Японський Живопис

Стили японской живописи: от истоков до наших дней

Влияние популярности гравюр укиё-э на европейское искусство XVIII века называют японизмом. Другим предметом, который широко распространен в японской живописи, является изображение сцен из повседневной жизни и тематических картин, которые часто переполнены цифрами и деталями. В конце XII века наступил закат культуры Хэйанской эпохи. га с ее чужеродной художественной системой даже и неплохо освоенной, не могла стать «знаменем» национального художественного самовыражения, в то время как представители Нихонга имели возможность осмыслить характер и наиболее значимые тенденции отечественного искусства на широком историческом фоне, преломляя их через призму нового мышления, новых запросов общества и собственного художественного видения. В 1914 году Никакаи (Nikakai, Общество Второго Дивизиона) создали выставку в оппозицию финансируемой правительством выставке Бантен. На традиционную японскую живопись периода Тайшо лишь слегка повлияли соперничающие европейские движения, такие как неоклассицизм и поздний постимпрессионизм. Занимателен тот факт, что к концу периода Тайшо начал возрождаться стиль Нихонга (Nihonga), перенявший некоторые черты постимпрессионизма. Творческое воображение художников заработало вовсю.

Позднее открыли отдельную школу Нихонги. В 1895 году Окакура Тэнсин со своими учениками и единомышленниками организовал Независимый Токийский институт искусств (Нихон бидзюцуин), выставки которого получили название «Интэн». Наиболее ценными считаются картины первого периода, на которых он гиперболически и оригинально выразил характерные черты исполнителей главных ролей. В нэцке преломился художественный канон средневековья в сочетании с ренессансной раскованностью искусств в эпоху Эдо. Особенной известностью пользуются его работы, объединённые в сборнике «36 видов Фудзи»: в его картинах Фудзи впервые появляется как символ Японии. После кончины Сэйки кояма (1793-1865) видного мастера школы Сидзё, фактического лидера этого временного выставочного объединения, оно прекратило свое существование.

В конце концов, печатник оговаривал с ним цветовую палитру изображения и наносил краску на формы, которые прикладывали к рисовой бумаге, слегка смоченной водой. Японская живопись (яп. С 1903 – 05 гг. Между тем в самой Японии гравюру на дереве первоначально вообще не считали искусством, таким, как живопись на ширмах или на свитках. Настенная живопись с геометрическими и образными композициями были найдены во множестве склепов периода Кофун (Kofun) (300-700гг.

Традиционная японская живопись и гравюра

Монахи полагали, что совершенствованию помогают строгие линии, расплывчатые тона и тени – все то, что называется монохромностью. Его отец, Кано Масанобу, происходил из военного класса и был придворным живописцем сегуна Аси-кага Как художник, обслуживающий аристократические кланы, Масанобу был приверженцем китаизированного направления (канга) в искусстве. В пропаганду правительства было вовлечено множество художников и критическими обзорами их работ дело не ограничивалось. После войны, в 1947 году была создана спонсируемая правительством Японская академия искусств (Japan Art Academy, Nihon Geijutsuin), включающая отделы как по нихонге, так и по йоге.

Дед мастера, Кано Мотонобу, был придворным художником сегунов Асикага. В отличие от обычных гравюр суримоно не продавали в книжных лавках. Наиболее известными художниками этого периода являются Минтё (1352-1430), Дзёсэцу (первая половина XV в. ), Тэнсёо Сюубун (ум. Будучи уже семидесятилетним стариком, Хокусай создал одно из самых значительных своих произведений – серию «Тридцать шесть видов Фудзи» («Большая волна в Канагава».

Кано Эйтоку работал по заказам полководцев Оды Нобунаги и Тоётоми Хидэёси. Как правило, этот жанр связывают с именами трёх известных художников того времени — Хисикава Моронобу, Утамаро Китагава и Судзуки Харунобу. Однако к середине периода Нара стали популярны изображения в стиле династии Танг (Tang)., упр. Этим практически и ограничивается значение данного направления. Гравюру создавали художник, резчик и печатник.

Процесс формирования живописного направления проходил необычайно интенсивно и плодотворно. Поддерживаемый Окакурой и Феноллосой, стиль Нинонга (Nihonga) развивался под влиянием европейских движения периода до Рафаэля и европейского романтизма. Художники, работающие в стиле Йога, образовали Мейджи Биджусукаи (Meiji Bijutsukai, Общество изобразительного искусства Мейджи), чтобы проводить свои собственные выставки и вновь пробудить интерес к западной живописи. Простолюдины разработали альтернативный вид живописи – фузокуга (fuzokuga), в котором изображались сцены простой, повседневной жизни обычных людей.

Этот период ознаменовался разделением изобразительного искусстваЯпонии на конкурирующие западные и традиционные стили. Западный стиль живописи (Йога, Yga) официально поддерживался правительством: подающих надежды молодых художников посылали учиться за границу иностранные художники нанимались, чтобы проводить занятия в японских школах. Однако после начальной популярности западного стиля, маятник качнулся в другую сторону и, ведомое критиком Окурой Какузо (Okakura Kakuzo) и преподавателем Эрнестом Феноллоса (Ernest Fenollosa), возродилось признание традиционных японских стилей. «Волны в заливе Мацусима») (Приложение 5, 6).

Японская живопись: красота загадочной страны

В XVIII веке Судзуки Харунобу внедрил технику многоцветной печати для изготовления нисики-э («парчовые картинки»). Украшали этот «земной рай» беззаботные красавицы, законодательницы мод известность некоторых из них соперничала со славой знаменитых актеров театра Кабуки. В XIV веке развивается стиль суми-э (монохромная акварель), а в первой половине XVII века художники начинают печатать укиё-э — гравюры на дереве изображавшие гейш, популярных актёров театра кабуки и пейзажи.

Часто одни и те же художники работали и в той и в другой технике. Последний произвёл революцию в укиё-э, впервые применив технику цветной печати. н. э. ). С принятием китайской письменности (канджи), китайской модели государственного управления буддизма в период Асука, в Японию пришли множество картин из Китая, начали появляться местные произведения в таком же стиле.

Жуткая прелесть и мертвые девочки в живописи

Монастыри были главными очагами культуры в средневековой Японии. Творческая судьба Хокусая необычна. Но с течением времени в ней появляются контурные линии. Революцию в укиё-э произвел Судзуки Харунобу (1725-1770), в 1764 году впервые применивший технику цветной печати, названной нисики-э, «парчовые картинки» или Эдо-э, эдоские картинки., «картина, рисунок») — один из наиболее древних и изысканных из японских видов искусств, характеризуется широким разнообразием жанров и стилей. И вот, на этом этапе изготовлена печатная форма.

Искусственному сдерживанию общего развития способствовала самоизоляция Японии (с 1635 года) практически от всех внешних контактов. Темой для живописного свитка «Ловля сома тыквой-горлянкой» послужила дзэнская загадка (коан) о том, как поймать скользкого сома при помощи отполированной тыквы-горлянки. Ее придумал Асикага симицу и приказал художнику выполнить для него ширму с данным сюжетом. Такие работы, как «Фугаку сандзюроккэй» («36 видов Фудзи») и «Хокусай манга», принесли ему мировую славу. Под воздействием идей Фенеллозы Коно Байрэй в содружестве с единомышленниками организовал в 1886 году «Общество изучения живописи для начинающих художников» (моложе 30-ти лет). Это позволяло им быть более гибкими и более свободными в творческих исканиях. Многие его картины включены в число Национальных сокровищ Японии. Восточные мастера намеренно изолировали один персонаж от другого (что видно в работе Кано Мотонобу), вводили между ними интервалы, считая, что формы (персонажи) нужно связывать не столько зрительно, сколько мысленно.

Японская живопись — древнейший вид искусства

К ним относится и Сообшество Карандаша (Fusain Society, Fyuzankai), которое тяготело к постимпрессионизму, особенно фовизму. В XVIII веке Судзуки Харунобу внедрил технику многоцветной печати для изготовления нисики-э («парчовые картинки»). Эти картинки назывались сикоми-э, «быстро изготовленные картинки» их писали художники-матиэси, объединенные в большие артели. Японский исследователь Такаси Исикава, говоря о ма, отметил: «Художник через пустое пространство может выразить такие явления природы, как туман, дымка, облака, вода или дать намек на бесконечность мира».

Все "учения" живописи Нью-Йорка и Парижа были приняты с широко раскрытыми объятиями. В этот период на японскую живопись оказал влияние Китай. Над каждой вещью (как правило, не более 10 см в высоту) мастер трудился иногда целые годы. Эпоха Эдо (1603–1868) характеризуется определяющей ролью интенсивно развивающихся городов, ставших центрами расцвета торговли, ремесел и искусств.

Гравюры третьего периода художник создал в конце 1794 года. Это и определяет стиль и технику данного искусства. Финансирование правительством выставок прекратилось, но появились частные выставки, такие как Ниттен (Nitten), которые были даже обширнее. Суйбокуга переводится как «картина водой и тушью». Вторая серия из 38 картин была написана в августе-сентябре.

Традиционная японская живопись и литература

В своих пейзажах Сэссю (Приложение 3), пользуясь одними лишь тончайшими оттенками черной туши, сумел отразить всю многоцветность мира природы и ее бесчисленных состояний: насыщенную влагой атмосферу ранней весны, невидимый, но ощущаемый ветер и холодный осенний дождь, неподвижную застылость зимы. Однако позднее ямато-и стал использоваться и по-другому (особенно в конце периода Хэйан), например, на свитках эмакимоно (emakimono). Она зарождалась почти параллельно в двух основных культурных центрах: древнем Киото и неофициальной столице — Эдо (с 1865 года Токио).

В XIV веке, в эпоху Средневековья продолжавшегося три с половиной столетия развивается стиль суми-э (монохромная акварель). Вообще искусство эпохи Эдо (1615-1868) характеризуется особым демократизмом (потребителями его являются самые широкие круги горожан — третьего сословия) и сочетанием художественного и функционального. Наиболее выдающиеся художники этого направления Икэ-но Тайга (1723-1776), Урагами Тёкудо (1745-1820), Окада Бэйсандзин (1744-1820), Таномура Тикудэн (1777-1835) и др. Мастерство художника в передаче движения, жеста не может не вызвать восхищения. Например, монохромный пейзаж с одним ярким цветовым пятном – красным заходящим солнцем.

Современный период в японской живописи

Не случайно ее так и назвали — «укиё-э» (слово «укиё» означает в переводе темное, мирское, обиходное»). Работы Эйтоку отличаются элегантностью и уникальны по мастерству исполнения. В Киото процесс начался несколько раньше. На одном из немногих сохранившихся его произведений – «Кипарис» – изображен мощный ствол гигантского дерева, протянувшийся на все восемь створок ширмы.

Его имя Миямото Мусаси, но современники прозвали его Кэнсай – Святой меч. Первоначально японские художники, отчасти в связи с характером тематики, над которой они преимущественно работали (буддийская живопись), находились под сильным китайским влиянием: писали в китайском стиле или стиле кара – э. Но со временем в противовес картинам в китайском стиле кара – э стали появляться светские по тематике картины в японском стиле или стиле ямато – э (живопись Ямато). Представителями этого жанра были высокообразованные художники основу их принципов изображения природы составляют китайские философские концепции, восходящие к даосизму, конфуцианству и чань-буддизму (принципы природной и социальной гармонии и идеализация природы как безупречного божественного творения). Ее использовали монахи для самосовершенствования во время изучения Дзен. Предполагают, что они были созданы художником в четыре периода. Этот стиль стал основой жанра Кара-и, который оставался популярным в начале периода Хэян.

Особенности и достижения японской живописи

В подобных свитках открываются существенные различия между китайским и японским вкусом. Реализм школы Маруямы Окио (Maruyama kyo) и каллиграфический и спонтанный Японский стиль также практиковались в восьмидесятых.

Не случайно ее так и назвали – укиё – э (слово укиё означает в переводе земное, мирское, обиходное). Главными японскими живописцами этого периода были Ясуи Сотару (Yasui Sotaro) и Умехара Рязабуру (Umehara Ryuzaburo), которые привнесли в традиционные японские стили понятия чистой и абстрактной живописи, таким образом сделав японскую живопись более содержательной. Гравер, наклеив рисунок лицевой стороной на доску продольного распила (для этого использовалась древесина вишни иногда груши или самшита), вырезал первую печатную форму. Отлично выписана черная лошадиная голова на переднем плане., «картина, рисунок») — один из наиболее древних и изысканных из японских видов искусств, характеризуется широким разнообразием жанров и стилей.

Монастырь Сёкокудзи относился к школе Риндзаи-дзэн известной также под названием «школа внезапного просветления». Своеобразным стимулом для развития японской живописи в IX веке явилось учение одной из махаянистских сект (мёо) о том, что для избавления мира от страданий и горестей необходимо лишь. А ведь это лишь один из фрагментов свитка. Большая часть пространства картины оставалась незаполненной, «пустой», а предстающие зрителю еле различимые вершины гор и пагод, человеческие фигуры, почти скрытые деревьями или камнями, как бы окутаны туманом.

Они включают в себя настенные рисунки в гробнице Такамацузука, относящиеся к 700г. Резчик изготовлял нужное число (до нескольких десятков) печатных форм, которые сочетались с заданным фоном или окраской. Используется также название шуймохуа (), то есть «живопись тушью», в противопоставление юхуа (), то есть «масляной живописи». Именно ему принадлежит заслуга развития метода цветной гравюры.

Женщина в традиционной японской живописи

Резчик изготавливал необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Первым и наиболее популярным стал жанр бидзинга («картины красавиц»). Именно на парных ширмах написаны Красные и белые цветы сливы – самое значительное и знаменитое из сохранившихся произведений великого художника Огата Корина (1658 – 1716), шедевр, по праву причисляемый к лучшим созданиям не только японской, но и мировой живописи. кайга. Оно пришло из Китая, но японцы решили назвать его по-своему. Ма может содержаться в спектакле театра Но или Кабуки, в архаических танцах и песнях – пауза во время действия встихотворении – тогда это цезура вживописи или гравюре – это незаполненные «пустые» части поверхности бумаги или шелка.

Их небольшой формат лучше всего подошел для повествовательного жанра. Из серии «Тридцать шесть видов Фудзи»). Центром этого жанра стал портовый город Нагасаки (Nagasaki), который, после введения сёгунатом Токугавы политики изоляции, стал единственным японским портом, получившим разрешение вести торговлю с иностранными государствами Нагасаки стал единственным путем проникновения китайских и европейских влияний на искусство в Японию. Его значение как наставника молодых живописцев было чрезвычайно важным. Например. Показывая гору Фудзи – национальный символ Японии – из разных мест, Хокусай впервые раскрывает образ родины и образ народа в их единстве (Приложение 12).

Вторая серия из 38 картин была написана в августе-сентябре. Однако в действительности у этих направлений было больше различий, чем единства. Он оставил после себя 142 картины, которые были выданы при содействии Цутаи Дзюдзабуро.

Направление формирования этого вида живописи во многом определялось вкусами горожан. Еще в конце 18 века в районе Хигасияма регулярно весной и осенью стали проводиться общие выставки живописи и каллиграфии. Ему свойственны неизвестные ранее в японском искусстве полнота охвата жизни интерес ко всем ее сторонам – от случайной уличной сцены до величественных явлений природы. Так, с X века с целью распространения среди верующих знаний о событиях буддийской священной истории в массовом порядке создавались так называемые эмакиномо (длинные горизонтальные свитки), на которых изображались сцены из буддийской священной истории или из связанных с нею притч.

Самые известные работы в стиле эмаки можно увидеть в японском эпосе «Повести о Гендзи», который датируется 1130 годом, хотя написан мог быть и раньше. По глубине чувств, переданных японскими художниками, живопись смыкается с поэзией. Начальный этап в развитии сюжетной гравюры связан с именем Хисикава Моронобу (1618 – 1694)., годы жизни неизвестны) — японский художник-портретист периода Эдо. Предполагают, что они были созданы художником в четыре периода. Период Камакура (занимает временной промежуток с конца XIIвека по первую половину XIV века), занимавший временной отрезок с конца двенадцатого века и по первую половину четырнадцатого века, характеризуется изменением стилей, поисками новых способов изображения жизни.

В период Муромати (1392 – 1578) соотношение между буддийской живописью, живописью в японском стиле и монохромной живописью решительно сдвигается в пользу последней. Позднее стала популярной пейзажная гравюра. Гравюры в стиле укиё-э — основной вид ксилографии в Японии. В самом «непочтительном» стиле Бодхидхарма часто изображается с большой долей юмора, что порицалось традиционными буддийскими школами. Живопись в Японии всегда наглядно отражала основные тенденции культурной и общественной жизни страны.

Вслед за бытовой живописью гравюра стала называтьсяукие-э. Они указывают на то, что это произведение относится к синтетическому виду искусства — сигадзику («стихоживопись»), объединившему в себе живопись, каллиграфию и поэзию. Интерес к женским персонажам не случаен.

Эмакимоно включали в себя иллюстрированные художественные произведения (например, Генджи Моногатари (Genji Monogatari) исторические хроники (например, Бэн Дайнагон Экотоба (Ban Dainagon Ekotoba) и религиозные записи. Монохромная техника представляла собой более утонченный вариант. Японская гравюра в 1780-1790 гг.

Японская живопись и дзэн-буддизм

вступает в период расцвета. Первым мастером многоцветной гравюры был Судзуки Харунобу, творивший в середине XVIII века. Так работал знаменитый Кесай Каванабэ (1831-1889), принадлежавший к школе Кано, но вносивший в свои работы помимо характерной для него яркой экспрессии стилистические черты других школ, в частности Укиё и довольно смело обращавшийся к европейским приемам.

Однако основа японского суми-э осталась неизменной. Она состояла из портретов актёров во весь рост. Европейский стиль искусства активноподдерживалось властями, отвергая старые традиции. Гохуа (кит. Однако, главным в творчестве мастера стали пейзажи, выполненные в монохромной технике суйбокуга («живопись тушью и водой»). Начальный этап развития Нихонга связан с эпохой Мэйдзи.

путешествовал за границей, проводя выставки в Индии, США и Европе. н. э. ). Но, пожалуй, самыми заметными являются отличия в тематиках. Идеи Тэнсина получили реальное претворение в творчестве выпускников Нихон бидзюцуин. Японская живопись (яп.

Японская живопись и графика - веков

В Токио становление новой живописи происходило иным образом. Жанр «стихоживописи» пользовался большой популярностью среди монахов школы Дзэн и среди художников и поэтов, связанных с дзэнским учением. Это эмакимоно написано тушью.

Она приводит также мнение японского специалиста Сасаки Дзёхэя, считающего школу Маруяма фундаментом Нихонга. И именно в этом ключе живопись дополняет дзэнская медитация. Этот жанр повлиял на развитие японской школы Кано, а также на таких художников, как Икэ-но Тайга и са Бусон (стиль нанга), а также Тани Бунте, Маруяма Оке и Кацусика Хокусай. А. С. Пушкина.

Позднее, уже на родине, в «Длинном свитке пейзажей» он обрел собственный взгляд на мир и свой особый живописный почерк. Дзёсэцу — один из первых японских мастеров, работавших в стиле суйбокуга (живопись тушью). Эта форма искусства стала популярной в городской культуре Эдо (современный Токио) во второй половине XVII века. Ко второму поколению группы Тэнсина принадлежит Ясуда Юкихико (1884-1978)., кобаяси Кокэй (1883-1957), Маэда Сэйсон (1885-1936) и др. Более условны, почти как маски театра Но, напряженные лица самураев на заднем плане.

Однако довольно быстро связь прервалась, страны развивались параллельно (не без взаимного влияния, конечно же). Самым известным мастером театральной гравюры является Тёсюсай Сяраку. Техника печати с деревянной доски, пришедшая из Китая одновременно с распространением буддизма известна уже с периода Нара (710–794). Немалая подготовка предшествует изготовлению гравюр. Картина относится к жанру сигадзику («стихоживопись»).

В XVIIвеке формируется особое направление в искусстве, получившее название укиё-э. был гениальный художник Кацусика Хокусай (1760-1849). Его настенные росписи походили на огромные пейзажные свитки, где пространство уходило в глубину, а законы воздушной перспективы строились с помощью традиционной техники размывов туши с ее тональными переходами., годы жизни неизвестны) — японский художник-портретист периода Эдо. Именно так появляется притягательность картин в стиле суми-э, которые сочетают весьма разные оттенки черного и серого. Мастер гравюр укиё-э. Не существовало даже четкого деления на мастеров живописи и гравюры. Тосюсай Сяраку (яп. Примером может служить не очень известная школа Хара в Киото, основанная Хара Дзайтю (1750-1837).

1. Японский пенсионер создаёт в великолепные картины
2. Всего понемногу, но сразу: Яркие картины японского художника
3. Эротические рисунки великого японского художника Кацусика Хокусай
4. Персонажи Диснея в стиле аниме – неожиданное увлечение японской художницы
5. Новые работы Одри Кавасаки ( ) на выставке современного искусства
6. Робот заменит художников граффити
7. Изобразительное искусство Японии: исторический обзор

Если до 14 века главной темой живописи были портреты тиндзо, портреты патриархов, «цветы и птицы», то в 15 веке и в Японии стали рисовать классические китайские пейзажи сансуй в полном смысле этого слова. В центре внимания художников укие-э, как правило, были прекрасные дамы, гейши и куртизанки (жанр бидзинга), актеры театра кабуки, воспринимавшиеся в ту эпоху как «куртизаны» мужского пола (жанр якуся-э), эротические сцены (так называемые сюнга – «весенние картинки»), сцены любования природой, праздники и фейерверки, «цветы и птицы» (катёга)., а также знаменитые виды природных ландшафтов, благодаря их живописной красоте ставшие местами паломничества. Только из одних этих компонентов и состоит весь стиль. Крупнейшим мастером декоративной живописи был знаменитый Кано Эйтоку (1543-1590), живший во второй половине XVI в. Эйтоку был первым японским живописцем использовавшим золотую фольгу как основу для больших композиций настенной живописи.

В сериях его гравюр на темы из жизни женщин – «Соревнование в верности», «Часы и дни девушки», «Избранные песни любви», «Прекраснейшие женщины современности» и др. Творчество Хокусай, вобравшее в себя многовековой опыт искусства своего народа, – вершина в художественной культуре средневековой Японии, ее замечательный итог (Приложение 13).

Творчество Хокусай основывается на многовековой живописной культуре Японии. Влияние популярности гравюр укиё-э на европейское искусство XVIII века называют японизмом. Гравюры третьего периода художник создал в конце 1794 года. Именно на парных ширмах написаны «Красные и белые цветы сливы» — самое значительное и знаменитое из сохранившихся произведений великого художника Огата Корина (1658-1716), шедевр, по праву причисляемый к лучшим созданиям не только японской, но и мировой живописи.

Одним из наиболее популярных жанров японской мелкой пластики были нэцкэ. Соответственно в живописи возросла роль декоративных интерьеров, росписей.

Ики подразумевает изысканность, с которой человек одевается и общается. Главным для них было – передать настроение героя. Вся творческая жизнь Минтё прошла в монастыре Тофукудзи в Киото, входившем в так называемую систему «пяти храмов» (годзан), проповедовавшую китайскую культуру., картины (образы) изменчивого мира) — направление в изобразительном искусстве Японии, получившее развитие с периода Эдо. Слово укиё, дословно переводящееся как «плывущий мир», является омофоном к буддистскому термину «мир скорби», но записывается другими иероглифами. Гравюры в стиле укиё-э — основной вид ксилографии в Японии. Эта точка зрения была справедлива только отчасти. Блистательно возродив пейзажный жанр, давший в средние века такие шедевры, как Зимний пейзаж Сэссю, Хокусай вывел его из канона средневековья прямо в художественную практику XIX – XX веков, оказав и оказывая влияние не только на французских импрессионистов и постимпрессионистов (Ван-Гога, Гогена, Матисса), но и на русских художников Мира искусства и другие, уже современные нам школы. Произведения в стиле суйбокуга создавались тушью, при этом показывалась игра света и тени на предметах, но отсутствовали контурные линии.

1. Презентация на тему: Живопись Древней Японии
2. Известные японские художники периода Муромачи
3. Известные японские художники периода Азучи-Момояма
4. Известные японские художники периода Эдо

Примеры этого жанра включают в себя работы школы Нагасаки, а также работы школы Маруяма-Шиджо (Maruyama-Shijo), объединившей китайские и европейские влияния с традиционными японскими элементами. Третья важная тенденция периода Эдо – подъем жанра Бунджинга (Bunjinga иллюстрации к литературным произведениям), также известного как школа Нанга (Nanga, Южная школа живописи). Одной из особенностей японской культуры является её долгое развитие в период полной изоляции страны (политика сакоку) от всего остального мира в период правления сёгуната Токугавы, длившейся до середины XIX века – начала периода Мэйдзи. Ее наивысший расцвет связан с именем выдающегося мастера Тоё Ода (1420-1506), больше известного под псевдонимом Сэссю. Примером такого сочетания является живопись на ширмах.

Его работы, в отличие от многих других бывают и полихромными. Верхняя часть свитка покрыта каллиграфическими надписями, большей частью поэтическими. внизу картины стоит красная подпись «Сикан», видимо, это имя художника, однако о его биографии ничего не известно.

В своей знаменитой книге «Идеалы Востока» (1904) он писал «Свобода является величайшей привилегией художника, но это всегда свобода в смысле постоянного самосовершенствования» (Kawakita Michiaki, Ibid. История японской живописи прошла в своём развитии несколько этапов.

То:сю:сай Сяраку. И в этом аспекте можно сказать, что Сэссю оказал огромное влияние на японскую живопись. Вместе с тем влияние искусства каллиграфии на живопись Японии не следует преувеличивать.

Из 64 картин 4 картины были посвящены теме сумо, а остальные — кабуки. Для этого резчик накладывал на специально подготовленную доску продольного распила (из древесины груши, вишни или японского самшита) кальку с рисунком и вырезал необходимое количество печатных досок в зависимости от цветового решения гравюры.

1. Известные японские художники периода Мейджи ()
2. Известные японские художники периода Тайшо
3. Известные японские художники периода Шоуа
4. Словари и энциклопедии на Академике
5. Экстрим оффроад на ниве в поисках старинной церкви
6. Как нарисовать портрет пастелью

В деятельности отдельных, наиболее одаренных художников наблюдались попытки к обновлению живописной традиции. Помимо традиционной живописи в Японии активное распространение получила гравюра на дереве., картины (образы) изменчивого мира) — направление в изобразительном искусстве Японии, получившее развитие с периода Эдо. Особенную элегантность получила монохромная техника. кайга.

Если человек не обладает ясностью мысли, он станет рабом внешних обстоятельств. P. 78). Он выступил в роли главного теоретика и создателя концепции новой живописи. Яркий пример — панно «Цветы и птицы», состоящее из сорока девяти свитков. Затем осторожно вырезаются незакрашенные участки. В XVI веке эти картины положили начало развитию гравюр на дереве для оттиска или укиёи (ukiyoe), которые в середине и в конце периода Эдо были основными носителями письменной информации.

Вообще искусство эпохи Эдо (1615 – 1868) характеризуется особым демократизмом (потребителями его являются самые широкие круги горожан – третьего сословия) и сочетанием художественного и функционального. Этот курс продолжили Леонард Фоуджита (Leonard Foujita) и Общество Ника, добавив элементы сюрреализма. Художник Утамаро (1753 – 1806) представляет собой, может быть, уникальный в истории мировой живописи пример мастера, безраздельно посвятившего свое творчество изображению женщин – в разных жизненных обстоятельствах, в разнообразных позах и туалетах.

1. Живопись Страны Восходящего Солнца
2. Живопись суми-э (период Муромати, 15 век)
3. Профессиональный фотограф и отсутствие сюжета снимка

Самый ранний сохранившийся пример находится в пятиярусной пагоде Дайго-джи (Daigo-ji), храме на севере Киото (Kyoto). Такие картины делались быстрыми штрихами кисти и были минимально детализированы. Картина "Ловля сома на тыквенную семечку" (Catching a Catfish with a Gourd), написанная священником-художником Джосетсу (Josetsu), которая находится в храме Тайзо-ин (Taizo-in) в районе Миошин-Джи (Myoshin-ji) в Киото, отмечает собой поворотный момент в живописи периода Муромачи. Слово укиё в древности обозначало одну из буддийских категорий и могло переводиться как «бренный мир» или «юдоль скорби». О художественных достоинствах исторических самурайских эмакимоно (свитков) указанного времени можно судить по фрагменту из Хэйдзи – моногатари с изображением одного из эпизодов войны – Битвы у Рокухара. Инициатором учреждения Кангакай был, как ни странно, американский преподаватель философии Эрнест Фенеллоза (1853-195). Во многом, считающаяся вторичной, культура страны восходящего солнца, действительно, в самом начале была «детищем» китайской. В период Тайшо европейские стили доминировали над традиционными.

Одной из важных групп художников была школа Тоса (Tosa), которая использовала традиции ямато-и и была известна, в основном, благодаря работам небольших масштабов и иллюстрациям к литературной классике в книгах или эмаки (emaki). Одновременно оно могло пониматься как «быстротекущий мир наслаждений». Один из самых известных и популярных – Такаши Муроками (Takashi Murakami), вместе со своими коллегами по студии Каикаи Кики (Kaikai Kiki). Адаптировав влияние китайской живописи, Сэссю создал свой стиль живописи тушью, темой картин были реально существующие японские пейзажи, такие как «Вид Ама-но хасидатэ». Кроме того Сэссю оставил после себя множество учеников, среди которых Сюгэцу из провинции Сацума, Соэн (монах-художник из монастыря Энкакудзи в Камакура), каждый из которых вернулся на свою родину и работал там.

Эта особенность станет одной из отличительных черт Нихонга. Термин укие-э заимствован из буддийской философии и означает «мир скорби», то есть мир преходящих иллюзий, в котором уделом человека являются скорбь, страдания, болезни и смерть. Живопись в Японии появилась в самый древней период истории страны.

Термин Гохуа (буквально, «живопись страны» или как сокращение от Чжунго хуа (), «Китайская живопись») был введён в конце XIX — начале XX века как противопоставление сиянхуа (), то есть — западной («заморской») живописи. Тщательно прорабатывали и вырисовывали детали. Западные стиль живописи официально продвигался правительством.

Слово, кстати, японское. Японская живопись суми-э или суйбокуга, в переводе означает «рисование тушью». Но с течением времени в ней появляются контурные линии. На свитке изображен рыболов, стоящий на берегу реки и пытающийся поймать сома. трад.

в 1460 г. ) и др., не довольствовавшиеся простым следованием китайской традиции, а пытавшиеся утвердить собственный подход к монохромному пейзажу. Гравюры укиё-э были доступны по цене из-за возможности их массового производства. После этого печатник, подбирая нужные оттенки, на особой бумаге делал оттиски. (Nihonga. Работы Эйтоку отличаются элегантностью и уникальны по мастерству исполнения. Сначала гравюра была однотонной и ее раскрашивал от руки сам художник или покупатель.

Из серии «Тридцать шесть видов Фудзи»), позволяющую поставить его в один ряд с самыми выдающимися художниками мирового искусства. Басё узнаваем, как и на изображенных тушью иллюстрациях к его дневнику «По тропинкам севера»: круглая лысая голова, большой нос, сосредоточенный грустный взгляд.

выдающийся мастер монохромной живописи Као Нин-га писал сильными, грубыми мазками. Шубун, монах монастыря Шококу-джи (Shokoku-ji) в Киото, написал картину "Чтение в бамбуковой роще" (Reading in a Bamboo Grove), реалистичный пейзаж с глубоким удалением в пространстве. Мастера укиё – э добивались максимальной простоты и доходчивости как в выборе сюжетов, так и в их воплощении. до н. э. – 300г.

Самые ранние из сохранившихся выдающихся произведений относятся к периоду Нара (645-794) – это росписи храма Хорюдзи. Влияние популярности гравюр укиё-э на европейское искусство XVIII века называют японизмом. Позже их на своё усмотрение раскрашивал художник. В буддийской живописи также появляются новые формы.

Вероятно, жил между 1763 и 1820 годами. Кано Эйтоку работал по заказам полководцев Оды Нобунаги и Тоётоми Хидэёси. С развитием литературы живопись приобрела характер иллюстраций. Японские художники в отличие от западных не создают иллюзию сплошной поверхности картины, а оставляют большие пространства незаполненными, называя этот прием ма – «промежуток», «пауза».

Вместе с тем, сохранив свое функциональное назначение, нэцкэ превратились в силу непреходящих эстетических потребностей народа в разновидность тонкой миниатюрной скульптуры. В эпоху императора Мейджи (1868-1912) и его прозападной политики стиль укие-э, всегда тесно связанный с народной национальной культурой, существенно замедлил свое развитие и практически пришел в упадок. На художественную ценность укиё-э обратили внимание достаточно поздно, долгое время в Японии этот жанр почитался как «низкий». Ibid. Только после этого можно уловить подлинный смысл вещей.

Гравюры укиё-э были доступны по цене из-за возможности их массового производства. Западные стиль живописи официально продвигался правительством.

Хисида Сюнсо родился в 1874 году в префектуре Нагано. Гравюра из серии «Прекраснейшие женщины современности») (Приложение 10). Школа Кано (Kano) получила покровительство Оды Нобунаги (Oda Nobunaga), Тойотоми Хидеёши (Toyotomi Hideyoshi), Токугавы Иеясу (Tokugawa Ieyasu) и их последователей, её размер и престиж сильно выросли.

Буддийские сюжеты были одной из важных составляющих китайской живописи, хотя сам Кано Мотонобу редко обращался к этой теме. Свиток «Патриархи дзэн-буддизма» представляет собой групповой портрет основоположников Дзэн (всего их 6) в окружении учеников и на фоне канонического китайского пейзажа сан суй («горы-воды»). Одна из значительных школ, появившихся в начале периода Эдо – школа Римпа (Rimpa), которая использовала классические сюжеты, но представляли их в смелом и ярком формате. Почти все эти художники интерпретировали стиль национальной школы Ямато-э (Ямато – одно из древних названий страны), отдавая предпочтение ярким цветовым сочетаниям, выразительности линий и форм. кайга, «картина, рисунок»)— один из наиболее древних и изысканных японских видов искусств, характеризуется широким разнообразием жанров и стилей. Однако это не всегда приводило к большим достижениям. Позднее стала популярной пейзажная гравюра. В буддийской живописи также появляются новые формы.

Возможно, следуя этой традиции, Кадзан Ватанабэ (1793–1841) на своем свитке «Весенний пейзаж» (шелк, тушь, подрисовка) изобразил поэта Басё, создателя трехстиший хокку (хайку). Принципы китайской живописи прослеживаются и в композиционном построении. Ibid. p. 18). Популярными были изображения театра кабуки, проституток и пейзажи.

Например, декоративный натурализм школы римпа (rimpa), для которого характерны великолепные чистые цвета и подтеки краски, был отражен в работах многих художников после войны и в картинах Хикосаки Наоёши (Hikosaka Naoyoshi) в 1980-х. Первые свои работы он создал во время путешествия по Китаю. