В первые годы творчества Пикассо не огнедышащие драконы или романтические истории, а восхищение уличными цирками, жалость к отверженным обществом, понимание трагедии слепых, заключённых в тюрьмах и пациентов больниц сформировали его представления об ужасном. Я считаю, что гениальность Пабло Пикассо заключается в том, что он единственный из художников этого века, кто ввёл историю в своё творчество наравне со своей жизнью и до такой степени использовал наследие мирового искусства, с которым постоянно вёл диалог. Творчество Пикассо кардинальным образом повлияло на ход развития искусства и культуры всего XX века. Этот большой период в творчестве Пабло Пикассо делиться на несколько этапов.
Светлый период жизни отразился и на творчестве художника – на время Пикассо отходит от кубизма и создает ряд полотен в духе классического реализма. На этой странице размещена биогафическая информация, картины и другие интересные факты из творчества такого великого художника как Пикассо Пабло. Картина относится к «голубому периоду» творчества Пикассо.
Именно там Пабло Пикассо познакомился с творчеством импрессионистов. О Пабло Пикассо и его мире будут говорить всегда, так как его творчество не поддается четкому и убедительному определению. Материнство сделало Ольгу более требовательной к семейной жизни, она не представляет свою жизнь без светского общества, незаметно она начинает ограничивать жизнь Пикассо светскими приемами, а его творчество светскими сюжетами. Графическое творчество Пабло Пикассо и прежде всего его гравюры, – это совершенно самостоятельная и важная область его искусства. Процессы становления и эволюция стиля в творчестве Пикассо.
Она чувствует, что продолжает любить Пикассо издалека следит за его творчеством, удивляясь с какой легкостью он меняет подруг: Мария -Тереза Вальтер, Дора Маар, Франсуаза Жило. Именно там Пабло Пикассо познакомился с творчеством импрессионистов. Пикассо в этой картине демонстрирует практику коллажа, которую часто использует в своем творчестве. Курсовая работа по дисциплине Культура и искусство на тему: Творчество Пабло Пикассо понятие и виды, классификация и структура, 2016-2017, 2018 год.
Гениальность Пабло Пикассо заключается в том, что он единственный из художников этого века, кто ввёл историю в своё творчество наравне со своей жизнью и до такой степени использовал наследие мирового искусства, с которым постоянно вёл диалог. Все элементы космогонии африканского искусства, все темы, красной нитью проходящие сквозь творчество Пикассо объясняются магическими атрибутами негритянской культуры.
С этого же времени во всей полноте начинает выявляться общественная позиция Пикассо. Можно смело утверждать, что именно с нее началось творчество Пабло Пикассо. Печать неистовствовала, критики объявили «Русский балет» едва ли не предателями, деморализующими французское общество в тылу во время тяжёлой и неудачной войны.
Бердяев представитель отечественного религиозного экзистенционализма писал: «Пикассо – беспощадный разоблачитель иллюзий воплощенной, материально-синтезированной красоты Кризис живописи как бы ведет к выходу из физической, материальной плоти в иной, высший план».
В 80 лет неугомонный Пабло Пикассо женится на 34-летней Жаклин Рок. В 1904 году в Пикассо встретил модель Фернанду Оливье, которая вдохновила его на создание многих значительных работ этого периода. На момент начала Первой мировой войны (август 1914 года) Пикассо жил в Авиньоне. Она стала музой и вдохновителем в его творчестве. Пикассо поехал работать в Рим. А образы картин – акробаты, актеры (Акробат и молодой Арлекин, Семейство комедиантов, Шут). На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931).
Причем классические персонажи бродячего цирка – личность, клоуны, арлекины. Ему было поручено сделать макет для огромной общественной скульптуры 50 футов (15 м) в высоту, которую должны были построить в Чикаго и обычно известную как Чикагский Пикассо. приложение 1), Женщина с веером (1909) и других, характеризуется сезанновскими тонами – охристыми, зеленоватыми, коричневыми, но более размытыми, мутными и использованием простых геометрических форм из которых строится изображение. Свои чувства он выражает языком красок, создав несколько картин на эту тему: Ольга читает (1920), Ольга читает, сидя в кресле (1920), Ольга, читающая в кресле 1920, Портрет Ольги1921, Портрет Ольги1923 (см.
Публика в зале едва не сорвала спектакль криками «Русские боши, долой русских, Сати и Пикассо боши. » Дело дошло даже до потасовки. Написана в монохромном стиле, только 3 цвета – черный, серый, белый. Именно здесь начинается его настоящее художественное образование, несмотря на пребывание в течение нескольких месяцев (зима 1897-1898) в академическом Мадриде, где он, впрочем, ничему особенно не научился, поскольку его мастерство в этой области проявилось еще раньше (Мужчина в фуражке, 1895). К 1905 году Пикассо стал фаворитом американских коллекционеров Лео и Гертруды Стайн. Однако Пикассо все еще был опутан символами, с помощью которых он достигал самовыражения. После потери Евы Гуель, у художника был роман с Габи Леспинасс.
Значительным явлением в истории гравюры 20 века явилось творчество Пабло Пикассо. Как и его дружба с Гретрудой Стайн – знаковой личностью в художественной жизни Парижа. По Веласкесу» (1957) «Завтрак на траве. По Веласкесу, Девушки на берегу Сены. Они возобновили свою дружбу, но Пикассо стал часто посещать новые социальные круги. В этом смысле панно подымается все выше и выше и, хотя оно вытянуто по горизонтали, его физические пропорции психологически уравновешиваются и даже преодолеваются устремленностью картины вверх.
Тема абсента звучит во многих картинах. И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. в жизни у него появилась новая муза и вдохновительница Ева или Марсель Умбер.
Создание виртуального музея помогло бы как выступающим, так и слушателям. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. С ним рядом остается верная ему Жаклин, ухаживает за ним.
Эрмитаж) искусство Пикассо вплоть до 1907 сохраняет свой чисто испанский характер. Они написаны в холодной, сине-зеленой гамме, напоминающей Эль-Греко рисунок острый, контуры изломаны, тела нарочито удлинены ("Свидание" 1902).
В итоге Лео Стайн переехал в Италию. За такой резкий переход от кубизма к классицизму Пикассо многие критиковали. С 1968 по 1971 года он создал множество картин и сотни медных гравюр. Живопись вундеркинда существенно выделялась на фоне старших сверстников, его первые большие работы маслом «Первое причастие» и «Знание и милосердие» заслужили множество наград и медалей на художественных выставках в Барселоне и Малаге. Он живет в Валлорисе (1948), затем в Каннах (1955), покупает в 1958 замок Вовенарг и в 1961 уединяется в сельском доме Нотр-Дам-де-Ви в Мужене. приложение 1), с которой он не расставался в течение всей жизни.
Его реакция на господствующий в буржуазном мире дух насилия, попрание человеческих прав, боль и страдания людей получает метафорическую окраску, зачастую выражается языком мрачного гротеска, в искажённых, режущих глаз формах (Плачущая женщина, 1937, собрание Пенроз, Лондон). В 1905–1906 Пикассо отдавал много времени изучению архаики. В монохромную голубизну полотен Пикассо вторгаются разные тени, становясь господствующими. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков.
Во время обучения в Мадриде Пикассо совершил свое первое турне в Париж – признанную тогда европейскую столицу искусств. Итак, можно отметить 100-кратный рост цен за четверть века – и это все при жизни автора. Пикассо нарисовал портрет Гертруды и её племянника Алана Стейна. Их старший брат Майкл Стайн и его жена Сара также коллекционировали его работы.
Также даётся краткая историческая справка о событиях Испании того времени. Произошло именно так, как он намечал. Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Именно в этом городе он увлекся керамикой. Эта совокупность говорит и о преимуществе человеческой фигуры и неразрывности ее с пространством, которое окутывает и окружает ее. Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и её кукла», 1938).
На подготовку к экзамену, обычно занимавшую у студентов месяц, у Пикассо ушла неделя. Пикассо не колеблясь избрал свое лицо, с тем чтобы вызвать нужную ему реакцию. Появляется знаменитая работа художника Девочка на шаре. С 1901 по 1906 («голубой» и начало «розового» периода) живопись Пикассо представляет собой театрально-драматическую разновидность «народничества», в какой-то степени свойственного искусству его великих предшественников: Ван Гога и Сезанна, у которых это качество связано не столько с сюжетом, сколько с антисалонной направленностью. После освобождения.
Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942). Произведения, созданные в 1945—1955 годах, очень средиземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят своё выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»). Пикассо уделяли внимание не только художественные критики и искусствоведы, но и философы, такие как Карл Юнг, который замечал, что Пикассо склонен к осмысленному «Katabasis eis antron» (вхождение внутрь в дебри тайного знания»), даже ученые-физики («А тут заявляла непомерные претензии наука, родившаяся-то всего три года назад и у стольких авторитетов находившаяся покуда что на серьезнейшем подозрении. Голубой период.
В 50-е – 70-е годы Пикассо работает в разных видах искусства и в разных жанрах, в самых различных техниках: картины, скульптуры, монументальные росписи, керамика, рисунки иллюстрации, литографии, офорты, – трудно назвать область, в которой он не проявил бы себя за последнее двадцатилетие его долгой, творческой жизни. Но между ними не было резкого разрыва, как кажется сначала. Герои—это бедные дети и матери, старики. В 1907-1914 гг. Одним из наиболее впечатляющих образов знаменитого полотна Пикассо является изображение плачущей женщины, для которого художник использовал созданную им ранее картину «Плачущая женщина».
Следует отметить, что Пикассо уже в те годы прекрасно знал французскую испанскую и даже интересовался русской литературой (Тургенев, Горький). Пабло Руис и Пикассо, также известный как Пабло Пикассо (25 октября 1881 – 8 апреля 1973), был испанским художником, скульптором, гравёром, керамиком, театральным художником, поэтом и драматургом, который провел большую часть своей жизни во Франции. Но лицо быка полное равнодушие к происходящему. Рот, глаз, ухо становятся чем-то вроде универсальных деталей.
В 8 лет он рисует свою первую серьезную картину маслом, "Пикадор" (см. «Все имеют право меняться, даже художники, »—острил сам Пикассо по этому поводу.
То, что тревожило и мучило его, теперь требовало иных изобразительных решений. Примириться с этим было невозможно и борьба с Пикассо шла по разным направлениям. Форма, которую теперь создает художник, не есть средство «остановить мгновенье», она становится самостоятельной структурой, существующей по своим законам. В 1960-х годах Пикассо вновь работает в кубистической манере: Алжирские женщины. Его интересует сам актер, творческая, созидающая личность. Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве.
Пабло интересовало совершенно все. Пикассо возвращается в Барселону в июне 1898, там он входит в общество «Els Quatre Gats» -- богемное кафе с круглыми столами на художественные темы. Она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня. По Мане, Менины.
Иногда его называют «цирковым» и это точнее передает его содержание. Автор читателю, что не собирается в своей книге «расшифровывать» картины Пикассо и разъяснять их каждую деталь, так как это дело неблагодарное и бессмысленное. Возможно, это объясняется тем, что они были написаны вначале и только потом проработаны плечи и части фигуры.
