Пикассо Розовый Период Картины

Картина, написанная в общежитии Бато-Лавуар на Монмартре 24-летним художником Пабло Пикассо в 1905 году, в так называемый розовый период его творчества. Эта картина раннего Пикассо относится к «розовому периоду», он написал её вскоре после приезда в Париж.

Биография Пабло Пикассо и описание его картин

Но, пожалуй, самым ярким образцом африканского этапа творчества Пикассо является картина «Авиньонские девицы» (на фото выше), над которой мастер трудился около года. В 1947 году ведущие коллекционеры из Чикаго Ли и Мери Блок покупают портрет у Пьера Колле. Начало оживления жизни. Все полотна мастера – а их несколько десятков тысяч.

Переходной от «голубого» к «розовому» периоду считают знаменитую картину Пабло Пикассо «Девочка на шаре». Талант и тяга к рисованию у мальчика проявились с самого раннего детства. В удлиненных пропорциях героев прослеживается влияние Эль Греко. После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создаёт атмосферу конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить отчасти влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 и театральной пьесе, созданной во время войны. Пикассо был заворожен яркими красками и упрощенными линиями Матисса.

Картины, ознаменовавшие начало нового периода, впервые были выставлены в конце зимы 1905 году в галерее Серюрье – это «Сидящая обнаженная» и «Актер». Весной 1904 г. Пикассо окончательно поселяется в Париже на Монмартре. Некоторые из них (Коза, 1950 Обезьяна с малышом, 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. Старика он нарисовал поверх другой работы: кормящей матери, контуры которой можно заметить на холсте.

Однако пожелали ему выработать свой индивидуальный, более узнаваемый стиль. Это для них как бы знак отличия от общей массы. В ней прослеживается влияние популярного на тот момент увлечения «порочными» персонажами, характерного для французского искусства. В «аналитическом кубизме» предмет изображен разбитым на несколько фрагментов.

Тема быков возникла в творчестве Пикассо, вероятно, во время его двух поездок в Испанию в 1933 и 1934, причем облекаются они в достаточно литературные формы: образ Минотавра, который то и дело возникает в красивой серии гравюр исполненных в 1935 году (Минотавромахия). Это «Семья акробатов с обезьянкой», «Шут», «Молодой Арлекин». Пикассо было девятнадцать лет, когда он приехал в Париж в1900 году, чтобы посетить Всемирную выставку, где в Гран Пале, в разделе, посвященном испанскому искусству, была выставлена его большая картина «Последние мгновения» исполненная в академической манере. Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к Метаморфозам Овидия (1930) и Аристофану (1934) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения.

Пабло Пикассо: картины как иллюстрация жизненного пути

Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Полотно «Девочка на шаре» можно назвать переходным. В работах этого времени ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903 Пикассо считал: «кто грустен, тот искренен») движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901 «Женщина с шиньоном», 1901 «Свидание», 1902 «Нищий старик с мальчиком», 1903 «Трагедия», 1903). Его влекли теперь нравственные ценности другого порядка.

Оно прославило Пабло Пикассо. Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения («Портрет художника, в подражание Эль Греко», 1950) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968). За два месяца Пикассо создает свою «Гернику»— громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Этот образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет главную тему картины Герника, самого знаменитого его произведения, которое он пишет через несколько недель после разрушения немецкой авиацией маленького городка басков и которое знаменует начало его политической деятельности (Мадрид, Прадо до 1981 картина находилась в Нью-Йорке, в Музее современного искусства). И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. – знают разве что его биографы.

5 самых дорогих картин Пабло Пикассо

Некоторые из них («Коза», 1950 «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе увлечённый проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неровны по качеству (Мастерская в Каннах, 1956, Париж, музей Пикассо).

Художник он был не самый заурядный. более правдивому, чем сама правда», весной 1917 года написал Гийом Аполлинер, заранее объявив его провозвестником «Нового духа» в искусстве. Однако напрасно искать на его полотнах цирк, цирковое зрелище.

Можно было б назвать ее «Слепой музыкант», но художник сделал акцент на старости, в которой единственной отдушиной является творчество. В этом стиле написаны полотна «Любительница абсента», «Свидание», «Нищий с мальчиком», «Трагедия». В 1985 музей Пикассо был открыт и в Париже (отель Сале) сюда вошли работы, переданные наследниками художника, — более 200 картин, 158 скульптур, коллажи и тысячи рисунков, эстампов и документов, а также личная коллекция Пикассо. Никто из критиков не смог дать удовлетворительного объяснения этим странным, дерзким композициям, даже если это были действительно превосходные картины (Менины, 17 августа 1957, Барселона, музей Пикассо).

10 самых дорогих картин Пикассо

Там она знакомится сПикассо, становится его моделью иего девушкой. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. Если следовать хронологии, то период, когда художник был близок к сюрреализму, выпадает на 1925-1932 годы. Художник вернулся к неоклассицизму («Портрет жены Ольги в кресле», «Купальщицы», «Женщины, бегущие по пляжу», «Портрет сына Поля»), а затем перешел к сюрреализму («Танец», «Женщина с цветком», «Девушка перед зеркалом» и другие). Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неравны по качеству («Мастерская в Каннах», 1956).

Тема абсента звучит во многих картинах. С творчеством импрессионистов Пабло познакомился позднее, после того как уехал в Париж. Это был мир мечты художника идеальный мир свободных и гордых людей. Стиль этот Пикассо разрабатывает по возвращении в Барселону, в 1903—1904 г. В работах этого периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали (Пикассо считал — «кто грустен, тот искренен») движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901 «Свидание», 1902 «Нищий старик с мальчиком», 1903).

Считается, что этим он окончательно порвал с отцом, воплощавшим для Пабло искусство академическое и устарелое впрочем, некоторые считают, что фамилию Пикассо художник предпочел как менее распространенную. Самая ранняя картина Пабло Пикассо – Пикадора, которая была написана в 8 лет. Синяя Комната Пикассо (1901, Собрание Филипса, Вашингтон) отражает влияние этих художников и одновременно показывает эволюцию творчества Пикассо в голубой период, который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение последующих нескольких лет. Никогда еще женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточенностью увенчанные нелепыми шляпами, лица изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). В 1904 году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка.

Многие его произведение получили место в рейтинге самых дорогих картин в мире. В «розовый период» Пабло создал несколько работ с цирковой тематикой, на это его вдохновило частое посещение с кругом друзей местного цирка, находившегося неподалеку от их места жительства. За два месяца Пикассо создаёт свою «Гернику»— громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Все персонажи находятся в статике и между ними не наблюдается какой-либо внутренней близости, каждого сковало внутреннее одиночество – тема всего «розового» периода. В основном затрагиваются темы смерти, печали. Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на Ольге Хохловой, успех художника в обществе— все это отчасти объясняет этот возврат к фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты («Мандолина и гитара», 1924). Месяцем позднее он уезжает вместе со всей труппой Русских балетов на два месяца в Рим, где выполняет декорации, костюмы, знакомится с балетмейстером «Парада» Леонидом Мясиным и многими балетными артистами русской труппы. Не было ещё, 25 — только в конце 1906 года, а серия Абсент началась в 1901 году.

Его художественная инновация позволила ему продолжать создавать множество работ, благодаря которым он получил известность и богатство. И хотя жизнь на цирковой арене также таила множество трагедий, она не внушала отчаяния. Марк Шагал как-то сказал, что Пикассо меняет стиль чаще, чем носки. О нём уже знали как о начинающем художнике-классицисте.

По мнению искусствоведов, картина открывает «голубой период» творческой деятельности Пикассо, наполненного драматическими событиями в его жизни. Этот период очень далек от кубизма: реальные лица, светлые тона, правильные формы На подобные перемены в творчестве его вдохновляла русская жена, которая привнесла много нового в жизнь Пабло. Немецкая оккупация не могла испугать Пикассо: он оставался в Париже с 1940 по 1944 год. Матисс был в бешенстве.

Все работы розового периода по годам

В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создает атмосферу конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 и театральной пьесе, созданной во время войны. Когда Пабло исполнилось тринадцать, он написал натюрморт. Иногда его называют «цирковым» и это точнее передает его содержание. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передаёт в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914).

Картины этого гения являются гордостью ведущих музеев мира. Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942). Именно в этом городе он увлекся керамикой. Можно смело утверждать, что именно с нее началось творчество Пабло Пикассо. В 1937 симпатии Пикассо— на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Франко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолетов над позициями франкистов). Этот новый период получает название «розовый».

Отсюда в работах Пикассо 1906 года образы физически совершенных девушек и юношей. В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Пикассо познакомился сней в1904 году, после того как поселился в Париже. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1923 года (Женщины, бегущие по берегу, 1922, Нью-Йорк, Музей современного искусства).

Пабло Пикассо: произведения «розового» периода

Он хотел быстрой славы и денег. С 1 июля 1963 года владельцами стает другая пара из Чикаго Адель и Уиллард Джидвиц. Художник в 1937 году создает полотно «Герника» в черно-белых тонах по заказу правительства Испании для Всемирной выставки в Париже. Ключевыми в этот период для мастера стали такие слова, как одиночество, страх, вина, боль. Его полотна, написанные в 1945-1955 годах, обладают средиземноморским колоритом, очень атмосферны и отчасти идеалистичны.

Вступительный манифест к спектаклю «Парад», «. Приняв этот вызов, в 1907 году онпишет своих «Авиньонских девиц», которые стали прорывом в истории мировой живописи. Причины нового поворота Пикассо в художественных концепциях далеко не однозначны. После произведений голубого периода, картины розового периода представляют мир циркачей и бродяг (Семья акробатов с обезьяной, 1905, Гетеборг, Художественный музей Девочка на шаре, Москва, ГМИИ им.

Следует отметить, что Пикассо уже в те годы прекрасно знал французскую испанскую и даже интересовался русской литературой (Тургенев, Горький). Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточённостью увенчанные нелепыми шляпами, лица изображённые в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассечённые потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). В 1930—1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создаёт их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса— «Конструкция», 1931). Полное имя, которое будущий художник получил при крещении— Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано13 (Криспиниано14) де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо.

По Веласкесу» (1957) «Завтрак на траве. «Все имеют право меняться, даже художники, »—острил сам Пикассо по этому поводу. Первая реакция публики – шок. Когда мальчик достиг семилетнего возраста, отец поручил ему дописывать фрагменты своих картин (например, лапки голубей). Произведения, созданные в 1945—1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»).

В том же 1904 году художник встретил Фернанду Оливье, которая стала его первой музой. Наряду с циклом великанш и купальщиц, картины, вдохновленные «помпейским» стилем («Женщина в белом», 1923), многочисленные портреты жены («Портрет Ольги», пастель, 1923) и сына («Поль в костюме Пьеро») являют собой одни из самых пленительных произведений, когда-либо написанных художником, даже при том, что своей слегка классической направленностью и пародийностью они несколько озадачили авангард того времени. Пабло стал великим мастером и гением в изобразительном искусстве.

Началом периода можно считать Портрет Хайме Сабартеса и автопортрет Пикассо, написанные в 1901 году. 20-летний мальчик. Здесь сообща делят удачу и горечь поражений. Быстро взять Париж ему не удалось.

Наиболее известные работы Пабло Пикассо, написанные им в ранний период (до 1900)

В этих обстоятельствах в начале 1902года Пикассо стал писать в стиле, по которому впоследствии период творчества художника в Барселоне в 1903—1904 годах был назван «голубым». В годы испанской революции и войны Пабло Пикассо находится в Париже. В 1925 начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. По Веласкесу (1957) Завтрак на траве. Однако искусствоведы признают, что эта работа стало отправной точкой авангарда. Одна из знаменитых картин этого периода — Встреча — изображает двух сестер — монахиню и ее сестру в стенах лазарета для проституток, который Пикассо специально посещал — для большего проникновения в «правду жизни».

Его явно тянуло что-то другое. В первые годы после окончательного возвращения Пикассо в Париж в его картинах преобладал голубой цвет. Она также не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942). Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, потому, что сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932). Картина Бойня (1944-1945, Нью-Йорк, Музей современного искусства) – последнее трагическое произведение Пикассо.

В отличие от «Старого гитариста» и большинства фигур «голубого» периода картина «Актер», очевидно, одна из первых, в которой объект помещен в трехмерное пространство, создаваемое голубизной фона. Первую половину 1901 года Пикассо провел в Барселоне, где он и его друг анархист Франсиско де Асис Солер основал журнал Arte Joven (Новое искусство), умудрившись издать пять выпусков: Солер выпрашивал по знакомым статьи, а Пикассо делал иллюстрации, в основном мрачные карикатуры. На Родине создаются шедевры «голубого» периода: «Две сестры (Свидание)», «Старый еврей с мальчиком», «Трагедия» (фото полотна выше), «Жизнь», где еще раз возникает образ погибшего Касагемаса. К ранним работам относятся: «Горшок, бокал и книга», «Купание», «Букет цветов в сером кувшине», «Хлеб и ваза с фруктами на столе» и т. д. В полотнах четко прослеживается, как меняется стиль художника и приобретает все более абстрактные черты к концу периода (1918-1919 годы). С 1926 года она хранится в Чикаго.

Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передает в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914). К этому миру причислял себе и сам художник. Так начался знаменитый голубой период в творчестве Пикассо, характеризующийся голубыми оттенками, печалью и меланхолией (Кто грустен, тот искренен, -считал Пикассо), образами старости, нищеты и смерти.

Работы «голубого» периода (1901-1904)

В атлете угадываются аллегория доблести, в девочке на шаре – фортуны. Пикассо оставлял позади сумеречный голубой мир жалких, отверженных изгоев, чьи образы ранее вдохновляли его. Техника исполнения так потрясла отца, что он бросил рисовать. По Курбе (1950, Базель, Художественный музей) Алжирские женщины. Это довольно длительный период в творчестве художника. Яркими образчиками этого этапа являются полотна «Натюрморт с плетеным стулом», «Столик в кафе», «Скрипка и гитара». Среди них— Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937).

А он творил более 70 лет. После него, да и в его время таких было и есть сейчас хоть пруд пруди. Пабло возвращается на родину, но сердце его в Париже. В «Девочке на шаре» Пикассо особо ассоциативен и метаморфичен.

Работы «розового» периода (1904 — 1906)

После освобождения. В настоящее время «Любительница абсента» хранится в Эрмитаже, попав туда из частной и весьма внушительной коллекции работ Пикассо (51 произведение) С. И. Щукина после революции. Эта картина оказалась первой из произведений художника, которую приобрел музей. К этому этапу относятся «Бидон и миски», «Женщина с веером». Первые и очень ценные уроки ему преподнес отец, который тоже был художником. Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Орта-де-Эбро», 1909), увеличивает и ломает объёмы («Портрет Фернанды Оливье», 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твёрдым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910).

А потому избрал фамилию матери – Пикассо. Пикассо еще дважды приезжает в Париж, пока, наконец, в 1904 году не решает переселиться туда окончательно. Образы на его картинах вновь стали чувственными и наполнились жизнью, яркостью в противовес персонажам «голубого» этапа творчества. Произведения периода сюрреализма: «Танец», «Женщина в кресле» (на фотографии ниже), «Купальщица», «Обнаженная на пляже», «Сон» и т. д. После того как отгремели войны и мир пришел в относительное равновесие, восстанавливая все, что было разрушено, творчество Пикассо тоже обрело более счастливые и яркие краски.

«Актер» явился его провозвестником. Более семидесяти раз он переписывал картину и всякий раз был неудовлетворен результатом. Все это взывает к сюрреалистическим, биоморфным мотивам. Пикассо наследует цветовую палитру французского художника. Отец будущего художника получил предложение о работе преподавателя в Ла-Корунье в 1891 году и вскоре семья переехала на север Испании. Согласно устным высказываниям Блока, он заплатил 15 000. Последовавший за этим двухлетний период получил название «розового».

Вместе с тем, каждый уважающий себя человек видел (хотя бы в иллюстрациях) «Девочку на шаре», «Бег» и «Гернику». Атмосфера и приемы «голубого» периода характерны для картин, созданных осенью и зимой 1904 года.

Всего – 15 вариаций, которые обозначены в алфавитном порядке как Version А-О. По Делакруа» (1955) «Менины. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты — клоуны, танцовщики и акробаты картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов. В 1953 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся17. Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток.

Работы «сезанновского» кубизма («Африканский» период) (1907 — 1909)

С 1992 года полотно хранится в музее Мадрида. Учился рисовать Пикассо у своего отца, который был учителем рисования. Каретников, вышедшая в 1967 году.

В 1907 году появилась знаменитые Авиньонские девицы. По Мане (1960). Произведения, созданные в 1945—1955 годах, очень средиземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят своё выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»). В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. С одной стороны— коммунист, прогрессивный деятель, борец за мир и трогать его было опасно с другой Дело не в том, что, с их точки зрения, он был «буржуазный формалист», с этим еще можно было примириться, главное— он был великий мастер и при сопоставлении с его работами все великие достижения советского искусства меркли и отбрасывались на столетие назад.

Причем классические персонажи бродячего цирка – личность, клоуны, арлекины. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы— обои, куски газет, спичечные коробки.

Художник Ж. Брак так высказался об «Авиньонских девицах» : «Складывается такое впечатление, будто нас хотели попотчевать паклей и напоить керосином». Их отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. Разделение творчества есть не что иное, как желание разложить по полочкам и втиснуть его в определенные (стилистические, временные) рамки. По Мане» (1960). Самые известные работы периода: «Ольга Хохлова» (на фотографии выше), «Пьеро», «Натюрморт с кувшином и яблоками», «Спящие крестьяне», «Мать и ребенок», «Женщины, бегущие по пляжу», «Три грации». Все отметили его свежесть, признали, что его следование образцам импрессионизма вполне профессионально.

Это портреты Амбруаза Воллара, Фернанды Оливье, Канвейлера. Фамилию Пабло решил взять материнскую, посчитав отцовскую слишком простой.

Этот период ограничивают 1905—1906 годами. Наступил 20-й век. Богемный круг Парижа буквально раскололся на два лагеря: «за» и «против». Он торопился жить. К тому же, его картины не покупали. В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис.

Работы периода неоклассицизма (1918 — 1925)

Они обязательно одеты в костюмы своих персонажей. Самые известные картины «розового» периода наполнены странствующими комедиантами, циркачами, гимнастами.

Произошло именно так, как он намечал. Его монстры и существа, орущие и разорванные на части, навеяны вспыхнувшей тогда революцией сюрреализма в живописи и литературе. Давайте посмотрим, как он рисовал в классическом стиле. За такой резкий переход от кубизма к классицизму Пикассо многие критиковали. Пикассо принимал работыМатисса как вызов.

На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ (Сидящая купальщица, 1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), орущих (Женщина в кресле, 1929, Париж, музей Пикассо), раздутых до абсурда и бесформенных (Купальщица, рисунок, 1927, частное собрание) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы (Фигуры на берегу моря, 1931, Париж, музей Пикассо). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Затем семья перебралась в один из красивейших городов – Барселону. В 1956 году на французские экраны вышла документальная лента о художнике «Таинство Пикассо».

Родившийся в 1881 году Пабло Диего Хосе должен был бы по отцу носить фамилию Руис. Этот момент можно по праву назвать переходным от следования за натурой к деформации формы. Достаточно взглянуть на такие полотна, как «Обнаженная женщина», «Танец с покрывалами», «Дриада», «Дружба», «Бюст моряка», «Автопортрет». Название возникло по контрасту с определением предыдущего «голубого периода» в творчестве художника (1904— 1905 гг. ), когда в его палитре преобладали грустные голубые краски. Такое учение оказалось не для него.

В 1930—1934 именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса— «Конструкция», 1931). Юному Пикассо на тот момент было 14 лет и он был слишком молод для того, чтобы учиться в Ла-Лонху (школа изящных искусств). Портретов и пейзажей рисовать Пикассо реалистично не умел, так как не научился. Он открыл для себя на Монмартре новый мир — цирк. Но потом, спустя лет пять полностью забросил это дело.

Работы периода сюрреализма (1925 — 1936)

Но это было другое время и в мире царили другие нравы. В 1902 году его друг совершил суицид.

В настоящий момент картина хранится в Музее современного искусства города Нью-Йорка. Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике Мадура в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных (Кентавр, 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Именно он стал одним из первых щедрых покупателей Пикассо и помог ему выбраться из нищеты.

Работы послевоенного периода (1945 — 1960)

Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. С переездом в Париж завершается «голубой период». Новые дары наследников (1990) обогатили парижский музей Пикассо, Городской музей современного искусства в Париже и несколько провинциальных музеев (картины, рисунки, скульптуры, керамика, гравюры и литографии). Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся.

Но мальчик с раннего детства хотел отличаться от своего предка-художника. Некоторые картины Пабло стали самыми дорогими в мире. Она изображена держащей утюг, на который она налегает всем телом. Родился в Малаге 25 октября 1881 года. А как. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря.

Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Один из признанных шедевров «розового» периода – «Семейство комедиантов» (на фото выше). По Курбе», 1950 «Алжирские женщины. Период «синтетического кубизма» порождает серию натюрмортов. В Валлорисе художник начал в 1954 году серию портретных изображений «Сильветт»1819.

Работы позднего периода (конец 60-х — 1973)

Они жили в центре богемной парижской жизни и мекке парижских художников Бато-Лавуар. Написанная на рубеже 1905 года «Девочка на шаре» стоит у истоков так называемого первого классического периода в творчестве художника. Все средства он тратил на то, чтобы дать сыну самое лучшее образование. Произведения, созданные в 1945-1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо (Радость жизни). Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950). И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Ныне там располагается музей и фонд имени П. Пикассо.

На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931). Все они демонстрируют зрителю красоту и редкую для картин художника безмятежность. В 1904 он снова приезжает в Париж, чтобы обосноваться тамокончательно. Ивану Морозову она продала картину за 13 тысяч франков.

К раннему периоду его творчества относятся картины, написанные в 1986 году: «Автопортрет» Пикассо, «Первое причастие» (на ней изображена сестра художника Лола), «Портрет матери» (на фото ниже). При крещении малышка получила имя Мария де ла Консепсьон. Уберите один из компонентов картины – произойдет катастрофа. Вот таким образом его подразделяют на несколько этапов.

Он снова бросает учёбу. В это же время он начинает работать с керамикой, создавая множество декоративных кувшинов, блюд, тарелок, статуэток (фото представлено выше). Они стали покупать работы обедневшего Пикассо и вывешивать их в собственной галерее. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и не ровны по качеству («Мастерская в Каннах», 1956). При этих обстоятельствах в начале 1902 года он начал делать работы в стиле, впоследствии названном «голубой период».

Пабло Пикассо: самые известные картины

В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. Первый – так называемый «Сезановский».

Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921). Возникает и другой, более глубокий ряд ассоциаций, уводящий в средневековую символику. Натурщица Фернанда Оливье была первой женщиной Пикассо (ейбыло18, ему 23года), с которой у него установились долгосрочные отношения (1904—1912). Талант у юного художника проявился рано. Даже большинство друзей не приняли эту работу.

Особенно шокировало зрителей полотно «Авиньонские девицы» (1907 год). В творчестве Пикассо этот этап длился относительно долго – с 1904 г. (осень) до окончания 1906-го – и был не совсем однородным. По Веласкесу» (1957) «Завтрак на траве. Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения (Портрет художника, в подражание Эль Греко, 1950, частное собрание) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярного на юге Франции боя быков), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959-1968). Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами были странствующие комедианты, танцовщики и акробаты картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробатов с обезьяной», 1905).

В монохромную голубизну полотен Пикассо вторгаются разные тени, становясь господствующими. В этом же году Пикассо встречается с Жаклин Рок, которая в 1958 году станет его женой и вдохновит на серию статуарных портретов. Значительное полотно «розового периода» – «Девочки на шаре» Огромная игла композиционного мышления Пикассо проявляется здесь с полным блеском. Серо-голубая палитра постепенно сменяется розовой и охристой. Примириться с этим было невозможно и борьба с Пикассо шла по разным направлениям. Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950).

Для этого необходимо было время, а Пикассо ждать не хотел. Одиннадцать работ из серии Алжирских женщин были проданы Салли и Виктором Ганцами ещё при жизни последнего – в музеи и в частные руки, а оставшиеся четыре работы, в том числе и итоговая Version O, были проданы уже после смерти обоих Ганцев. Актер и клоун — служители искусства. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имён возлюбленных, названий улиц, кабачков. Розовый период» — условное название периода в творчестве Пабло Пикассо. Вот таким образом он был хороший боец своего народа.

Кроме того, стоит отметить следующие работы Пабло Пикассо: «Женщина в рубашке», «Туалет», «Мальчик, ведущий лошадь», «Акробаты. В 1954 он встречается с Жаклин Рок, которая в 1958 станет его женой и вдохновит его на серию очень красивых портретов. По Делакруа (1955) Менины. Это видно по его ранним работам. И начинающих художников. Герои—это бедные дети и матери, старики.

Так появились полотна «Мальчик, ведущий коня» и «Девочка с козлом». Посмотрите внимательно на его автопортрет 1896 года. Так случилось и с Пикассо.

Жили влюбленные внищете. Пикассо очень тяжело переживает. Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. В 1925 начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Голубь изображенный на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже (1949), – наиболее действенное проявление политических убеждений художника. После этого картина не показывалась на публику около 40 лет. Почему так произошло.

Первая выставка работ произошла в Барселоне в июне 1989, в кафе Els Quatre Gats. Барселона больше не давала художественных импульсов, была исчерпана тема дна жизни. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приёмы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921). В доме на малагской площади Мерсед, где родился Пикассо, ныне размещается дом-музей художника и фонд, носящий его имя.

Публика в зале едва не сорвала спектакль криками «Русские боши, долой русских, Сати и Пикассо боши. » Дело дошло даже до потасовки. В 1930-1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса (Лежащая женщина, 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма (Мужчина с букетом, 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (Пикассо создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса – Конструкция, 1931). Спустя еще четыре года родители приняли решение устроить его в лучшую на тот момент передовую школу искусств – «Сан Фернандо» в Мадриде.

Мало найдётся в истории искусства людей, которые удостаивались такой почести. В конечном счете его знают по самому первому и последнему. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931). Вот только одна из показательных по своему тону рецензий, вышедших на следующий день после премьеры «Парада». На полотнах абсолютно новый мир – мир комедиантов, цирковых актеров.

Превысив все ожидания, портрет «Доры Маар с кошкой» ушел с молотка за 95, 216, 000. Полотно имеет внушительные размеры – в высоту и ширину более двух метров.

Розовый цвет становится на два года главным в творчестве Пикассо. Контакты с сюрреализмом. Между прочим, автором этой статьи был вовсе не какой-то маргинальный критик, а вполне респектабельный Лео Польдес, владелец картинной галереи «Клуб де Фобур». Некоторые из них («Коза», 1950 «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа.

Лучшие картины «голубого периода»

Пикассо создал более чем 20 тысяч работ. Стимулом к его развитию многие считают вопрос, возникший среди художников: «Зачем рисовать. » Достоверному изображению того, что видишь, в начале 20 века можно было научить практически любого, к тому же буквально на пятки наступала фотография, которая грозила целиком и полностью вытеснить все остальное. С помощью этой семьиПикассо познакомился с известным французским художником Анри Матиссом.

В свои законные права «голубой» период его творчества вступал постепенно, проявляя себя жесткими контурами фигур и утерей трехмерности изображения, уходом от классических законов художественной перспективы. Из него мог бы получиться хороший портретист или мастер пейзажей, как Диего Веласкес. Для работ «розового периода» массу материала давал цирк Медрано, располагавшийся у подножия Монмартрского холма. На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано».

Не станет атлета – и девочка тотчас потеряет равновесие, а без ее зыбкой непрочности он рухнет, повалится под собственной тяжестью. Кубизм развивается в совершенно ирреальные и сюрреалистические образы. Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо»И. Она была не только его другом, но и покровителем, покупая его картины за небольшие деньги. Он настолько разный в каждый следующий период, что кажется, что это писали разные люди.

Путешествие же в Испанию в 1906 году дало новый толчок поискам художника и послужило окончанием розового периода. Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и её кукла», 1938). Именно так и случилось с Пабло Пикассо, произведения которого теперь известны всему миру. А. С. Пушкина Семейство комедиантов, Вашингтон, Национальная галерея)., на что тот ему ответил: Это сделали вы. Там же Пабло в течение года проходил обучение в местной школе искусств.

Стиль этот будет развиваться уже в Барселоне, когда художник возвратиться. Поутрам они воровали круассаны имолоко. Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Хорта де Эбро», 1909), увеличивает и ломает объемы («Портрет Фернанда Оливье», 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910). Грандиозный скандал 18 мая 1917 года, состоявшийся на премьере (и единственном представлении) этого балета в театре Шатле немало способствовал подъёму популярности Пикассо в широких кругах парижского бомонда.

По Делакруа» (1955) «Менины. Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Сальмону и Аполлинеру он в первую очередь обязан, очевидно и увлечением цирком. Пабло Руис Пикассо (Picasso Pablo) испанский художник и скульптор, с 1904 года проживавший во Франции.

В 1902 года он вновь вернется в Барселону, однако остаться в ней так и не сможет. Он написал несколько произведений на тему бродячего цирка, которым был увлечен. Печать неистовствовала, критики объявили «Русский балет» едва ли не предателями, деморализующими французское общество в тылу во время тяжёлой и неудачной войны. Отвергнутый ею, он покончил с собой: смерть его глубоко подействовала на Пикассо. Сильные юноши стремительно идут навстречу зрителю, готовые к действию.

Под конец розового периода Пикассо увлекся античными мотивами. Светлые и тёмные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. Свою первую серьезную картину он написал в восемь лет – «Пикадор».

Картины Пикассо: розовый период ()

В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. Под впечатлением смерти начался «голубой период» в творчестве Пабло Пикассо. Например, «Арлекин», «Три музыканта», «Натюрморт с гитарой» (на фото выше).

Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве. Печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка и колорит его картин стали определять нежные розовые, охристые, красные тона. Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. После эпикурейского изящества 1920-х годов (Танец, Лондон, галерея Тейт) в творчестве Пикассо появляется атмосфера конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов. Его интересует сам актер, творческая, созидающая личность. Инструмент он подчеркнул другим цветом в мире грязно-голубого: оттенка, характеризующего бедность и отсутствие надежд.

Голубой и розовый периоды, 1901-1906

Известный факт: талант творческих натур проявляет себя максимально ярко в сложных жизненных ситуация. Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения («Портрет художника, в подражание Эль Греко», 1950) и элементы тавромахии (Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968). Работа Пикассо, помимо всего прочего, полна драматизма.

В частности, картина Алжирские женщины, Version O, ушла за 32 млн. «Меня окружает голубой мир», — повторял он. Звали его Хосе Руис.

Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. В 14 лет он поступил в школу изящных искусств Ла Лонха в Барселоне. Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо. Пикассо оставался в Париже в период немецкой оккупации с 1940 по 1944 год. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты— клоуны, танцовщики и акробаты картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905). Потом началась Первая мировая война, перевернувшая сознание миллионов.

Перечень картин соответственно периодам творчества Пикассо

Пабло учился в Барселоне, Мадриде, неоднократно ездил в Париж, где посетил все музеи. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы: обои, куски газет, спичечные коробки. По Курбе» (1950) «Алжирские женщины. Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, так как сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932). По Мане» (1960). Тот же круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску. Без пейзажей, но с определёнными цветовыми гаммами.

В 1901 году на выставке, организованной Волларом, были представлены 64 работы художника, однако на тот момент они еще были полны чувственности и яркости, явно ощущалось влияние импрессионистов. С 1906 года Пикассо трудился над портретом своей знакомой – Гертруды Стайн. Оккупация не ослабила деятельности Пикассо: портреты, скульптуры (Человек с агнцем), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи (Натюрморт с бычьим черепом, 1942, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия). В 1901 году была также написана картина «Любительница абсента».

1. Эволюция стиля живописи Пабло Пикассо
2. Творчество и жизнь ПаблоПикассо
3. Первая олимпиада по русскому языку в Испании
4. Фестиваль-карнавал в баррио Сан Габриэль
5. К 80-ти летию отъезда из Испании детей войны

Однако, это не помешало ему стать великим гением от искусства. Музей Пикассо был открыт в Барселоне, благодаря самому художнику, который в 1970 преподнёс в дар городу свои работы. В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Творческая биография Пабло Пикассо по-настоящему экстремальна. В 1901 году открылась его персональная выставка на улице Лаффит известной своими престижными художественными галереями.

Однажды нацистский офицер увидев фотографию Герники спросил у Пикассо: Это вы сделали. Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и ее кукла», 1938). Мать и сын», «Девочка с козлом». В 1904 году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. В 1946 году первым обладателем портрета «Доры Маар с кошкой» стает влиятельный парижский дилер Пьер Колле. После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам художник считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины (Портрет Канвейлера, 1910, Художественный институт). Из-за этой скандальной картины с Пикассо порвал Матисс.

• Искусство России на рубеже 19-20 веков, часть 5
• Искусство России на рубеже 19-20 веков часть 4
• Искусство России на рубеже 19-20 веков часть 3
• Искусство России на рубеже 19-20 веков часть 2
• Искусство России на рубеже 19-20 веков, часть 1
• Очерк четвёртый: Сальвадор ДАЛИ
• САМЫЕ ДОРОГИЕ КАРТИНЫ ПАБЛО ПИКАССО

Картины его полны меланхолии. Характерно появление и в последующем доминирование новых для творчества художника тем – актеры, циркачи и акробаты, атлеты.

Их отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. Так в чём же секрет великого мастера. Они – и в особенностях его неугомонного таланта и во влияниях среды. Весной он со своей собакой Фрикой поселился в знаменитом общежитии для нищих художников.

В 1904году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. Русский балет Пабло Пикассо не только вдохновил на создание новых шедевров, но и подарил возлюбленную и долгожданного сына. Ну это я к тому, что некий БГ знает, о чем поет. Кубизм. В 1937 году симпатии Пикассо— на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Фрнко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолётов над позициями франкистов). Особенно важны в тот период скульптуры (Беременная женщина, 1950). Они показаны вне игры изредка во время репетиции, чаще – в будничной жизни, семье.

• Эволюция женских портретов Пабло Пикассо // часть1
• Персоны и личности (интересное о известных)
• Пабло Пикассо «Женщина, расчесывающая волосы»
• Пабло Пикассо «Хосеп Фондевила»
• Пабло Пикассо «Обнаженная с кувшином»

Но смысл новых исканий художника был, разумеется, отнюдь не в изменении его текстуры. В конечном итоге созданный им же самим стиль кубизм перестал постепенно вдохновлять художника и интересовать, открыв дорогу новым веяниям в творчестве. Как правило, все картины этого периода художник выполнял в сине-зеленых оттенках. Среди них— Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937). С последней картиной, на которой изображены ужасы войны, связана одна известная история. Но и не более того. Голубой период.

Это был самый тяжелый период в жизни начинающего художника.

1. Пабло Пикассо «Туалет (Фернанда)»
2. Художник Пабло Пикассо: детство и годы обучения
3. Работы «аналитического» кубизма (1909-1912)
4. Работы «синтетического» кубизма (1912-1917)
5. Работы военного времени (1937-1945)
6. Биография великого испанского художника

---