Венеция». В мастерской самой природы существуют творения, в которых этот принцип идея метаморфозы явлена в конечном, конкретно-осязательном облике, например цветок или раковина.

Морозова. Художник переносит нас в эпоху итальянского Возрождения, на феерический венецианский карнавал. Иногда это «цветы зла» иногда образы неподвластной человеку стихии. И у Иванова и у Врубеля – акварели, эскизы к росписям храма. Любопытно, что Менделеева и Врубеля соединяло сразу несколько жизненных нитей. Более всего он работал над двумя сюжетами – «Надгробный плач» и «Воскресение» (1887). Герой сопротивляется до конца.

Наконец, в 1880 году Михаил становится студентом Академии художеств. И все же он нетерпеливо ждал возвращения. Но даже тут свет глаз осиливает, побеждает физическую грубоватость черт. Художник работает широким мазком, часто он предпочитает мастихин кисти: мазок превращается в цветовую плоскость, цветовые пятна, ложащиеся на поверхность, уподобляются мозаичным камням.

Из четырех иконостасных образов богоматерь удалась художнику особенно. Чистякова.

Он стал автором «демонического цикла» — серии работ из картин иллюстраций и скульптуры с главным героем Демоном. Всем знакомо свойство художественных созданий восстанавливать потребность вновь и вновь испытать чувство именуемое эстетическим наслаждением – снова и снова слушать любимую мелодию, перечитывать знакомую книгу, смотреть виденную картину Снова и снова, то есть бесконечно. Затруднительно казалось определить происхождение его стиля, его индивидуальной манеры. Как и все искусство художника, его портретная живопись остро психологична.

Художник Русской частной оперы С. И. Перепад был слишком резким. «Мы трое, – сообщает Врубель, – единственные, понимающие серьезную акварель в Академии». Вдали от богини Врубель переживал счастливейший период своей любви. Среди «моделей» художника мы находим прекрасные извечно ценные предметы – ковры, раковины, великолепные платья, редкие цветы – азалии или компанулы.

Он был влюблен в жену Прахова Эмилию Львовну, о чем несколько раз, не называя имени, таинственно намекал в письмах к сестре: это было его сокровенное «душевное дело». Но косвенным родством перепутья Михаила Врубеля и Менделеева не ограничились. Гармоническое соединение фантастического и реального видим и в картине Царевна-Лебедь (1900, ГТГ).

Так, в рисунке «Свидание Анны Карениной с сыном», сделанном в начале 80-х годов, Анна с преувеличенной пылкостью чуть ли не душит в объятиях ребенка. Может быть, в закладе. У его апостолов были живые прототипы. Врубелевский ангел – если и вестник, то, как говорил Блок о самом художнике, «весть его о том, что в сине-лиловую мировую ночь вкраплено золото древнего вечера». Содержание картины Испания (1894, ГТГ), возможно, навеяно оперой Кармен, которую Врубель очень любил и считал эпохой в музыке. Неординарная дама. Врубель долгое время казался появившимся именно неизвестно откуда. Он противостоял современному «оптическому натурализму» и тяготел к противоположной системе светоцвета имевшей прецедент в средневековых монументальных техниках – мозаике и витраже.

Врубель писал картины на темы pyc. Под впечатлением от того, как Модест разбивал рояль исполняя речитативом «Блоху», Михаил зримо представил образы Фауста и Мефистофеля, которые в дальнейшем художник перенес на холст. Супруге Врубель в буквальном смысле поклонялся. И это свойство быть воплощенным духом превращений есть собственно то, за что мы любим эти «вещи», что составляет их неувядаемую прелесть. И Врубель уже понимал, за счет чего. В конце XIX в. художественная культура России переживала период формирования нового стиля (в России он получил название «модерн»).

Его основой стало то же, на что опиралась интерпретация ветхозаветных текстов в свете евангельского Нового Завета, — перевод сюжетов на язык символов. Вспомнить хотя бы петербургские вариации его «Гамлета». Врубель страстно любил музыку. Трагическое чувство освобождается от перенапряжения. Но они получились такими необычными, что испугали заказчиков.

От пола до потолка, в пять ярусов узловые звенья темы (воскресение мертвых, отделение праведных от грешных, образы ада, рая и т. д. ). Здесь первоосновной, зиждительный момент врубелевского искусства.

И, наконец, этот ангел оказывается близок его демонам, в частности Демону поверженному. В 1879, окончив ун-т, Врубель поступил в Академию художеств, где пробыл четыре года. На хорах он заметил только что встреченного незнакомца товарищи сказали, что это художник Врубель и показали начатое им «Сошествие святого духа», а также двух ангелов: «Врубель говорил, что здесь он ближе всего подошел к Византии». Образ не может быть исчерпан, он остается открытым.

В портрете достигнута необычайная конструктивность рисунка. Мурашко насмешничал — Врубель восторженно любовался. мне было все это видеть. Кто бы удержался от использования (в чисто научных целях, разумеется) столь бесценных «биографических источников». Как он это делал, можно видеть на примере его картины «Натурщицы в обстановке Ренессанса». В Академии он работал по двенадцать часов в день.

Это ухудшило его душевное состояние: он стал замкнутым, вспыльчивым, страдал бессонницей. Гимн духовного догмата умягчился нежной итальянской напевностью. Сам Врубель с большим вниманием относился к своим орнаментам, но гораздо большие надежды он возлагал на сюжетные композиции. Синими искрами загораются стекла пенсне. Это борьба с судьбой, угнетающей личность, в конце концов убивающей ее.

Любатович поспешила мне представить «Наш художник Михаил Александрович Врубель» и в сторону мне сказала «Человек очень экспансивный, но вполне порядочный». Бесподобное равновесие между условным знаком и теплой человечностью. Произведение удалось. Художник показал своего первого, так называемого «Демона (сидящего)» уже в Москве, куда он переехал в 1889 году «юный титан изображен в лучах заката на вершине скалы. С осени 1882 года он начинает заниматься в классе академика П. П. Моделью художника была выбрана дочь владельца антикварной лавки.

В «Демоне поверженном» вполне определенно выявлен тот принцип стиля модерн, который можно охарактеризовать как орнаментальность. Он как раз и работал над «Демоном», когда неожиданно приехал отец. «Демон поверженный» захватывает не столько своей живописью, сколько зримым воплощением трагедии художника: мы чувствуем – «здесь человек сгорел». Вообрази, ни одного стола, ни одного стула. Подобно мастерам Возрождения, работал во всех видах искусства. Он был одним из самых ярких художников конца XIX – начала XX века.

Через два года отец женился вторично на пианистке Елизавете Христиановне Вессель. Михаил Врубель считал вполне естественным и адекватным то, что в своей работе он мог использовать технический прогресс. Последней работой Врубеля стал Портрет В. Я. Приглашенный для реставрации Кирилловской церкви (12 век), Врубель в ряде случаев должен был исполнить новые композиции (в частности, Сошествие Святого Духа, 1884) тогда же художник написал и икону Богоматерь с младенцем (Киевский музей русского искусства). В конце жизни Врубель упрекал себя за то, что где-то преступал нравственную границу. Пока жив человек, он все дышит, пока дышал Врубель – он все творил». При этом не прибегает ни к деформации предметного мира, метафора возникает сама собой.

Одна из центральных картин, в которых эта тенденция проявилась особенно последовательно – «Пан» (1899). Интересно живописно-пластическое решение, с помощью которого художник воплотил свои идеи. Врубель видит простые предметы как некую одушевленную плоть вещей. «Русский стиль» этих вещей находит выражение и в его сценографии, связанной с Московской частной русской оперой Саввы Ивановича Мамонтова, в том числе в оформлении Садко (1897) и Сказки о царе Салтане (1900) Николая Андреевича Римского-Корсакова. В студенческие годы Врубель познакомился с композитором Модестом Петровичем Мусоргским.

После «Венеции» влечение Врубеля к большому стилю проявилось также в его огромных многометровых панно «Принцесса Грёза» и «Микула Селянинович» исполненных для Всероссийской Нижегородской выставки 1896 года, а также в цикле панно на сюжет из «Фауста» Гёте для «готического кабинета» в особняке А. В. Род. Но с Папмелями распрощался вполне дружески.

С нынешней техникой дело нехитрое. Экспрессивно-драматичны и портреты (К. Она подлинно монументальна.

В 1860-е учился в Рисовальной школе Общества поощрения художеств, в 1880-1884 – в Академии художеств у П. П. Художник уж конечно видел, что молчаливым терпением Эмилия Львовна не отличалась. Это преимущественно люди, близкие художнику. В эту пору Врубель много работает над портретами. И. Грабарь полагал, что Врубель в русском искусстве занимает своеобразное место.

В этом гимне что-то торжественное, возвышающее. После переезда в Москву Врубель становится одним из самых активных членов художественной группы Саввы Мамонтова. У ее поднятой вверх руки возникает из толпы прелестное лицо юной девушки. В 1874, окончив гимназию, поступил на юридический ф-т Петербург. Подспудный трагизм достигает кульминации в тех врубелевских образах, которые восходят к его иллюстрациям к поэме Лермонтова Демон (акварель, белила, 1890–1891, Третьяковская галерея и Русский музей, Санкт-Петербург), – в картинах Демон (1890) и Демон поверженный (1902 обе работы – Третьяковская галерея).

Умер Врубель в Петербурге 1 (14) апреля 1910. Внутренняя жизнь, полная конфликтов, потрясений, словно сотрясала его внешнюю жизнь. Примечательно, что лица святых художник писал по памяти со своих знакомых. Представим себе художника на пределе сил, упорно остающегося с глазу на глаз с «духом зла» им созданным, но уже от него отделившимся, зажившим отдельной от него жизнью представим, как он каждое утро вступает с ним в борьбу кистью, стараясь подчинить его своей воле, - это ли не материал для трагической легенды. Художник обращается к сцене ночного, которая в сельской является обыденностью. Оттуда писал сестре: «Перелистываю свою Венецию (в которой сижу безвыездно, так как заказ на тяжелых цинковых досках, с которыми не раскатишься), как полезную специальную книгу, а не как поэтический вымысел.

Помимо фресок, Врубель написал четыре иконы. Болезнь прогрессировала, но в периоды ясного сознания художник снова работал. Потребовалось новое, принципиально новое искусство. 1870-е годы. В 1870-1890-х совершил многочисленные поездки за границу. Невысокого роста, очень пропорционального сложения, одет.

Отец художника был в тревоге: сыну уже тридцать лет, университетское образование, художественное образование, «таланту бездна», а между тем ни имени, ни обеспеченного положения – ни кола, ни двора. Священная история предстает как отрасль минералогии. Летом 1901 года в семье Врубелей появился первенец – Саввочка. Ну что. Тогда же в Киеве произошло то, что можно назвать обретением или (что одно и то же) осознанием собственного метода.

Врубель Михаил Александрович (1856, Омск – 1910, Петербург) – художник. Окончил юридический факультет Петербургского университета (1880). Входил в Абрамцевский кружок, член Московского товарищества художников, Мира искусства, член-учредитель Союза русских художников (1903). Среди лилово-розового мерцания ковра и шелковых тканей Врубель мастерски выделяет лицо. Как истинный художник «нового стиля» Врубель постоянно стремился к воплощению красоты. Исследуются точный состав и взаимодействие красок, грунтовок, лаков, растворителей и т. п. Гавань превратилась в зловонное болото, жители сбежали от повально косившей малярии.

Но иллюстрации Врубеля не могут быть сведены к субъективному комментарию. Холодный лиловый цвет борется с теплым оранжево-золотистым. Врубелю важно было жить творчеством, а не творить искусство. Софии, книгами, цветными таблицами и фотографиями из богатой библиотеки Прахова. Горят прекрасные цветы чертополоха.

продолжение. Искусствовед Н. М. Выдвинутая Праховым идея отправить вместе с ним выпускника Киевской рисовальной школы пришлась по душе как Мурашко, организатору школьной учебы, так и его земляку (оба из Глухова) Ивану Николаевичу Терещенко, который, будучи миллионером, школу субсидировал, а в качестве молодого, университетски образованного знатока искусства всяко способствовал развитию учеников.

У Праховой это получалось куда легче, совсем естественно. Это есть уже в «Сошествии святого духа», написанном на коробовом своде Кирилловской церкви. Он принял предложение А. В. Однако по настоянию отца он поступил на юридический факультет Петербургского университета.

Это чувствуется в портретах 1897 г. – К. Д. Арцыбушева, С. И. Мамонтова. С такими мыслями он входит в самое значительное десятилетие своего творчества – в 90-е гг. Кирилл», «Богоматерь c Младенцем», «Св. Михаил Александрович создал не менее шести вариантов «Надгробного плача» (сохранились четыре).

В последние годы жизни Врубель создает один из самых нежных, хрупких образов – Портрет Н. И. Забелы на фоне березок (1904, ГРМ). Небезынтересный штрих — сверстники, соученики, давние знакомцы Врубель и Савинский обращались друг к другу по имени-отчеству («дорогой Михаил Александрович», «милый, милый Василий Евменьевич»). Учился Врубель в Петербургской Академии художеств (1880–1884) у Павла Петровича Чистякова уроки акварели брал у Ильи Ефимовича Репина. Не уцелело ничего: ни его исповедей, ни ее ответов. Вдобавок к обретенному душевному покою творец получил и уверенность в будущем.

Как и другие евангельские сказания, сюжет «Сошествия» имел в церковном искусстве свою иконографическую схему, закрепленную многовековой традицией. На настойчивые приглашения приехать и пожить дома (семья жила тогда в Харькове) ничего не отвечает. Осенью 1886 года А. М. Врубель сам приехал в Киев проведать сына и его опасения подтвердились: «Миша здоров (по его словам), но на вид худ и бледен. В 1906 художник ослеп.

Работа над «Демоном поверженным» буквально кипела: вместо обычных трех-четырех часов художник иногда работал по 14 часов в день. Но стоит лишь проникнуть сквозь него в глубину, как перед глазами раскроется потрясающий документ трудной судьбы и трагического конца.

Названная «невыразимо печальной», она уходит от земли, как бы истаивая и прощаясь с миром тяжелой, четко обрисованной слезой. Наконец, в конце десятилетия возвращается к «Гамлету и Офелии», делая при этом Гамлета родным братом своего пока еще не состоявшегося Демона. Одно из них – «Венеция» (1893) – создано по впечатлениям от новой поездки в Италию (1891-1892). Свойство для Врубеля ценнейшее. Да здравствует дружба чистяковцев. Красоты самого романтичного города Италии не произвели на Михаила впечатления.

Чистякова (курс не окончил). Вслед за первым живописным «Демоном» в 1891-1892 гг. Лучше всего художник сумел интерпретировать средневековое наследие в сцене «Надгробный плач», где главным образным средством стали мягкие ритмы и плавные линии. Но, поскольку это именно итоговые выводы, отложим их до весны, приведем под конец главы. Любимая постоянно была рядом, ее не отвлекали дети, гости, этикет, она принадлежала лишь ему — в мечтах, разумеется, зато без малейших помех. Увезено было все что возможно, включая тесаный камень разобранных городских строений.

Это черта исконно присущая романтической личности. Брак казался ему счастливым завершением многолетних скитаний в поисках самого себя. Художник получает ряд заказов на декоративные панно. К восстановлению старых фресок по сохранившимся фрагментам он относился с большой бережностью как вспоминал Н. А. Прахов (сын А. В. Прахова), «не выдумывал ничего от себя, а изучал постановку фигур и складки одежды по материалам, сохранившимся в других местах». Он говорит, что здесь, то есть в Италии, можно учиться, а творить – только на родной почве что творить – значит чувствовать, а чувствовать – значит «забыть, что ты художник и обрадоваться тому, что ты прежде всего человек».

Феерическое великолепие врубелевского колорита в полной мере проявилось в картине Девочка на фоне персидского ковра (1886, там же). Он написал акварелью «Ангела с кадилом и свечой», четыре варианта «Надгробного плача», два варианта «Воскресения». «Конечная цель действования именуемого "произведение искусства", – вызвать в ком-либо бесконечные превращения» (Поль Валери). И впервые стал искушать Врубеля и завладевать его воображением сумрачный образ богоборца – Демона. В характере последнего художник подчеркнул демонизм, мятущуюся страсть.

Содержание его символа невозможно определить с исчерпывающей точностью. Он слыл и по заслугам, мастером акварели и удивительным композитором массовых сцен. В Венецию Врубель поехал не один. В конце девяностых годов он работает художником в театре. Это один из самых старых праздников в мире.

Фигуры словно парят в безвоздушном пространстве. В этих рисунках была заключена целая программа. С первого взгляда трудно разобрать, что изображено: глаз ослепляет переливающаяся мозаика драгоценных частиц, озаренных вспышками голубоватого фосфорического света, как если бы мы действительно вошли в пещеру, сокровищ из «Тысячи и одной ночи». Он жаждал свершений, сильных впечатлений, больших событий. Пустынный заброшенный остров идеальный для дум о бренности.

В «Демоне поверженном» соединяется реальное и фантастическое, реальность преодолевается деформацией фигуры. Он воплощение мрачной покорности судьбе в чудесном врубелевском рисунке тушью и акварелью и кажется, «Гайдук накуксился» не столько из-за спитого чая, как поясняет подпись, сколько от путешествия с непредсказуемым опекуном. В центре полотна художник изобразил двух молодых и красивых девушек, они очень нарядные и весёлые, находятся в предвкушении праздника. Нет, родиться в России с умом и талантом бывает все-таки не худо. К этому же времени относятся интересные автопортреты. И Врубели и Капустины и профессор химии Дмитрий Иванович Менделеев в Петербурге.

«Перелистываю свою Венецию, как полезную специальную книгу, а не как поэтический вымысел. Он работал над ними в Венеции, куда ездил изучать искусство Раннего Возрождения. Мамонтова он пишет декорации к операм «Царская невеста», «Моцарт и Сальери», «Сказке о царе Салтане». В 80-е гг.

На фоне каменистых заснеженных вершин – голова с шапкой черных кудрей. Кроме того, шутил Прахов, Гайдук будет полезен, «чтобы Врубель не заскучал в Венеции от одиночества». Рождается ощущение первозданности. Врубель рано испытал то, что через два десятилетия Блок называл «наплывом лиловых миров», лилового мрака, одолевающего золотой свет. В 1889-1904 жил в Москве, затем в Петербурге. Масса фигур, застывших, плоских и разного размера в разных группах. «Демон» дает зрителю возможность теряться в догадках, расширяя в своем представлении содержание образа до беспредельности.

Но в трактовке фигур и лиц он проявил себя как художник современный, как психолог. Рядом с портретом Мамонтова можно поставить последнее произведение Врубеля – графическое изображение Валерия Брюсова (1906), нарисованное углем и сангиной. Из этой сцены он извлекает нечто таинственное, почти мистическое. Именно в Киеве полностью сформировался Врубель-художник. Здесь он продолжает рисовать.

Врубелевский ангел и есть олицетворенный дух таких превращений. Но между современной живописностью станкового типа и монументальной светоцветописью Средневековья естественным посредником явилась Венеция – всемирный заповедник «колористической магии», также имеющей «византийские гены». В некоторой близости к этой картине – «Гадалка» (1895), произведение глубоко психологическое. Что нахожу в ней – то интересно только моей палитре».

В рисунках к «Моцарту и Сальери» (1884 год) Сальери выглядит мелодраматическим злодеем. Никаких следов киевского «Демона» до нас не дошло – художник его уничтожил, все ныне известные «Демоны» сделаны значительно позже. Блестящие примеры портретной живописи Врубеля – портреты К. Д.

Будь этот «Гамлет» написан после приобщения к системе храмовых росписей, мы бы уверенно сказали, откуда в трактовке героя, шекспировского мученика рефлексии, крупный статично-фронтальный план и взгляд в упор, — ясно же, от иконы. И лишь после приобщения к монументальному византийскому и древнерусскому искусству экспрессия Врубеля становится величавой – исчезает психологический нажим, появляется характерно врубелевское выражение духовной напряженности в сосредоточенном взоре огромных глаз (большие глаза – также черта византийской живописи), при позах как бы оцепеневших, скупом жесте, в атмосфере глубокой тишины. Сколько у нас красоты на Руси. » – такое восклицание вырывается у Врубеля впервые. То есть наверняка был диалог, писала из Киева и Эмилия Львовна.

Пока жив человек, он все дышит, пока дышал Врубель – он все творил. Взор зрителя движется по поверхности картины (а не в глубину), постигая ритм повторяющихся линий и пятен, что типично для целого ряда картин и панно художника: для «Венеции» (1893), в которой мотив великолепного шествия дает повод для сопоставления на плоскости голов, фигур, роскошных одеяний, для «Богатыря» (1898), где растительные формы, фигуры богатыря и коня сплетаются в клубящемся ритме, для панно, посвященных Фаусту (1896), где ритмы организованы остроугольными формами, колючими и иглообразными, для ряда графических произведений. Больно, горько до слез.

В Венеции художник, разумеется, сполна мог напитаться впечатлениями от хрестоматийных образцов венецианского живописного величия, но на родине «королей живописи» он выделил для себя мастеров венецианского кватроченто. Умел Врубель разговаривать с традицией. Врубель по предложению Прахова тоже начал работать над эскизами.

Это вот, эти копны сена. Одна из самых известных работ того времени — графическая иллюстрация «Свидание Анны Карениной с сыном», выполненная черной тушью на коричневой бумаге. Рукой художника как бы водила его внутренняя боль, его душевная борьба. В картине «Сирень» (1900) зритель особенно остро ощущает стихию цветения, рост куста, запах идущий от цветов, дурманящий и терпкий. В 1899 году он пишет «Демона летящего».

Вероятно, «Демон» был не причиной заболевания Врубеля, но стал катализатором, ускорителем: совпадение окончания картины с началом болезни едва ли случайно. Мощный, словно вырубленный из твердого материала торс Демона располагается посередине. В самом деле, конечная форма, скажем, цветка среди других ему подобных творений и в каждый момент его существования выказывает способность равно быть и не быть именно в этой форме, способность преодолеть ее, преобразоваться. Была и еще причина, почему Врубелю хотелось поскорее вернуться в Киев.

Он болезненно ощущал несправедливость, но специально не искал успеха, его не интересовали художнические дела, он даже не ходил на выставки. Жизнеподобие (лидирующий элемент античной классики) сокращено почти до схемы, зато на первый план выведен скрытно организующий любую форму ритм. В 1889 году Врубель уезжает в Москву. Достойное решение. А. В. Прахов, в тесном общении с которым (и с его семьей) Врубель провел пять киевских лет, был известен в художественных кругах.

Настороженно и тревожно переступают с ноги на ногу кони, пасущиеся неподалеку. Фактически Врубель отправлялся в Европу, чтобы получить вдохновение. Больше всего заинтересовали его палитру не корифеи Высокого Возрождения – Тициан, Веронезе, - а их предшественники, мастера кватроченто (XV век), теснее связанные со средневековой традицией, - Карпаччо, Чима да Конельяно и, особенно, Джованни Беллини. Он-то после киевских реставраций-реконструкций разглядывал тот же «Страшный суд» храма в Торчелло отчасти уже как сотоварищ константинопольских художников.

В искусство он пришел уже взрослым, образованным человеком. Уже в ранних работах Врубеля намечались черты, отличавшие его среди академистов. Тут затоскуешь. Среди многообразия реставрационных работ, помимо «Сошествия Святого Духа на апостолов», выделялись фрески «Вход Господень в Иерусалим» и «Оплакивание». музей русского искусства, Киев). Конечно, у Врубеля было преимущество.

Эта большая акварель поразительна. Культ красоты был своего рода религией для многих людей того поколения.

Их бесплотность подчеркнута холодным светом, преображающим сцену. Живой предстает страна, в которой кипят пылкие чувства, сильны и любовь и ненависть. Талант Врубеля-декоратора проявляется и в его огромном панно Принцесса Грёза, заказанном для Нижегородской ярмарки (1896, Третьяковская галерея). Для Московской частной оперы С. И. Их малоискусными руками фрески прописывались сверху по сохранившимся контурам (по «графьям») теперь такой способ был бы сочтен варварским. В нем поднимался богоборческий бунт.

Результаты докладываются на специальных чтениях в Академии художеств, публикуются затем в «Вестнике изящных искусств». «На черной мгле я живопись творю», – как сказано у Бодлера.

Тех миров, которые видели они, мы не видим. «Был я в Торчелло, радостно шевельнулось сердце – родная, как есть, Византия. Содержание картины «Испания» (1894), возможно, навеяно оперой «Кармен», которую Врубель очень любил и считал «эпохой в музыке».

Но удивительное дело: у мемуаристов нет упреков. В картине Пан (1899, ГТГ) греческий бог превращается в русского лешего. Потратьте полчаса, соберите на своем компьютерном экране лучшие, на ваш взгляд, классические версии «Мадонн с младенцами» и поместите среди них «Богоматерь с младенцем» киевского кирилловского иконостаса. Исполнены же они так, как никто кроме Врубеля просто не додумался бы.

Ни мемуаров, ни письменных доказательств завидного женского триумфа. Особое влияние на Врубеля оказали живопись венецианского Возрождения (из современников – испанец М. Фортуни и английские прерафаэлиты). Римского-Корсакова (Морская царевна, Тридцать три богатыря и др. ). Внимание Врубеля ретроспективно развернуто в предысторию – туда, где сквозь колористические феерии Тициана, Тинторетто, Веронезе маячит, «брезжит» свет византийских мозаичных позолот со стен соборов Сан Марко и Торчелло. «Избирательное сродство» росло день ото дня.

На улице очень много людей, а на заднем плане расположен мост Вздохов и угол дворца дожей. Как-то за одну ночь он делает стофигурную (. ) композицию «Орфей в аду». Его девиз был: Il vero nel bella (Истина в красоте). Не всегда ловко умел проявить излишне напрягался, рисовался. Было за что ее боготворить.

Большие перспективы открывал для храмовой православной живописи (которую как раз в те времена из падчериц российской Академии художеств перевели в главный жанр государственной идеологии) написанный Врубелем в Венеции иконостас. Вы не сердитесь, я это потому сказал, что вижу вашу ошибку». Тогда же у Врубеля складываются и другие средства преображения реальности. Это находит отражение и в станковом характере рисунков. Однако самым замечательным творением Врубеля в Киевский период явились акварельные эскизы росписей Владимирского собора (1887, Гос.

Чистякова. Врубель написал на стенах несколько фигур ангелов, голову Христа, голову Моисея и, наконец, две самостоятельные композиции – огромное «Сошествие святого духа» на хорах и «Оплакивание» в притворе. На этой картине зрителю представлен венецианский фестиваль. На уровне. Но и не только это.

Кирилловские фрески находились в плохой сохранности, над их «поновлением» работала артель учеников киевской рисовальной школы, руководимой художником Н. И. Мурашко (с ним Врубель потом близко сошелся). Потом Прахов абсолютно отошел от критической деятельности, перестал заниматься современным искусством (характерный симптом 80-х годов. ) и вернулся к изучению древностей. Он учился чеканить, огранивать, как ювелир, эти зыбкие поверхности, прощупывал форму вплоть до малейших ее изгибов.

Как пропала кипа писем о его тогдашних переживаниях, мы знаем. Так в Киеве никто не одевался и это-то и произвело на меня должное впечатление. Первый «Демон» был закончен в 1890 г. Он стал центральным произведением художника, собрав в себе все то, что уже было сделано прежде и наметив пути вперед. У Гёте это узнающее собственный внутренний код и потому необоримое притяжение обозначено заглавием «Избирательное сродство» и, между прочим именно при чтении этого романа юный Врубель проникся к Гёте «самым глубоким восторгом». Цветы были излюбленным объектом художника: он пристально вглядывался в сложную конструкцию цветка, создавая свои карандашные этюды. В Киеве реставрировал фрески Кирилловской церкви (1884-1885) и работал во Владимирском соборе: создал эскизы фресок (1887, не осуществлены), писал орнаменты (1888-1889).

Врубеля больше всего привлекает в изображаемом им человеке его внутренний мир. Сам Врубель называл свою картину иконой. Властно влечет пристальный взгляд горящих глаз, словно перед женщиной раскрылась страшная тайна будущего».

Единственное, что из эскизов Врубеля было осуществлено, это проекты его орнаментов, составленные из элементов органического мира цветов, листьев, птиц, женских ликов. Зримый триумф духа над плотью. Чередование света и тени еще более усилило эту динамику. Родился в Омске 5 (17) марта 1856 года. Эскизы Врубеля не были исполнены на стенах собора. Но сам по себе этот укор был свидетелем истинной нравственности художника. Некогда Александр Иванов изобразил «Сошествие во ад» как изведение из гробов, воскрешение и ликование праведных.

Автопортреты не лишены известной доли самолюбования. Но замысел и начало относятся к киевскому периоду. Не позволила посторонним глазам жадно шарить по сокровенным строчкам. В 1884 году Врубель бросил академию. С вокзала я отправился прямо к нему и был опечален его комнаткой и обстановкой. Чуть разговорчивее он был с Лилей.

Врубель Михаил Александрович (1856, Омск – 1910, Санкт-Петербург)Художник, график, скульптор, мастер прикладного искусства, художник театра, монументалист. Академик Императорской Академии художеств (с 1905). Родился в Омске. Напротив: экспрессии хоть отбавляй. Все здесь подвержено метаморфозам. Тот вариант «Демона поверженного», на котором оборвался отчаянный поединок и дух художника изнемог, не принадлежит – нужно признать – к вершинам творчества Врубеля. Созданный художником образ ярко выражает представление мастера о поэте как о пророке и носителе истины. Афанасий» и «Христос Спаситель». музей русского искусства, Киев) – женственно-нежный и вместе с тем печальный образ матери, предчувствующей трагическую участь сына.

Ничто, кажется, не мешало. Ни теплого одеяла, ни теплого пальто, ни платья, кроме того, которое на нем (засаленный сюртук и вытертые панталоны), я не видал.

Сгубил город избыток илистых наносов. В работе над ними художник уже не копировал старинные образцы. В те годы молодой художник так изощрил и натренировал глаз, что различал «грани» не только в строении человеческого тела или головы, где конструкция достаточно ясна и постоянна, но и в таких поверхностях, где она почти неуловима, например в скомканной ткани, цветочном лепестке, пелене снега. Через окно лечебницы художник рисовал пейзажи. Образ его смерти – и реквием и своеобразный гимн сопротивлению.

Свадебное торжество проходило в Женеве. ун-та и посещал вечерние классы Академии художеств. (1906), необычайно выразительный. Прежде он был, казалось, довольно равнодушен к «родной почве»: она была чем-то само собой разумеющимся, незамечаемым, замыслы черпались из всемирных источников: античность, Гамлет, Фауст. появилась серия рисунков к произведениям Лермонтова и в частности к поэме «Демон».

Мамонтова. Исчезли ее письма (может, позже она попросила их вернуть, может, он сам в тяжелую минуту их уничтожил). Одной из первых полноценных и завершенных живописных работ Врубеля стала «Девочка на фоне персидского ковра» (1886). Уже во время болезни он создал полотна «Шестикрылый серафим», «Роза в стакане», «Жемчужина». Он словно сжал пространством фигуру Мамонтова, пригвоздил ее к плоскости. Загадочная фигура девушки, слоimg stylediv stylelaquoДемоне поверженномp style borderвно сросшейся с кустом сирени, усиливает идею слияния одушевленного и неодушевленного, переплетения форм того и другого. В моменты просветления художник узнавал окружающих, общался с ними, пытался рисовать.

Он рисует сцены больничного быта, портреты врачей, пейзажи. Движение руки становилось прямым выражением душевного движения. Среди лилово-розового мерцания ковра и шелковых тканей Врубель мастерски выделяет лицо.

Вся меблировка два простых табурета и кровать. Ангел с кадилом и свечой (1887) – сплошная цитата из одновременных этюдов цветов. Она, бесспорно, дала ему мастер-класс по части независимости без натуги.

Они обнаруживают тягу к востоку – цветистому, волшебному, пряному. Так начинается новый и самый плодотворный пери од его творчества. В последнем собралась вся нежность художника к человеческому существу, его сострадание. Ради красоты орнаментального начала Врубель прибегает к постановочности сцены.

Как было его сохранить. Этот принцип, формотворческую идею можно определить как принцип или поэтику метаморфоз. Напротив «Страшного суда», в контраст с его кишащей многолюдностью, одиноко возносится над алтарем Санта-Мария-Ассунта. В этом взгляде – жажда познанья и свободы, мятежный дух сомнения. Не случайно первая картина Врубеля связана с трагедией Шекспира: это Гамлет и Офелия (1884, ГРМ).

Последние лучи солнца играют на белоснежном оперении, переливаясь радужными красками. сказок и опер Н. А. Конгломерат искрящихся форм в последней картине близок уже к беспредметному искусству. В маньеристической томной грации силуэта, в узоре складок невесомого одеяния, непроизвольно напоминающих конфигурацию цветочных лепестков, он кажется человекоподобным двойником, как бы эльфом Белого ириса из акварельного этюда того же времени. Воздействие сильнейшее.

---