Как студенту ему не хватало дисциплины, но приобрёл дружеские отношения, которые повлияли на его последующую жизнь. В 1907 году появилась знаменитые "Авиньонские девицы". Пикассо в 1897 году в возрасте 16 лет отправился в Мадрид. непосредственно перед «голубым периодом»), а 1904 год можно считать переходом между двумя периодами. в живописных работах он нередко возвращается к античным реминисценциям, часто в гротескной форме интерпретирует картины старых мастеров (Лас Менинас Д. Веласкеса, Расстрел Ф. Гойи), работает как скульптор (Человек с ягнёнком, бронза, 1944, Валлорис), керамист и как график использующий широкий диапазон техник (рисунок, офорт, линогравюра и др. ) и изобразительных средств. К этому миру причислял себе и сам художник. « в силу своего творческого темперамента, энергии, дара он создает не просто картины – явления». Недаром большинство персонажей картин «голубого периода» кажутся незрячими, не имею своего лица.
Он возвышается над поверженными им. Франсуазе посвящена картина "Женщина-цветок". В этом же номере впервые в Европе была опубликована копия картины Les Demoiselles («Авиньонские девицы»). Переход от сентиментализма «голубого» и «розового» периодов к инновациям, возникающим зимой и весной 1907 в этюдах к этой картине, во многом имеет контрастный характер. Это панно стало главным событием международной выставки.
Это полный дневник его жизни, его настроений, его страстей и дилемм. В этот период Пикассо первый раз отправился в Париж. Вообще, война оказала большое влияние на творчество Пикассо.
Они показаны вне игры изредка во время репетиции, чаще – в будничной жизни, семье. В результате чего картина получает второй центр тяжести за пределами полотна. (В 1953 году Франсуаза сбежала от Пикассо с двумя детьми из-за его сложного характера и постоянных измен, художник тяжело переживал это расставание, что отразилось в ряде его работ того времени – например, в серии рисунков тушью изображающих отвратительного старого карлика буффонадно контрастирующего с юной и прекрасной девушкой). Пикассо по-прежнему нищ, но его жизнь постепенно начинает становиться ярче.
То же самое выражение, одни и те же глаза, сходство лиц, аналогичные цветовые тона. На заднем плане картины изображена случайная прохожая с ребёнком и пасущаяся белая лошадь.
Кубизм развивается в совершенно ирреальные и сюрреалистические образы. После войны. Пикассо особенно восхищался произведения Эль Греко такие его элементы, как вытянутые конечности, яркие цвета и мистические лица отразились в дальнейшем творчестве Пикассо. музей современного искусства, Центр Помпиду). В работах этого периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали (Пикассо считал — «кто грустен, тот искренен») движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901 «Женщина с шиньоном», 1901 г «Свидание», 1902 «Нищий старик с мальчиком», 1903 «Трагедия», 1903). В настоящее время «Любительница абсента» хранится в Эрмитаже, попав туда из частной и весьма внушительной коллекции работ Пикассо (51 произведение) С. И. Щукина после революции. Хотя «Авиньонские девицы» «картина давно уже признанная историей как решительный переворот в искусстве ХХ века, не была воспринята как нечто значительное самыми радикальными единомышленниками» очередная выставка у Воллара с кубистскими пейзажами Пикассо и работами Брака утвердила кубизм как некую цельную пластическую систему.
Кажется, что здесь искусство Пикассо подчиняется двум противоречивым импульсом. Другая типичная картина Пикассо голубого периода – "Нищий старик с мальчиком" (см. приложение 1). В эти годы вновь проявляется характерная для творческого метода Пикассо метафоричность (цикл рисунков Человеческая комедия, 1953-54), обращение к постоянным излюбленным темам – цирку, бою быков, античной мифологии, мотивам художника и модели.
Пикассо обладал необычным даром преобразования любых отходов в шедевры. У них появляется двое детей: сын Клод и дочь Палому. Пикассо познакомился с ней в 1917 г. во время гастролей русского балета в Европе. Пабло Пикассо был человеком, далёким от политики, но события 1937 года в Испании не могли не ужаснуть его – художник написал это произведение в ответ на националистическую бомбардировку города Герники, при которой погибли 2 из 5 тысяч жителей.
С 1905 и, вероятно, уже под влиянием Сезанна, он стремится придать формам больше простоты и значительности, в меньшей степени, однако, отразившейся на его первых скульптурных работах (Шут, 1905), нежели в произведениях эллинизирующего периода (Мальчик, ведущий лошадь, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Матисс был в бешенстве. Точкой отсчета в карьере Пикассо считается его выставка у Воллара в 1901 году. Барселона.
Значительное полотно «розового периода» – «Девочки на шаре» (см. Каретников, вышедшая в 1967 году. Его предки были незначительными аристократами. В 14 Пабло Пикассо на общих основаниях поступил в Барселонскую школу искусств и ремёсел. Событие это потрясло Пикассо.
Она стала его возлюбленной, а затем второй женой в 1961 году. О смерти сам Пикассо говорил так: "Я все время думаю о Смерти. На момент поступления Пикассо было только 13 лет. Франсуаза стала прообразом картины Женщина-цветок.
Маршан сразу же увидел в никому не известном художнике потенциал. Следует отметить, что Пикассо уже в те годы прекрасно знал французскую испанскую и даже интересовался русской литературой (Тургенев, Горький). С 1904 постоянно жил во Франции. Ее портрет он написал в 1906 году. Одну из танцовщиц Дягилевской группы Ольгу Хохлову. В 1950 Пикассо был избран во Всемирный Совет Мира.
Но молодой Пикассо уже начинает говорить своим голосом. Даже большинство друзей не приняли эту работу. Работа Пикассо, помимо всего прочего, полна драматизма. К раннему периоду его творчества относятся картины, написанные в 1986 году: «Автопортрет» Пикассо, «Первое причастие» (на ней изображена сестра художника Лола), «Портрет матери» (на фото ниже).
От начала и до конца этот человек, наделенный неистощимой творческой энергией, воплощал многие парадоксы и противоречия, как в своей жизни, так и в своем искусстве, но никогда он не изменял ни себе, ни своему вдохновению. Даже более того, «стал появляться и массовый вариант кубизма: чисто внешние признаки и приемы кубистов было не так уж трудно имитировать и интерес серьезных зрителей к кубизму сопровождался модой на него. приложение 1). На полотнах абсолютно новый мир – мир комедиантов, цирковых актеров. Но сам художник в одном из своих интервью сказал: «Бык – не фашизм, бык – тупая косность».
В возрасте 7 лет Пабло Пикассо учился у своего отца технике рисования. В 1907 году появляется тоже небезызвестная работа Авиньонские девицы. Еще при жизни художника, в 1970 году был открыт Музей Пикассо в Барселоне (картины для этого музея передал сам Пикассо), а в 1985 усилиями наследников художника – уже был создан Музей Пикассо в Париже, насчитывающий более 200 картин, более 150 скульптур и несколько тысяч рисунков, коллажей, эстапмов, документов. В годы испанской революции и войны Пабло Пикассо находится в Париже.
Скульптурные произведения Пикассо свидетельствуют о мощи его незаурядной фантазии, а как график (рисовальщик, офортист, литограф, линогравёр и дизайнер в дягилевских "Русских сезонах") он считается одним из великих художников 20 века. С последней картиной, на которой изображены ужасы войны, связана одна известная история. Здесь сообща делят удачу и горечь поражений. Со второй половины 30-х гг. Страстный защитник мира, он создал своего знаменитого "Голубя мира" (1949), которого узнала и полюбила вся планета и который стал символом борьбы человечества с войной.
Значительное место не только во французской гравюре 1930-х годов, но и во всем европейском искусстве занимает так называемая «Сюита Воллара» (1933 – 1934)- Эта серия объединила офорты Пикассо на темы «Минотавромахия», «Мастерская художника», «Мастерская скульптора», а также иллюстрации к «Неведомому шедевру» Бальзака и «Метаморфозам» Овидия. Сохраняя и укрепляя свою культурную самобытность испанца, Пикассо вместе с тем «рационально» ассимилировал африканское искусство. По возвращении Пикассо завершает портрет Гертруды Стайн (Нью-Йорк, музей Метрополитен), пишет страшных, варварских обнаженных (Нью-Йорк, Музей современного искусства), а зимой работает над Авиньонскими девицами (Нью-Йорк, Музей современного искусства), картиной очень сложной, в которой сочетаются различные влияния – Сезанна испанской скульптуры и африканского искусства, которое было (хотя сам художник отрицал это) одним из основных источников кубизма (Танец с покрывалами, 1907, Санкт-Петербург, Гос.
приложение 1) на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже, а в 1951 году создает политическую картину Резня в Корее (Музей Пикассо, Париж). Еще в 1970 году, когда Пикассо был жив, был открыт музей Пикассо в Барселоне. Некоторые из них («Коза», 1950 «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. Сальмону и Аполлинеру он в первую очередь обязан, очевидно и увлечением цирком.
«Как раз в начале 1910-х годов картины Пикассо начал покупать Щукин (кстати сказать, тогда они ценились уже очень высоко, один из натюрмортов был продан за 10 000 франков. ) и они тотчас же стали известны в русских художественных кругах. Отец художника, Хосе Руис Бласко (Пикассо – это фамилия матери художника), был живописцем средней руки и преподавал в художественной школе в Малаге, затем в лицее в Ла Корунье, куда он переехал со своей семьей в 1891 и, наконец, в Художественной школе в Барселоне, где в сентябре 1895 к нему присоединился Пабло. Этот момент можно по праву назвать переходным от следования за натурой к деформации формы. Картины голубого периода (1901-04), написанные в почти монохромной гамме голубых, синих и зелёных тонов и розового периода (1905-06), в колорите которых преобладают тёплые розово-золотистые оттенки, посвященные теме трагического одиночества обездоленных (слепых, нищих, бродяг) и романтической жизни странствующих комедиантов (Старый нищий с мальчиком, 1903, Девочка на шаре, 1905, – обе в ГМИИ).
В атлете угадываются аллегория доблести, в девочке на шаре – фортуны. Большинство художественных течений отражали в себе влияние Пикассо в той или иной форме. Это для них как бы знак отличия от общей массы. То есть Пикассо не создаёт никаких временных и географических рамок.
Он был первым ребенком дона Хосе Руиса Бласко (1838-1913) и Марии Пикассо Лопес. В кубическом периоде Пикассо выделяют несколько этапов: Сезанновский кубизм, представленный в работах Бидон и миски (1908), Три женщины (1908) (см. Они жили в центре богемной парижской жизни и мекке парижских художников Бато-Лавуар?. Также в позднем творчестве художник часто обращается к женскому портрету (портреты Жаклин Рок) (см.
Договор с Канвейлером положил конец его изгнанию из Франции. "Портрет Амбруаза Воллара" (1910) (см. Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе увлечённый проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Образ быка не покидает его.
Тем не менее, Воллар выставляет Пикассо и баскского художника Итуррино. В 1925 начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Творчество для него – это процесс бесконечного познания и борьбы. приложение 1).
Марк Шагал как-то сказал, что Пикассо меняет стиль чаще, чем носки. Возникает и другой, более глубокий ряд ассоциаций, уводящий в средневековую символику. Их отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко.
Официальные биографы называют Пабло Пикассо самым знаменитым художником ХХ века. При этом напрасно искать на его полотнах цирк, цирковое зрелище. приложение 1), Портрет Канвейлера (1910).
В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис.
То же самое выражение, одни и те же глаза, сходство лиц, аналогичные цветовые тона. Они живут своим внутренним миром их тонкие «готические» пальцы познают не внешние формы предметов, а их внутренний тайный смысл. Выставка имела несколько скандальный успех, 15 картин было, однако, продано. В 1925 начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо.
Странствующая группа актеров для Пикассо – особый микромир вольных людей, где существуют искренние привязанности, где нет места корысти, обману. 26 апреля 1937 года маленький испанский городок Герника был сравнен с землей фашистской бомбардировкой и несколько тысяч людей были погребены под его развалинами. После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создает атмосферу конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 и театральной пьесе, созданной во время войны. В другом случае нужно было бы сказать – образа мира. Его гигантский труд не только обнаруживает восприимчивость создателя к проблемам и творческим и человеческим, но и рассказывает многое о Пикассо как о личности.
В течение первых пяти месяцев 1901 года Пикассо жил в Мадриде, где со своим другом анархистом Франциско де Асис-Сольером основал журнал Arte Joven («Молодое искусство»), у которого вышли пять номеров. Вступительный манифест к спектаклю «Парад», «. В серии «Мастерская скульптора» (1933) Пикассо работает в основном в технике линейного офорта.
Полное имя, которое будущий художник получил при крещении— Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано (Криспиниано) де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо. Скульптурные произведения Пикассо свидетельствуют о мощи его незаурядной фантазии, а как график (рисовальщик, офортист, литограф, линогравёр и дизайнер в дягилевских Русских сезонах) он считается одним из великих художников 20 века. музей современного искусства, Центр Помпиду). Как уже говорилось ранее совместно с Джорджем Браком, где-то в районе 1907 года он становится родоначальником кубизма вследствие того, что перешёл в своём творчестве от изображения к анализу формы и составляющих. После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создаёт атмосферу конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить отчасти влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 и театральной пьесе, созданной во время войны. Конец 20-х – начало 30-х годов для Пикассо – период самых разнообразных художественных находок, среди которых образы спокойные, классически-ясные, встречающиеся чаще всего в графике (иллюстрации к "Метаморфозам" Овидия, 1931 к "Лисистрате" Аристофана, 1934), кажутся несовместимыми с нарочитой гармонией его живописных портретов, натюрмортов, почти абстрактных декоративных полотен ("Танец", 1925 "Фигуры в красном кресле", 1932). Техника сухой иглы, дающая ровную, почти без теней и нажимов линию, подчеркивает лиризм образов его комедиантов и бродячих актеров изысканная манера исполнения ряда листов, таких, например, как «Голова женщины в профиль» (1905), сочетается с острой выразительностью характеристики.
В 1985 музей Пикассо был открыт и в Париже (отель Сале) сюда вошли работы, переданные наследниками художника, – более 200 картин, 158 скульптур, коллажи и тысячи рисунков, эстампов и документов, а также личная коллекция Пикассо. Пабло интересовало совершенно все. Даже большинство друзей не приняли эту работу. Боль и страдания за судьбу человечества никогда не покидали его творчество. Именно её образ мастер использовал для изображения войны: он создаёт множество портретов Доры, в том числе серию работ известных как «Плачущая женщина».
На исходе Второй мировой войны Пикассо вступает в Коммунистическую партию Франции. С осени 1901 года он написал несколько посмертных портретов Касагемаса, которые завершились мрачной аллегорической картиной La Vie («Жизнь») (1903), в настоящее время представлена в Музее искусств Кливленда. Творческая биография Пабло Пикассо по-настоящему экстремальна.
По Делакруа» (1955) «Менины. Недаром встреча сестер ассоциируется с Евангельской притчей о Марии и Елизавете (Встреча Марии и Елизаветы). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Произведения, созданные в 1945—1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»). Учился у своего отца – X. Руиса, в школах изящных искусств в Ла-Корунье (1894-95), Барселоне (с 1895) и Мадриде (1897-98).
Академический реализм легко различимый в работах середины 1890-х годов хорошо отображён в «Первом причастии» (1896), большой композиции, которая изображает его сестру Лолу. Тем не менее итальянское правительство запретило демонстрацию картины в Риме. То, что тревожило и мучило его, теперь требовало иных изобразительных решений. Наряду с отвлечённо-деструктивными композициями (ассамбляжи), завершающими период кубизма, он создаёт жизненно- выразительные портреты, антимодернистские по своему строю (О. Огромная игла композиционного мышления Пикассо проявляется здесь с полным блеском. Они носят более жанровый характер, часто им присущ оттенок иронии.
Оба имели сына Пауло, который вырос распущенным мотогонщиком, а позже стал шофёром отца. Франсуаза вскоре дарит ему сына Клода и дочь Палому. более правдивому, чем сама правда», весной 1917 года написал Гийом Аполлинер, заранее объявив его провозвестником «Нового духа» в искусстве. Он лишь катализатор, попуститель зла, но не источник катастрофы. В 8 лет он рисует свою первую серьезную картину маслом, Пикадор (см. Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, потому, что сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932).
Наряду с циклом великанш и купальщиц, картины, вдохновленные помпейским стилем (Женщина в белом, 1923, Нью-Йорк, Музей современного искусства), многочисленные портреты жены (Портрет Ольги, пастель, 1923, частное собрание) и сына (Поль в костюме Пьеро, Париж, музей Пикассо) являют собой одни из самых пленительных произведений, когдалибо написанных художником, даже при том, что своей слегка классической направленностью и пародийностью они несколько озадачили авангард того времени. Поражает разнообразие работ Пикассо. Этот новый период получает название «розовый». Именно в этом заключалось его основное расхождение с его другом Матиссом.
Нелегкий период войн, Ева тяжело заболевает и умирает. И деформация, к которой прибег Пикассо имела глубокое обоснование. Но Пикассо далек от создания идиллии «художник и действительность». В 1918 году пара поженилась, а уже в 1921 году у них родился сын Поль. приложение 1), Завод в Хорта де Сан Хуан (1909), Портрет Фернанды Оливье (1909) (см.
Пикассо не колеблясь избрал свое лицо, с тем чтобы вызвать нужную ему реакцию. Работы синтетического периода: Натюрморт с плетеным стулом (1911-1912), Бутылка перно (столик в кафе) (см. Достаточно взглянуть на такие полотна, как «Обнаженная женщина», «Танец с покрывалами», «Дриада», «Дружба», «Бюст моряка», «Автопортрет». Немецкая оккупация не могла испугать Пикассо: он оставался в Париже с 1940 по 1944 год.
Если взять это событие за отправную точку, то можно выдвинуть несколько гипотез, которые способны пролить свет на различные стадии, взлеты и пути развития творчества Пикассо, на то скрытое влияние, которое сказалось на его многочисленных и самых различных формах работ как до, так и после его «африканских» периодов. В Валлорисе же Пикассо занялся керамикой. Это для них как бы знак отличия от общей массы. Знаменитого – еще меньше». Предисловие к каталогу выставки пишет влиятельный критик Гюстав Кокио.
Начинается длительный период кубизма с 1909 по 1917 года. Пикассо, вначале больше других отдавший дань модным темам, очень скоро и весьма остро ощутил, что живопись обладает собственными средствами для более глубокого анализа человека – «на элементарном уровне», – который был начат несколько раньше во французской поэзии, русской литературе, немецкой философии и австрийской психиатрии. В том же году, в возрасте 14 лет, он написал «Портрет тёти Пепы», энергичное и драматическое изображение, которое Хуан-Эдуардо Сирлот назвал «без сомнения, одним из величайших во всей истории испанской живописи». В 1904 – 1905 годах он создает серию из семнадцати гравюр, выполненных в технике офорта и сухой иглы и среди них один из лучших листов «Трапеза бедняков» (1904).
Пассеистический по замыслу, как говорил Лев Бакст, занавес для Парада отмечает возникший еще в 1915 (Портрет Воллара, рисунок) возврат к реалистическому искусству, к изящному и тщательному рисунку, часто энгристскому, к монументальности форм, навеянной античным искусством (Три женщины у источника, 1921, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Информация о картине представлена так, что каждый, даже тот, кто не знает о причине (назовём это так) создания «Герники» понимает и видит, что изображено на картине. На данный момент за работы Пикассо должен был взяться арт-дилер Леон Розенберг. Небольшой городок на севере Испании был полностью стерт с лица земли весной 1937 года немецкой авиацией.
Трудно избежать сравнения. В течение нескольких лет она чувствует раздвоение Пикассо: как муж и отец он обеспечивает семью, они живут вместе, вместе проводят каникулы, он любит ребенка, они путешествуют, но как художник он ищет новые темы. Особенно явно в глаза бросается гипертрофированная рука женщины, которой она словно старается защититься. Сам он – не носитель злой воли.
В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. Полотно имеет внушительные размеры – в высоту и ширину более двух метров. Пикассо выступил здесь как художник-борец, яростный обличитель фашизма. Каталонские художники, с которыми Пикассо знакомится в кафе Четыре кота (в этом кафе пройдет его первая выставка), заново открывают Эль Греко, Сурбарана, средневековую каталонскую скульптуру, Испанию, более непосредственную и страстную, чем это допускалось официальным обучением. Недаром большинство персонажей картин «голубого периода» кажутся незрячими, не имею своего лица. Громадная композиция (28кв. м. ), написанная в течение нескольких недель в творческом порыве, связала искусство Пикассо с жизнью всех народов, сражающихся с фашизмом против будущих "Герник". Стиль становится более реалистический: яркие краски, четкие формы, правильные образы.
Персонажи произведения являются олицетворением человеческого общества вообще. В 1953 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Стиль этот Пикассо разрабатывает по возвращении в Барселону в 1903—1904 годах.
Художественная атмосфера Барселоны, в которой преобладала неординарная личность архитектора Гауди (мастерская Пикассо находилась перед домом, построенным Гауди), была весьма подвержена внешним воздействиям: Ар Нуво искусства Бердсли, Мунка и северного экспрессионизма в целом и в гораздо меньшей степени – импрессионизма и французской живописи, за исключением Стейнлена и Тулуз-Лотрека, влияние которых вскоре проявилось и в творчестве Пикассо (Танцовщица, 1901, Барселона, музей Пикассо). Другие листы этого периода – «Акробаты» (1905), «Саломея» (1905), выполненные главным образом сухой иглой, близки живописным произведениям Пикассо этого времени. Но однажды, доверив Пабло дописать довольно большой натюрморт, он был настолько поражен техникой сына, что, по легенде, сам бросил заниматься живописью.
Тем не менее, на первой выставке группы сюрреалистов в 1925 году Пикассо выставил работы в стиле кубизм понятие «психический автоматизм в его чистом виде», установленное в Manifeste du surralisme («Манифест сюрреализма»), никогда полностью его не интересовало. Большая часть работ была сожжена, чтобы обогреть маленькую комнату. Трагическая античная маска со светильником, врывающаяся в этот хаос, кричащая от боли и ужаса, не случайно воспринимается как символ музы художника. Наиболее исчерпывающую информацию о жизни и творчестве Пикассо я получила из книги Н. А. Дмитриевой «Пикассо». Руис убедил чиновников в Академии разрешить его сыну сдать вступительный экзамен.
При этих обстоятельствах в начале 1902 года он начал делать работы в стиле, впоследствии названном «голубой период». Позже «Гернику» станут воспринимать как предчувствие Хиросимы, затем – Второй Мировой войны. В них художник словно бросает вызов миру благополучных и равнодушных толстосумов и мещан. Былые привязанности были исчерпаны. Впоследствии художник уже не возвращается к офорту с таким почти документальным изображением, часто употребляя, как в резцовой гравюре, перекрестный штрих, создающий большие плоскости теней или черного цвета (бутыль, темная одежда и шляпа мужчины, волосы женщины, тень фона).
С 1905, хотя темы и остаются прежними (все те же странствующие бродяги, циркачи), колорит становится прозрачнее, пространство заполняется розовато-голубоватой или золотистой дымкой, контуры рисунка делаются мягче, общее настроение – лиричнее. Накануне кубизма. Он создает своих излюбленных персонажей – кентавров, фавнов, быков, голубей, женщин, делает антропоморфные кувшины. Но и не более того.
Но ведь там ещё есть светоч светлой женщины, значит, как у Элюара «отчаяние раздувает огонь надежды». Но ей это удалось. Его «Герника» (1937) – один из первых откликов на преступления фашизма.
Некоторые из них (Коза, 1950 Обезьяна с малышом, 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. После войны он находится в первых рядах борцов за мир и демократию. В Валлорисе художник начал в 1954 году серию портретных изображений «Сильветт»1920. Здесь сообща делят удачу и горечь поражений. Произведения периода сюрреализма: «Танец», «Женщина в кресле» (на фотографии ниже), «Купальщица», «Обнаженная на пляже», «Сон» и т. д. После того как отгремели войны и мир пришел в относительное равновесие, восстанавливая все, что было разрушено, творчество Пикассо тоже обрело более счастливые и яркие краски. Вскоре в рисунках Пикассо не только фигура, но и лицо распадается на отдельные элементы.
Звали его Хосе Руис. Его гражданская позиция совершенно ясна. В то же время требования к творчеству Пикассо ещё выше и, хотя понимание его творчества становится более полным по мере того, как многочисленные исследования постепенно раскрывают его нам и публика всё больше знакомится с этим искусством, которое, как мне кажется, её захватывает и всё же они временами ощущают его как некое насилие или агрессию тем более непонятные, что они регулярно уступают место спокойным периодам. Даже книга её названа просто «Пикассо» – без всяких разъяснений. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приёмы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921).
В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Когда в мае 1907 Пикассо случайно зашел в Этнографический музей в Париже (ныне Музей Человека) в старом дворце Трокадеро и впервые увидел маски народов Африки, Океании, Карибского бассейна и Америки, на него все это произвело огромное впечатление. Затем семья перебралась в один из красивейших городов – Барселону. Каталонские художники, с которыми Пикассо знакомится в кафе "Четыре кота" (в этом кафе пройдет его первая выставка), заново открывают Эль Греко, Сурбарана, средневековую каталонскую скульптуру, Испанию, более непосредственную и страстную, чем это допускалось официальным обучением. В послевоенный период Пикассо вновь обращается к теме античности, которая у него часто переплетается с испанскими мотивами, как, например, в литографиях «Игра в быка» (1954), «Танцы» (1954), «Танец с бандерильями» (1954), «Три женщины и тореро» (1954). Пикассо уставший от его любовницы Доры Маар, начал жить вместе с Жило.
«Свобода оборачивалась зависимостью, с которой могли мириться лишь посредственности. В свои законные права «голубой» период его творчества вступал постепенно, проявляя себя жесткими контурами фигур и утерей трехмерности изображения, уходом от классических законов художественной перспективы. Барселона больше не давала художественных импульсов, была исчерпана тема "дна" жизни. Некоторые из них («Коза», 1950 «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа.
«Размах воображения и усталость, быстро наступающая у Пикассо после увлечения любой пластической системой, заставили его еще в начале века смоделировать путь едва ли не всего столетия». Каковы бы ни были намерения автора, результат этого пластического анализа и последующего синтеза, лаконичные конструкции, в которые он претворяет лица и фигуры своих моделей, – конкретный образ, соотносимый с тем, который, трансформируясь именно так, как это нам показывает художник (от человека «простого» к просто человеку), находится в начале 20 в. в центре искусства, литературы, философии идеологии. С творчеством импрессионистов Пабло познакомился позднее, после того как уехал в Париж. Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Эрмитаж). В то время он развивал новые образы и формальный синтаксис для эмоционального выражения себя, «выпуская насилие, психические страхи и эротизм, которые в значительной степени подавлялись или сублимировались в нём с 1909 года», – пишет историк искусства Мелисса Маккуиллан.
Они живут своим внутренним миром их тонкие «готические» пальцы познают не внешние формы предметов, а их внутренний тайный смысл. Послевоенное творчество Пикассо можно назвать счастливым он сближается с молодой Франсуазой Жило, с которой познакомился в 1945 и которая подарит ему двоих детей, дав таким образом темы его многочисленных очаровательных семейных картин. Обучение Пикассо под руководством отца началось до 1890 года. Они показаны вне игры изредка во время репетиции, чаще – в будничной жизни, семье.
Он практически слился в одно целое со своим постаментом, олицетворяя неподвижность и постоянство. Но смысл новых исканий художника был, разумеется, отнюдь не в изменении его текстуры. Читатель видит фотографию уцелевшей жительницы города на развалинах «Герники».
Кроме того, стоит отметить следующие работы Пабло Пикассо: «Женщина в рубашке», «Туалет», «Мальчик, ведущий лошадь», «Акробаты. Период неоклассицизма 1918-1925 года. Сотрудничество Пикассо с Русскими балетами (декорации и костюмы для Треуголки, 1919) воскрешает в нем интерес к декоративизму и возвращает его к персонажам своих ранних работ (Арлекин, 1913, Париж, Нац.
В это же время он начинает работать с керамикой, создавая множество декоративных кувшинов, блюд, тарелок, статуэток (фото представлено выше). Здесь уже в полной мере использован принцип архитектурного сочленения. В 1934 году Пикассо повторил композицию в технике офорта.
Это знак злодеяния, абсолютного против законов природы. Причины нового поворота Пикассо в художественных концепциях далеко не однозначны. В монохромную голубизну полотен Пикассо вторгаются разные тени, становясь господствующими.
Возникает и другой, более глубокий ряд ассоциаций, уводящий в средневековую символику. Она будет все больше места в его творчестве. В 1947 году Пикассо переезжает на юг Франции в город Валлориес. Эта провинциальная и романтическая интеллигенция была глубоко пронизана социальными интересами и отличалась настоящей необузданностью анархических кругов. Светлые и тёмные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара.
Другая типичная картина Пикассо голубого периода – Старый еврей с мальчиком (см. Манцу, Х. Эрни. А уже в 1907 году его творчество выставляется в не менее авторитетной Нью-Йоркской «галерее 291» Тем не менее, голубой, а затем «Розовый период отнюдь не связан с процветанием Пикассо.
Он откликался на все актуальные события времени. Его искусство приобрело всеобщую значимость как выражение триумфов и трагедий, жизненной силы и беспокойных исканий человека ХХ века. «Розовый период» (1904 – 1906) характеризуется более веселым стилем, оранжевыми и розовыми цветами и изображением циркачей, акробатов и арлекинов известных во Франции как «saltimbanques».
А. С. Пушкина Семейство комедиантов, Вашингтон, Нац. Ключевыми в этот период для мастера стали такие слова, как одиночество, страх, вина, боль. По Мане (1960). В 1937 году симпатии Пикассо— на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Фрнко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолётов над позициями франкистов).
Испанцы плакали на выставке, стоя перед "Герникой". Среди них— Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937). Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике Мадура в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных (Кентавр, 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Мать и сын», «Девочка с козлом». Первые поездки в Париж.
Они примыкают к серии работ, где героями выступают нищие, слепцы, калеки. В "кубическом" периоде Пикассо выделяют несколько этапов: "Сезанновский" кубизм, представленный в работах "Бидон и миски" (1908), "Три женщины" (1908) (см. Наиболее характерным произведением этого периода стала «Девочка на шаре». В Валлорисе же Пикассо занялся керамикой. Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на Ольге Хохловой, успех художника в обществе— все это отчасти объясняет этот возврат к фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты («Мандолина и гитара», 1924). В "Свидании" и "Любительнице абсента" проступают еще первоисточники (парижская школа искусства).
С одной стороны— коммунист, прогрессивный деятель, борец за мир и трогать его было опасно с другой Дело не в том, что, с их точки зрения, он был «буржуазный формалист», с этим еще можно было примириться, главное— он был великий мастер и при сопоставлении с его работами все великие достижения советского искусства меркли и отбрасывались на столетие назад. В возрасте 7 лет отец поручал ему дописывать лапки голубей на своих картинах. К тому же, его картины не покупали. Работа по своим размерам была 8 метров в длину и 3, 5 в ширину. Все персонажи находятся в статике и между ними не наблюдается какой-либо внутренней близости, каждого сковало внутреннее одиночество – тема всего «розового» периода. Для нее и себя он покупает виллу в Каннах. Разрушение Герники стало символическим убийством национального достоинства целого народа.
Тем не менее, после «Авиньонских девиц», вторым произведением, утвердившим его как одного из самых значительных художников ХХ века, стала написанная в 1937 году и выставленная в испанском павильоне Всемирной Выставки в Париже в том же 1937 году «Герника». В 1906 году он начинает писать портрет Гертруды Стайн. Наряду с элементами стиля модерн (ср., например, в Странствующих гимнастах рисунок пальцев рук, завитков волос, характерный для этого стиля) в его работах появляются широкие плоскости, покрытые одним цветом, признаки статичности в лицах и фигурах. Техника исполнения литографий Пикассо отличается необыкновенным разнообразием.
Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы: обои, куски газет, спичечные коробки. В Свидании и Любительнице абсента проступают еще первоисточники (парижская школа искусства). Один из признанных шедевров «розового» периода – «Семейство комедиантов» (на фото выше).
Этот новый период получает название «розовый». Он отошел от изображения конкретного человека. В Прадо размещены картины Диего Веласкеса, Франсиско Гойя и Франсиско Сурбарана. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 (Три музыканта, 1921, Нью-Йорк, Музей современного искусства).
Все это проявилось в многочисленных литографиях (ок. Одним из отличительных качеств этого революционного художника было то, что он постоянно возвращался к традиционному, снова бросая вызов работам великих художников прошлого. В 1949 году Пикассо рисует своего знаменитого Голубя мира (см.
«Да, думал я, это здорово. Портрет Амбруаза Воллара (1910) (см.
Это помогает ему выбраться из финансовой ямы. Выдержанное в основном в белых, черных и серых тонах, полотно по своей выразительности превосходит иную многокрасочную картину. Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения («Портрет художника, в подражание Эль Греко», 1950) и элементы тавромахии (Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968). В 1961 году почти 80-летний Пикассо женится на 34-летней красавице Жаклин Рок.
Эту картину можно назвать первой знаковой работай в направлении кубизма. Это зло, разлившееся в атмосфере XX века. Этот образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет главную тему Герники, самого знаменитого его произведения, которое он пишет через несколько недель после разрушения немецкой авиацией маленького басского городка и которое знаменует начало его политической деятельности (Мадрид, Прадо до 1981 картина находилась в Нью-Йорке, в Музее современного искусства).
Среди наиболее известных его работ находятся картины в стиле протокубизм такие как «Авиньонские девицы» (1907), «Герника» (1937) и изображение бомбардировки Герники немецкими и итальянскими ВВС по приказу испанского националистического правительства во время Гражданской войны в Испании. Матисс был в бешенстве. Но молодой Пикассо уже начинает говорить своим голосом.
В их работах он находит созвучную его тогдашним настроениям и исканиям психологическую выразительность, символичность цвета, острую экспрессию форм, возвышенную одухотворенность образов. Однако напрасно искать на его полотнах цирк, цирковое зрелище. Он оставил после себя более 80 тысяч работ (по другим сведениям около 20 тысяч). О смерти сам Пикассо говорил так: Я все время думаю о Смерти. Иногда его называют «цирковым» и это точнее передает его содержание.
Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Если в 1930-е годы художник работал преимущественно в офорте, то в 1940 – 1960-е годы он обращается к литографии и линогравюре, работает над ставшими известными всему миру литографиями-плакатами для Конгресса мира в Париже – знаменитой «Голубкой» (1949) и плакатом для Венского конгресса в защиту мира. Розовый период идет с 1904 по 1906 годы. В результате чего картина получает второй центр тяжести за пределами полотна.
приложение 5). Причины нового поворота Пикассо в художественных концепциях далеко не однозначны. В возрасте 7 лет отец поручал ему дописывать лапки голубей на своих картинах.
Огромная игла композиционного мышления Пикассо проявляется здесь с полным блеском. В основном натюрморты.
"Две сестры" явились одним из первых произведений этого периода. В середине 10-х гг. Она получает отражение в офорте и в литографии. Значительное полотно «розового периода» – «Девочки на шаре» (см.
"Мать и дитя" (1922), портрет сына Поля (1923) являются характерными произведениями того времени. Пикассо в те годы открывает для себя Эль Греко и Моралеси. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами были странствующие комедианты, танцовщики и акробаты картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробатов с обезьяной», 1905). В их работах он находит созвучную его тогдашним настроениям и исканиям психологическую выразительность, символичность цвета, острую экспрессию форм, возвышенную одухотворенность образов. Так же не колористическая или психологическая, но сугубо пластическая интерпретация модели сохраняется и тогда, когда Пикассо, после знакомства с Ж. Кокто и С. Дягилевым (1915) и работы над декорациями и костюмами к театральным постановкам Парад, Русский балет (1916–1919), вступает в новый, так называемый неоклассический период.
Однако отец смог добиться того, чтобы его допустили к вступительным экзаменам на конкурсной основе, с которыми он справился блестяще. Мадрид хранил много других достопримечательностей. Они – и в особенностях его неугомонного таланта и во влияниях среды. гал. ). Он все еще живет в «Бато-Лавуар», уже знаменитом, но по-прежнему нищем и запущенном». приложение 1), с которой он не расставался в течение всей жизни.
В атлете угадываются аллегория Доблести, в девочке на шаре – Фортуны. В творчестве у Пикассо произошли изменения, от кубизма как такового он уже отошел. В этих обстоятельствах в начале 1902года Пикассо стал писать в стиле, по которому впоследствии период творчества художника в Барселоне в 1903—1904 годах был назван «голубым». В настоящий момент картина хранится в Музее современного искусства города Нью-Йорка. На занятиях лекторской практики мы учимся общаться с аудиторией.
В 1907 году появилась знаменитые Авиньонские девицы. Для Пикассо жизнь и искусство едины. На мой взгляд, это справедливо в отношении всего современного искусства. Наивысшей работой стало произведение Герника в 1937 году. Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, потому, что сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932, вдохновляла его на откровенную чувственность (Зеркало, 1932, частное собрание). приложение 1), с которой он не расставался в течение всей жизни.
В ней нет уже былой гармонии, свойственной листам «Сюиты Воллара». Наряду с циклом великанш и купальщиц, картины, вдохновленные «помпейским» стилем («Женщина в белом», 1923), многочисленные портреты жены («Портрет Ольги», пастель, 1923) и сына («Поль в костюме Пьеро») являют собой одни из самых пленительных произведений, когда-либо написанных художником, даже при том, что своей слегка классической направленностью и пародийностью они несколько озадачили авангард того времени. Пикассо – первый художник, обладающий всеми качествами художника нового времени. В своей книге 1964 года «Жизнь с Пикассо» Жило описывает его жестокое обращение и бесчисленные измены, которые привели к тому, что она бросила его, забрав детей. Стиль этот Пикассо разрабатывает по возвращении в Барселону, в 1903—1904 г. В работах этого периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали (Пикассо считал — «кто грустен, тот искренен») движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901 «Свидание», 1902 «Нищий старик с мальчиком», 1903). Несмотря на то что Пикассо работал кистью, это был тем не менее рисунок. Пикассо – истинный вдохновитель почти всех художественных направлений двадцатого столетия. Сюрреализм возродил тягу Пикассо к примитивизму и эротизму.
Когда в 1973 г. Пикассо умер в возрасте 91 года, после него осталось около 200000 картин, гравюр, скульптур, рисунков, конструкций, коллажей. Считается, что в это время Пикассо еще не был знаком с африканской скульптурой. В целом, более радостное настроение.
Это был самый тяжелый период в жизни начинающего художника. «Две сестры» – характерная во всех отношениях работа «голубого периода». Он трансформировал искусство так, как никто другой в этом веке. С середины 1900-х гг.
Несмотря на то, что Пикассо был крещеным католиком, позже он стал атеистом. Еще при жизни художника, в 1970 году был открыт Музей Пикассо в Барселоне (картины для этого музея передал сам Пикассо), а в 1985 усилиями наследников художника – уже был создан Музей Пикассо в Париже, насчитывающий более 200 картин, более 150 скульптур и несколько тысяч рисунков, коллажей, эстапмов, документов. Также в конце "розового периода" появились "античные" картины – "Мальчик, ведущий лошадь" (1906), "Девочка с козлом" (1906) и другие. Сходство этого листа с живописными работами Пикассо раннего периода несомненно, но та бесконечная поэзия печали, которая так характерна для его «голубого периода» живописи, выступает здесь благодаря чуть жестковатой манере его офорта особенно значимо. В 1930—1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создаёт их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса— «Конструкция», 1931).
Его семья была среднего класса. Тем не менее, картины Пикассо хорошо распродавались. Здесь несколько подэтапов. Первая выставка работ произошла в Барселоне в июне 1989, в кафе Els Quatre Gats. Былые привязанности были исчерпаны. приложение 1), "Портрет Канвейлера" (1910).
Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950). Сильные юноши стремительно идут навстречу зрителю, готовые к действию. Однако и здесь он задержался всего лишь на семь месяцев. Вначале таким отдельным от всего остального предметом становится голова. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931).
Присущие раннему эклектичному творчеству Пикассо мягкий колорит, правильные пропорции и пространственная перспектива, эмоциональная окрашенность и психологическая характеристика персонажей (это преимущественно простые люди: рабочие, странствующие актеры, нищие, калеки и т. п. ) сменяются вариациями на тему человека, лишенного конкретных социальных, психологических и прочих характеристик: абстрактные статичные положения и позы, резкие, нарочитые цветовые сочетания, «неумелые» контуры фигур, асимметрия, ломаные линии, увеличенные, грубо заштрихованные детали, утрированно свободное обращение с пространственной перспективой и пропорциями. приложение 2) явились одним из первых произведений этого периода. Среди них – Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами (Плачущая женщина, 1937, Лондон, бывшее собрание Пенроуз). Хотя Пикассо покинул Испанию в молодом возрасте и уехал во Францию, где провел почти три четверти своей жизни, по своим привычкам, темпераменту и взглядам он всегда оставался испанцем (может быть величайшим гением которого дала эта страна миру).
Вместе с признанием росла и стоимость его работ. А в 1904 году переехал туда жить.
Там же Пабло в течение года проходил обучение в местной школе искусств. Именно так и случилось с Пабло Пикассо, произведения которого теперь известны всему миру. В "Девочке на шаре" (1905) различие, даже противоположность и вместе с тем взаимосвязь двух образов достигается контрастным сопоставлением двух разных силуэтов (легкость и хрупкость девочки и тяжеловесность мужчины).
Но, пожалуй, самым ярким образцом африканского этапа творчества Пикассо является картина «Авиньонские девицы» (на фото выше), над которой мастер трудился около года. В 1911 году осенью художник расстается с Фернандой, т. к. Период этот длился до 20-х годов.
Голубой и розовый периоды. Лошадь в центре картины олицетворяет народ. Но сказать так, значит не сказать ничего. Юный художник благополучно рос в городе, который со временем считал настоящим домом.
Важны только находки. Многих удивляло в «Автопортрете художника с палитрой» близкое сходство его с двумя центральными фигурами, взгляд которых предаётся остальным участникам композиции Авиньонских девиц. И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Спустя еще четыре года родители приняли решение устроить его в лучшую на тот момент передовую школу искусств – «Сан Фернандо» в Мадриде. Я думаю, что это самое важное, что нужно осмыслить.
По Курбе» (1950) «Алжирские женщины. В краткой энциклопедии современного искусства в разделе «Война» рассказывается о панно «Герника». В 1958 году Пикассо был уже очень известе в мире. Тейт) мы попадаем в атмосферу конвульсий и истерии, в ирреальный мир гал люцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, влиянием несомненным и сознательным, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 и театральной пьесе, созданной во время войны. Он пишет работы Мечты и ложь генерала Франко, Плачущая женщина, Ночная рыбалка на Антибах.
За свою активную творческую деятельность он нарисовал около 80 тысяч работ. Весной 1904 г. Пикассо окончательно поселяется в Париже на Монмартре. Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. После эпикурейского изящества 1920-х (Танец, Лондон, гал. В них художник словно бросает вызов миру благополучных и равнодушных толстосумов и мещан.
При крещении Пикассо дали имя Пабло, Диего, Хосе, Франсиско де Паула, Хуан Непомусено, Мария де лос Ремедиос, Сиприано де-ла-Сантисима Тринидад, ряд имён в честь различных святых и родственников. Но он прославился не только феноменальным объемом и разнообразием своих работ. «Две сестры» – характерная во всех отношениях работа «голубого периода».
Однако кубизм не получил в гравюре Пикассо сколько-нибудь оригинального решения. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неровны по качеству (Мастерская в Каннах, 1956, Париж, музей Пикассо). Общественный резонанс произведения Пикассо был огромен. Самая ранняя картина Пабло Пикассо – Пикадора, которая была написана в 8 лет.
На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ (Сидящая купальщица, 1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), орущих (Женщина в кресле, 1929, Париж, музей Пикассо), раздутых до абсурда и бесформенных (Купальщица, рисунок, 1927, частное собрание) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы (Фигуры на берегу моря, 1931, Париж, музей Пикассо). По Мане» (1960). Все они демонстрируют зрителю красоту и редкую для картин художника безмятежность. По Мане» (1960). Почти в каждый период своего творчества Пикассо обращался к гравюре.
На лице прежде и разительнее всего меняется способ изображения носа. Там он плодотворно провел время, успел посетить все музеи. В работах этого времени ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903 Пикассо считал: «кто грустен, тот искренен») движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901 «Женщина с шиньоном», 1901 «Свидание», 1902 «Нищий старик с мальчиком», 1903 «Трагедия», 1903). В них художник словно бросает вызов миру благополучных и равнодушных толстосумов и мещан.
В искусстве столь крутой поворот нуждался не только в творческой энергии. Конечно, в "Гернике" нет ничего от конкретного города басков, нет ни самолетов, ни убийц. И оставил работу над портретом». В 1956 году на французские экраны вышла документальная лента о художнике «Таинство Пикассо». Новые дары наследников (1990) обогатили парижский музей Пикассо, Городской музей современного искусства в Париже и несколько провинциальных музеев (картины, рисунки, скульптуры, керамика, гравюры и литографии).
Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры (Человек с агнцем), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи (Натюрморт с бычьим черепом, 1942, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный РейнВестфалия). По Делакруа, Завтрак на траве. Былые привязанности были исчерпаны. Несмотря на свой юный возраст, Пабло поступает в Барселонскую школу изящных искусств (известную под названием Ла-Лонха).
Среди них— Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937). Также в позднем творчестве художник часто обращается к женскому портрету (портреты Жаклин Рок) (см. Месяцем позднее он уезжает вместе со всей труппой Русских балетов на два месяца в Рим, где выполняет декорации, костюмы, знакомится с балетмейстером «Парада» Леонидом Мясиным и многими балетными артистами русской труппы. Другая типичная картина Пикассо голубого периода – Нищий старик с мальчиком (см. приложение 1). Это Ольга Хохлова – одна из самых красивых балерин труппы. Выходит несколько работ с ним, причем, для художника Минотавр ассоциируется с войной, смертью и разрушением. и оставил работу над портретом.
(Впервые это появляется в портрете Гертруды Стайн. ) Самостоятельной, отдельной от тела жизнью живут почти все мужские головы подготовительных этюдов. Пабло Пикассо (Пабло Руис-и-Пикассо) – знаменитый испанский художник, вместе с Ж. Браком является основателем течения "кубизм" в живописи.
По просьбе товарища Луи Арагона, возглавлявшего еженедельник компартии Lettres franaises, Пикассо даже нарисовал портрет Сталина для передовицы номера, посвящённого смерти Вождя народов. Они обвинили Пикассо в том, что тот посмел исказить черты «Великого Сталина» и возмущённо требовали напечатать опровержение. Две сестры явились одним из первых произведений этого периода. Канвейлер был среди первых кураторов Пабло Пикассо, Жоржа Брака и кубизма, который они совместно разработали. Соединение геометрических и человеческих фигур в Девочке на шаре (1905) делает эту картину прологом к тем инновациям, которые через два года войдут с кубизмом в мировое искусство. В классических скульптурах члены всегда маленькие.
приложение 1), Ольга в меховом воротнике 1923. Я перестал вас видеть, когда смотрю на вас, – сказал он в ярости. Анализируя «Геранику» в терминах пластического искусства, видно, что картина закрыта снизу, ограничена по бокам и открыта сверху. По Курбе (1950, Базель, Художественный музей) Алжирские женщины. Работы периода: Скрипка и гитара, Натюрморт с плетеным стулом, Бутылка перно (столик в кафе). Она состот из 27 пано и картин.
В 1937 симпатии Пикассо— на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Франко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолетов над позициями франкистов). Его влекли теперь нравственные ценности другого порядка. Она вдохновляет его на серию портретов, на которых можно увидеть ее точеный профиль сфинкса.
Именно она и привлекла внимание Пикассо. В 1949 году Пикассо рисует своего знаменитого "Голубя мира" (см.
Юному Пикассо на тот момент было 14 лет и он был слишком молод для того, чтобы учиться в Ла-Лонху (школа изящных искусств). Он характеризуется переломным моментом в творчестве Пикассо. «Голубой период» Пикассо (1901-1904) характеризуется мрачными картинами, представленными в оттенках синего и сине-зелёного, которые лишь изредка согреты другими цветами. В дальнейшем Пикассо еще раз приезжал в Париж в 1901 году. С ранних лет Пикассо показывал страсть и способности к рисованию.
В 1904 году Пикассо знакомится с моделью Фернандой Оливье. Это была самая престижная академия искусств в Испании. Потом он учился в различных школах искусств, среди которых были такие, как: школа изящных искусств в Барселоне, школа в Ла-Корунье. приложение 7), выполненная в Париже в 1906 году.
Но однажды, доверив Пабло дописать довольно большой натюрморт, он был настолько поражен техникой сына, что, по легенде, сам бросил заниматься живописью. Никогда еще женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточенностью увенчанные нелепыми шляпами, лица изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо»И. Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо.
Теперь он начинает жить какой-то своей собственной, отдельной жизнью. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и не ровны по качеству («Мастерская в Каннах», 1956). Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950). Его интересует сам актер, творческая, созидающая личность.
Скандальная картина, название которой дал поэт А. Сальмон, была первым шагом живописи на пути к кубизму, а многие искусствоведы считают ее отправной точкой современного искусства. Он переписывал его около восьмидесяти раз и, по воспоминаниям самой Гертруды Стайн (см. Работы "синтетического" периода: "Натюрморт с плетеным стулом" (1911-1912), Бутылка перно (столик в кафе) (см. Фернанда Оливье Знаменитую "Девочку на шаре" (1905) относят к переходным картинам между "голубым" и "розовым" периодами.
Он становится видным деятелем Народного фронта во Франции, активно участвует в борьбе испанского народа с фашизмом (1936-39). Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период (Девушка перед зеркалом, 1932, Нью-Йорк, Музей современного искусства).
Это были времена крайней нищеты, холода и отчаяния. В 8 лет он рисует свою первую серьезную картину маслом, Пикадор (см. Он не видит иного способа отобразить красоту женщины, которую любит. Полотном "Авиньонские девушки" (1907) Пикассо, как уже было сказано, отметил рождение кубизма. Образование.
Оно питалось многими источниками прошлого, включая работы его великих испанских предшественников. А он творил более 70 лет. По Курбе», 1950 «Алжирские женщины. Сама его жизнь, не только творчество, характеризовала его как «homo ludens».
Контакты с сюрреализмом. Он оставил после себя более 80 тысяч работ (по другим сведениям около 20 тысяч). Этот период начался или в Испании в начале 1901 года или в Париже во второй половине года. Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Богемный круг Парижа буквально раскололся на два лагеря: «за» и «против».
В этот период классический портрет доминирует в творчестве Пикассо. По словам матери, его первыми словами были «piz, piz», сокращение от «lpiz», что в переводе с испанского означает «карандаш». Затем «Герника» стала образом угрожающей человечеству глобальной гибели. В Валлорисе художник начал в 1954 году серию портретных изображений «Сильветт». В палитре мастера преобладают голубые оттенки.
Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Между прочим, автором этой статьи был вовсе не какой-то маргинальный критик, а вполне респектабельный Лео Польдес, владелец картинной галереи «Клуб де Фобур». Пикассо отказался от оплаты в 100000, пожертвовав всю сумму жителям города. Живопись начала 20-х – такие картины, как Женщины, бегущие по пляжу, Флейта Пана, Портрет Ольги Хохловой, построены на контрасте холодного (синего, голубого) и теплого (красного, коричневого, терракотового) тонов. Oливье появляется во многих его картинах «розового периода», на большую часть из которых повлияли их тёплые отношения, наряду с интенсивным изучением французской живописи.
Но молодой Пикассо уже начинает говорить своим голосом. По Веласкесу» (1957) «Завтрак на траве. В 1906 году Пикассо работал над портретом Гертруды Стайн?.
Обыгрывается контраст движения и неподвижности. Многих удивляло в «Автопортрете художника с палитрой» близкое сходство его с двумя центральными фигурами, взгляд которых предаётся остальным участникам композиции "Авиньонских девиц". Так же среди работа этого периода Девочка с козлом и Мальчик, ведущий лошадь. Пикассо Пабло (Picasso собственно Руис-и-Пикассо, Ruiz у Picasso) (1881-1973), французский художник.
Международная премия Мира (1950) и Международная Ленинская премия За укрепление мира между народами (1962). Он вновь посещал Париж в 1901 и в 1902 году и уже окончательно перебрался туда к 1904 году. Человеконенавистническая сущность фашизма разоблачается Пикассо в серии Мечты и ложь генерала Франко (акватинта, 1937), гневным протестом против фашистского террора является панно Герника (1937, Прадо).
Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к Метаморфозам Овидия (1930) и Аристофану (1934) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Грандиозный скандал 18 мая 1917 года, состоявшийся на премьере (и единственном представлении) этого балета в театре Шатле немало способствовал подъёму популярности Пикассо в широких кругах парижского бомонда. Здесь в работах преобладают розовые, ораньжевые цвета.
Первые значительные произведения Пикассо создал уже в начале 1900-х гг. И фашизм здесь показан не в лице Гитлера или Франко, а как нечто более широкое. Он был почти уничтожен после налета фашистской авиации 1 мая 1937 года. Или ещё: «Все пытаются понять живопись. В «Девочке на шаре» Пикассо особо ассоциативен и метаморфичен.
Минотавр и Герника. Резким контрастом по отношению к этим произведениям являются многие работы 20-30-х гг., отмеченные безудержной трансформацией действительности (Танец, 1925, частное собрание), полемической эстетизацией безобразного (Женщина на пляже, 1930, Музей современного искусства, Нью-Йорк). В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо.
Сальмону и Аполлинеру он в первую очередь обязан, очевидно и увлечением цирком. Пикассо возвращается в Барселону в июне 1898, там он входит в общество «Els Quatre Gats» — богемное кафе с круглыми столами на художественные темы. Он воспользовался возможностью, чтобы сделать несколько рисунков композитора. Осенью 1944 он публично заявляет о своем вступлении в коммунистическую партию, но кажется, не проникается ее идеями настолько, чтобы выражать их в своих крупных исторических произведениях, чего, вероятно, ждали от него его политические товарищи (Резня в Корее, 1951, Париж, музей Пикассо).
Многих удивляло в «Автопортрете художника с палитрой» близкое сходство его с двумя центральными фигурами, взгляд которых предаётся остальным участникам композиции "Авиньонских девиц". Эта исследовательская работа помогла мне правильнее понять его. Он создаёт классически ясные, глубоко человечные образы (Три женщины у источника, 1921, Музей современного искусства, Нью-Йорк, Мать и дитя, 1922, Художественный музей, Балтимор иллюстрации к Метаморфозам Овидия, офорт, 1931, серия Мастерская скульптора, входящая в Сюиту Воллара, офорт, 1933-34), портреты современников, людей из народа (рисунки – Рыбак, карандаш, 1918 Отдыхающие крестьяне, перо, 1919). Первый выпуск был опубликован 31 марта 1901 года, когда художник начал подписывать свои работы «Пикассо» прежде он подписывал их «Пабло Руис и Пикассо». Художник в 1937 году создает полотно «Герника» в черно-белых тонах по заказу правительства Испании для Всемирной выставки в Париже.
приложение 1) на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже, а в 1951 году создает политическую картину "Резня в Корее" (Музей Пикассо, Париж). Уберите один из компонентов картины – произойдет катастрофа. Правда этот переход в работе Пикассо обусловлен кубизмом и его пространственными отношениями, как пишет Маккуиллан «объединение ритуала и порыва в изображении напоминает примитивизм «Авиньонских девиц» и неуловимый психологический резонанс его символических работ». Фигуры массивны, тяжеловесны, лепка их нарочито огрублена. Образы на его картинах вновь стали чувственными и наполнились жизнью, яркостью в противовес персонажам «голубого» этапа творчества. В 1961 году почти 80-летний Пикассо женится на 34-летней красавице Жаклин Рок.
Оно выражается в специфическом огрублении живописной фактуры, «опрощении» стиля. Его влекли теперь нравственные ценности другого порядка. творчество Пикассо всё сильнее пронизывают отзвуки современных событий. По Делакруа (1955) Менины.
Трудно избежать сравнения. Это был мир мечты художника идеальный мир свободных и гордых людей. Фигура составлена из нескольких самостоятельных объемов: голова (шар), руки (прямоугольник), спина (треугольник) и отделенные от туловища, четко очерченные как самостоятельные объемы ноги. Он создает для здания ЮНЕСКО в Париже композицию Падение Икара. Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения («Портрет художника, в подражание Эль Греко», 1950) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968). Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил это прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность (Рыбная ловля ночью на Антибах, 1939, Нью-Йорк, Музей современного искусства), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов (Майя и ее кукла, 1938, Париж, музей Пикассо).
Странствующая группа актеров для Пикассо – особый микромир вольных людей, где существуют искренние привязанности, где нет места корысти, обману. Большую часть литографий этого времени Пикассо создал сразу после войны.
Причем классические персонажи бродячего цирка – личность, клоуны, арлекины. приложение 3). На Родине создаются шедевры «голубого» периода: «Две сестры (Свидание)», «Старый еврей с мальчиком», «Трагедия» (фото полотна выше), «Жизнь», где еще раз возникает образ погибшего Касагемаса. приложение 1), (1912) Скрипка (1913). По ее образу он создает серию портретов.
Картины, ознаменовавшие начало нового периода, впервые были выставлены в конце зимы 1905 году в галерее Серюрье – это «Сидящая обнаженная» и «Актер». Там он занимается росписью уже в 1952 году старой капеллы. На полотнах абсолютно новый мир – мир комедиантов, цирковых актеров. В 1985 году наследники художника открыли музей Пикассо в Париже. Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе увлечённый проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. В произведении "Война" (которое, как и панно "Мир", художник делает для Храма Мира в Валлорисе 1952) Пикассо также не изобразил ни пушек, ни танков, ни трупов.
Стиль этот будет развиваться уже в Барселоне, когда художник возвратиться. В возрасте 13 лет Пабло Пикассо с блеском поступил в Барселонскую Академию художеств. Она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня". творчество Пикассо переживает новый перелом.
Все это, как видно, созданно по темам великих художников времени. Но смысл новых исканий художника был, разумеется, отнюдь не в изменении его текстуры. Они переезжают в Канны, на собственную виллу. В 1909 году Пабло Пикассо переезжает в собственную мастерскую. приложение 1), "Женщина с веером" (1909) и других, характеризуется "сезанновскими" тонами – охристыми, зеленоватыми, коричневыми, но более размытыми, мутными и использованием простых геометрических форм из которых строится изображение.
Вот только одна из показательных по своему тону рецензий, вышедших на следующий день после премьеры «Парада». Хотя слово «понять» довольно условно. Однако его сын стал заниматься искусством в ущерб классной работе.
Уже в 50-е годы, обращаясь к теме войны в Корее ("Резня в Корее", 1951), художник прибегает к той же символике и аллегориям, что и в "Гернике". В этот момент Пикассо открывает для себя особенности африканской культуры. Его сопровождают пляшущие призраки. Он стал одним из ведущих дилеров французского искусства XX века.
1895: Дон Хосе получает должность учителя в Барселоне. Талантливый молодой художник в одиночестве занимается в Париже изучением интернациональной живописи и вбирает в себя и с поразительной легкостью усваивает самые разные влияния: Тулуз-Лотрека, Гогена (Жизнь, 1903, Кливленд, музей), Каррьера (Мать и дитя, 1903, Барселона, музей Пикассо), Пюви де Шаванна, набидов (Облокотившийся Арлекин, 1901, частное собрание), а также греческого искусства (Водопой, сухая игла, 1905) и некоторых испанских традиций (Старый гитарист, 1903, Чикаго, Художественный институт Портреты госпожи Каналье, 1905, Барселона, музей Пикассо). В Свидании и Любительнице абсента проступают еще первоисточники (парижская школа искусства). Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, так как сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932). На картине изображена бродячая труппа акробатов. Это титан, арт-карьера которого длилась 80 лет.
Жаклин Роке (1927-1986) работала в гончарной мастерской Madoura в Валлорис на Лазурном берегу, где Пикассо делал и расписывал керамические изделия. Одна из посвященных ей работ, это Обнажённая, Я люблю Еву. Они – и в особенностях его неугомонного таланта и во влияниях среды. После произведений голубого периода (названного так из-за преобладающего голубого цвета), на которых изображены изможденные от работы и голода люди (Гладильщица, 1904, Нью-Йорк, музей Соломона Гуггенхейма Скудная трапеза, офорт, 1904), картины розового периода представляют мир циркачей и бродяг (Семья акробатов с обезьяной, 1905, Гетеборг, музей Девочка на шаре, Москва, Музей изобразительных искусств им. Быстро взять Париж ему не удалось.
Голубь изображенный на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже (1949), оказался, вероятно, наиболее действенным проявлением политических убеждений художника. В картине "Три женщины у источника" (1921) он вновь обращается к реалистическим формам. Тема быков возникает в творчестве Пикассо, вероятно, во время его двух поездок в Испанию в 1933 и 1934, причем облекаются они в достаточно литературные формы: образ Минотавра, который то и дело возникает в красивой серии гравюр исполненных в 1935 (Минотавромахия).
Не станет атлета – и девочка тотчас потеряет равновесие, а без ее зыбкой непрочности он рухнет, повалится под собственной тяжестью. Одной из проблем, с которыми пришлось столкнуться Пикассо, когда он начал работать над «Герникой», было устранение тех символов, которые ранее составляли основу его художественного языка.
Так, Пабло в 1897 году в возрасте 16 лет приехал в Мадрид. Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. Это был мир мечты художника идеальный мир свободных и гордых людей.
Африканский период относят к 1907-1909 годам. С 1901 года по 1907 годы творчество Пикассо разделяется на два периода: "голубой" (с 1901 по 1904) и "розовый" (с 1904 по 1907). Однажды нацистский офицер увидев фотографию Герники спросил у Пикассо: Это вы сделали.
К этому миру причислял себе и сам художник. Об его друзьях, о том, какие события оказывали влияние на произведения Пикассо. Пикассо не колеблясь избрал свое лицо, с тем чтобы вызвать нужную ему реакцию. Адские кони в бешенстве топчут открытую и сжигаемую на костре книгу.
Они стали жить вместе в Париже. Кубизм. С нее начинается новый период в его творчестве, так называемый неоклассицизм. Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и ее кукла», 1938).
То, что тревожило и мучило его, теперь требовало иных изобразительных решений. Да он не был цельным гармоничным художником, но не была такой и эпоха. В том числе выступали индикатором его инвестиционной привлекательности. Анализируя «Геранику» в терминах пластического искусства, мы видим, что картина закрыта снизу, ограничена по бокам и открыта сверху. Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Орта-де-Эбро», 1909), увеличивает и ломает объёмы («Портрет Фернанды Оливье», 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твёрдым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910). Их отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. Он дружит с каталонскими художниками: Мануэлем Палларесом и Уусепе Кардоной.
Гуманистические воззрения Пикассо особенно проявляются в таких его работах, как рисунок Голубь мира (тушь, 1947), ставший символом движения за мир панно Мир и Война (1952, капелла Храм Мира в Валлорисе). Написанная на рубеже 1905 года «Девочка на шаре» стоит у истоков так называемого первого классического периода в творчестве художника. Очень кратко, но в то же время точно. И как бы ни пытались отделить «настоящего» Пикассо от «ненастоящего» времен «голубого» и «розового» периодов, несомненно, что именно тогда сформировались основные нравственные принципы его искусства, моральные критерии, гуманистические идеалы, глобальные темы творчества. По Делакруа» (1955) «Менины.
Трудно избежать сравнения. Стимулом к его развитию многие считают вопрос, возникший среди художников: «Зачем рисовать. » Достоверному изображению того, что видишь, в начале 20 века можно было научить практически любого, к тому же буквально на пятки наступала фотография, которая грозила целиком и полностью вытеснить все остальное. "Две сестры" (см. В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Лицо лошади обращено к быку, осыпаемому её предсмертными проклятиями.
В ней прослеживается влияние популярного на тот момент увлечения «порочными» персонажами, характерного для французского искусства. Вскоре они жили в одной квартире Макс спал ночью, в то время как Пикассо спал днём и работал ночью. С 1992 года полотно хранится в музее Мадрида. Отсюда в работах Пикассо 1906 года образы физически совершенных девушек и юношей.
«Герника» заключала в себе катастрофизм эпохи, сознание и боль людей. Написанная на рубеже 1905 года «Девочка на шаре» стоит у истоков так называемого первого классического периода в творчестве художника. Сезанновский кубизм отражен в работах Бидон и миски, Женщина с веером, Три женщины. На мой взгляд, в живописи искания не имеют никакого значения.
В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. С переездом в Париж завершается «голубой период». Они обязательно одеты в костюмы своих персонажей. Маленкий Пикассо проявил интерес к творчеству с детства.
Они примыкают к серии работ, где героями выступают нищие, слепцы, калеки. В 1902 года он вновь вернется в Барселону, однако остаться в ней так и не сможет. Он прожил долгую и плодотворную жизнь.
Почему они не пытаются понять пение птиц». Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передает в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914). Например, «Арлекин», «Три музыканта», «Натюрморт с гитарой» (на фото выше).
Аналитический кубизм (новая система живописи, созданная Пикассо и Жоржем Браком около 1909 года) заключается в одновременном изображении на полотне нескольких сторон одного предмета, как бы видимых с разных точек. Весной 1904 г. Пикассо окончательно поселяется в Париже на Монмартре. На возвращение более реалистичного в творчестве Пабло Пикассо, произведения которого наполнились вновь читаемостью, фигурностью и художественной логикой, повлияли и многие внешние факторы.
Отсюда в работах Пикассо 1906 года образы физически совершенных девушек и юношей. В 1930-1934 именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса (Лежащая женщина, 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма (Мужчина с букетом, 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса – Конструкция, 1931). За два месяца Пикассо создает свою «Гернику»— громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. О них пишут Чулков, Бердяев, Сергей Булгаков и др. Эрмитаж), увеличивает и ломает объемы (Портрет Фернанда Оливье, 1909, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины (Портрет Канвейлера, 1910, Художественный институт).
Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передаёт в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914). По Веласкесу (1957) Завтрак на траве. Важно осознать, что те два образа. Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на буржуазной Ольге Хохловой, успех художника в обществе – все это отчасти объясняет этот возврат к фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты (Мандолина и гитара, 1924, НьюЙорк, музей Соломона Гуггенхейма). Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950).
Она будет все больше места в его творчестве. По Курбе. То же самое выражение, одни и те же глаза, сходство лиц, аналогичные цветовые тона.
Пабло пишет портрет Ольги в испанской мантилье своей матери. Аналитический кубизм. Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточённостью увенчанные нелепыми шляпами, лица изображённые в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассечённые потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). Синтетический кубизм – более декоративный характер. К ранним работам относятся: «Горшок, бокал и книга», «Купание», «Букет цветов в сером кувшине», «Хлеб и ваза с фруктами на столе» и т. д. В полотнах четко прослеживается, как меняется стиль художника и приобретает все более абстрактные черты к концу периода (1918-1919 годы). Картина Бойня (1944-1945, Нью-Йорк, Музей современного искусства) – последнее трагическое произведение Пикассо.
Особенно важны в тот период скульптуры (Беременная женщина, 1950). музей современного искусства, Центр Помпиду). Весной 1916 года Аполлинер вернулся с фронта раненным. В данной связи, опять выявляется эффективность тандема «дилер-художник» при условии формирования продуманных выставок и создания паблисити.
Он вновь приезжает в Париж в 1901 и 1902 и окончательно в 1904. В 1901 году была также написана картина «Любительница абсента».
Это был серьёзный удар для Пикассо. Мария Тереза была верной спутницей, стойко перенося творческие и любовные метания творца, поддерживая дружескую переписку вплоть до смерти Пабло Пикассо. В 1904 году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921). приложение 1).
«В один прекрасный день, – вспоминает писательница, – Пикассо переписал всю голову заново. Разделение творчества есть не что иное, как желание разложить по полочкам и втиснуть его в определенные (стилистические, временные) рамки. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты— клоуны, танцовщики и акробаты картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905). Она также не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942).
В 1904году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. Полное имя, которое будущий художник получил при крещении— Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано14 (Криспиниано15) де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо. Впервые полотно увидело свет лишь спустя тридцать лет после его написания и стало открытой дверью в мир авангарда. Фигуры циркачей изображены на фоне синего неба, принято считать, что арлекин с правой стороны – это сам Пикассо.
Первая реакция публики – шок. " И далее:"Все, что я делал, я делал для современности в надежде, что это всегда будет современно". Произведения Пикассо как живописные, так и графические, отличает чувство времени. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы— обои, куски газет, спичечные коробки. Затем отец решил отправить Пабло учиться в Мадридскую академию Сан Фернандо. В палитре мастера преобладают голубые оттенки.
Занятиям юноша предпочитал посещение музея Прадо и написание копий с полотен Веласкеса и Эль Греко. На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано». Разрыв с традиционными канонами инициатором которого был Пабло Пикассо выступил в 1907 г., когда под его решительной кистью возникли четкие фигуры «Авиньонских девиц», знаменовал собой рождение нового порядка и последствия этого переворота отразились на современной действительности. В картине ничто не говорит о том, что здесь показаны события 1937 года в Гернике. Изображает излюбленных персонажей: быка, кентавров, женщин. "Розовый период" характеризуется более жизнерадостными тонами – охристыми и розовыми, а также устойчивыми темами изображений – арлекинами, бродячими актерами, акробатами ("Семейство комедиантов" (1905), "Акробат и молодой Арлекин" (1905), "Шут" (1905).
В 1956 году на французские экраны вышла документальная лента о художнике «Таинство Пикассо». Они обязательно одеты в костюмы своих персонажей. Выставка в Гран-Палэ в Париже в 1979 г. так называемого «завещания Пикассо» (работы, переданные наследниками Пикассо государству Франции в уплату налога на наследство) дала возможность увидеть множество произведений, выполненных из таких материалов, как картон, жесть, дерево, бумага.
Но как быть с его мужскими причиндалами. Франсуазе посвящена картина Женщина-цветок. Линия в его графике всегда несет в себе светлое, жизнеутверждающее начало. Родился в городе Малага в автономной области Андалузия в Испании.
Произведение переходного периода — от «голубого» к «розовому» — «Девочка на шаре» (1905, Музей изобразительных искусств, Москва). Здоровье со временем становится хуже. Канвейлер был немецким искусствоведом и коллекционером.
В 1985 музей Пикассо был открыт и в Париже (отель Сале) сюда вошли работы, переданные наследниками художника, — более 200 картин, 158 скульптур, коллажи и тысячи рисунков, эстампов и документов, а также личная коллекция Пикассо. Уберите один из компонентов картины – произойдет катастрофа. В 1953 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся18. («Пикассо-физика». )»), писатели и так далее. С переездом в Париж завершается «голубой период».
Многие картины измождённых матерей с детьми датируются «голубым периодом», во время которого Пикассо разделил своё время между Барселоной и Парижем. Направление кубизма в обществе не особо принимали, даже наоборот. Произведения, созданные в 1945-1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо (Радость жизни). В возрасте 7 лет отец поручал ему дописывать лапки голубей на своих картинах. Свою первую серьезную картину он написал в восемь лет – «Пикадор».
Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Хорта де Эбро», 1909), увеличивает и ломает объемы («Портрет Фернанда Оливье», 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910). приложение 1), "Завод в Хорта де Сан Хуан" (1909), "Портрет Фернанды Оливье" (1909) (см. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неравны по качеству («Мастерская в Каннах», 1956). Дмитриева не даёт нам никакой разгадки Пикассо, она предоставляет нам самим ответить на вопрос: «Кто это–Пикассо. ». Первая реакция публики – шок.
И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Я предполагаю проводить свою работу в течение двух лет, вот таким образом на данном этапе формируется текстовая часть работы. (В 1953 году Франсуаза сбежала от Пикассо с двумя детьми из-за его сложного характера и постоянных измен, художник тяжело переживал это расставание, что отразилось в ряде его работ того времени – например, в серии рисунков тушью изображающих отвратительного старого карлика буффонадно контрастирующего с юной и прекрасной девушкой). Каталонские художники, с которыми Пикассо знакомится в кафе Четыре кота (в этом кафе пройдет его первая выставка), заново открывают Эль Греко, Сурбарана, средневековую каталонскую скульптуру, Испанию, более непосредственную и страстную, чем это допускалось официальным обучением. Пикассо 55, он болезненно переживает трагедию и пишет своё самое значительное произведение: знаменитую «Гернику».
В 1930—1934 именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса— «Конструкция», 1931). Недаром встреча сестер ассоциируется с Евангельской притчей о Марии и Елизавете. Ведь даже сам художник говорил: «Начинающего художника понимают лишь несколько человек. Как правило, все картины этого периода художник выполнял в сине-зеленых оттенках.
После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), он уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки (Фабрика в Хорта де Эбро, лето 1909, Санкт-Петербург, Гос., на что тот ему ответил: Это сделали вы. Хохлова, 1917, Музей Пикассо, Париж). Недаром большинство персонажей картин «голубого периода» кажутся незрячими, не имею своего лица. Если в 1908 году его работа «семья акробатов» была приобретена обществом «Шкура медведя» за тысячу франков – сумму, отпугивающую тогда многих коллекционеров.
Пикассо возвращается в Барселону в июне 1898, там он входит в общество «Els Quatre Gats» — богемное кафе с круглыми столами на художественные темы. В которых пред нами предстаёт Пикассо (художник, живущий трагедиями этого мира и художник, обращающий своё искусство внутрь себя) –это не два Пикассо, а один и противоречия между ними нет. Так что, когда мы ищем его в Африке, то находим в Испании. В это время художник часто рисовал своих детей и Франсуазу, но долгой идиллия не продлилась: в 1953 году Франсуаза забрала детей и ушла от Пабло Пикассо. Однако пожелали ему выработать свой индивидуальный, более узнаваемый стиль.
Для этого портрета она позировала более восьмидесяти раз. Со второй половины 40-х гг. Обе линии – гуманистически-элегическая и иррационально-фантастическая – сталкиваются в серии офортов Минотавромахия (30-е гг. ), воплощающей в символическом образе Минотавра (человека-быка) извечную борьбу светлого, разумного начала с тёмным, слепо инстинктивным серия словно проникнута острым предчувствием той трагедии, в которую вскоре будет повергнут мир. Они жили в центре богемной парижской жизни и мекке парижских художников Бато-Лавуар. Она была на 40 лет моложе его.
Оба оставались вместе до конца жизни Пикассо. После этого он все-таки завершил портрет.
Таков язык Пикассо. В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Пикассо в те годы открывает для себя Эль Греко и Моралеси. Это небольшой город на севере Испании. Никто из критиков не смог дать удовлетворительного объяснения этим странным, дерзким композициям, даже если они находили свое завершение в действительно превосходной картине (Менины, 17 августа 1957, Барселона, музей Пикассо). Став предтечием одной из самых радикальных и первых систем авангарда, картина спровоцировала вокруг Пикассо и его картин общественный резонанс. Испанец по происхождению.
В «Девочке на шаре» Пикассо особо ассоциативен и метаморфичен. За два месяца Пикассо создаёт свою «Гернику»— громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имён возлюбленных, названий улиц, кабачков. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря.
Во–вторых, не все слушатели имеют возможность внимательно рассмотреть иллюстрацию. Она была шокирующей для публики. После обстоятельного анализа фактического материала, связанного с открытием африканской культуры, нельзя не признать значения примитивного искусства для инноваций в творчестве Пикассо, ведущих к разрыву с классической традицией. При этих обстоятельствах в начале 1902 года он начал делать работы в стиле, впоследствии названном «голубой период». Франсуаза вскоре дарит ему сына Клода и дочь Палому. Самые известные работы периода: «Ольга Хохлова» (на фотографии выше), «Пьеро», «Натюрморт с кувшином и яблоками», «Спящие крестьяне», «Мать и ребенок», «Женщины, бегущие по пляжу», «Три грации».
Во–первых, это немного сковывает выступающего, а лишнее волнение абсолютно не нужно. Это был переломный момент в его творчестве и отсюда начался путь Пикассо от изображения конкретных людей к изображению человека как такового и к форме как к самостоятельной структуре. Сильные юноши стремительно идут навстречу зрителю, готовые к действию.
Некоторые из них («Коза», 1950 «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения (Портрет художника, в подражание Эль Греко, 1950, частное собрание) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярного на юге Франции боя быков), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959-1968). О Пабло Пикассо и его мире будет говорить всегда, так как его творчество не поддается четкому и убедительному определению. Так «Золотое сечение» – журнал Пьера Дюмона – систематически поддерживал кубизм, о нем писали Сальмон, Жакоб, Аполлинер издавший в 1913 году целый сборник «художники-кубисты», а в 1920 году Канвейлер издал объемный труд «подъем кубизма» книга Глеза и Метценже «О кубизме» 1912 года, почти сразу же переведенная на русский язык. Оба часто спорили.
Они жили в центре богемной парижской жизни и мекке парижских художников Бато-Лавуар. Перелом происходит в 1906. Но их совместное счастье длилось не очень долго. Видно что в произведениях 1909—1910 гг. Его привлекает стилистика готики, особенно готической пластики с ее одухотворенной выразительностью форм. Учился рисовать Пикассо у своего отца, который был учителем рисования.
В творчестве Пикассо этот этап длился относительно долго – с 1904 г. (осень) до окончания 1906-го – и был не совсем однородным. Барселона больше не давала художественных импульсов, была исчерпана тема дна жизни. Большое место в его наследии занимают женские портреты. Наиболее интересные работы этого периода – "Первое причастие" (1896), "Наука и милосердие" (1897). Один и тот же аналитический критерий может быть применен к любой из реальностей и даже к мышлению.
Они примыкают к серии работ, где героями выступают нищие, слепцы, калеки. Пикассо в те годы открывает для себя Эль Греко и Моралеси.
Он настолько разный в каждый следующий период, что кажется, что это писали разные люди. приложение 1), (1912) "Скрипка" (1913). Иной характер приобретает тема «Художник и модель». Они живут своим внутренним миром их тонкие «готические» пальцы познают не внешние формы предметов, а их внутренний тайный смысл. Сознательная деформация натуры (Авиньонские девицы, 1907, Музей современного искусства, Нью-Йорк) приводит Пикассо (вместе с Ж. Браком) к созданию кубизма (Дама с веером, 1909, портрет А. Воллара, 1910, – оба в ГМИИ). В тот же период, когда Пикассо сотрудничал с труппой Дягилева, он и Игорь Стравинский работали над балетом «Пульчинелла» в 1920 году. Это было стремление, как писал Ван Гог, «выразить в грубой манере суровую и грубую правду».
«Герника» – панно заказанное правительством Испании для привлечения внимания и выражения скорби за снесенную гитлеровскими эскадрильями с лица земли столицу басков Гернику – первый в истории акт массового убийства мирных жителей с воздуха. Для нее и себя он покупает виллу в Каннах. Новые дары наследников (1990) обогатили парижский музей Пикассо, Городской музей современного искусства в Париже и несколько провинциальных музеев (картины, рисунки, скульптуры, керамика, гравюры и литографии). Это выражается то с оттенком народной грубоватости (Флейта Пана, 1923, Париж, музей Пикассо), то в своего рода буффонаде (Две женщины на пляже, 1922, там же).
Возращение к предметной живописи.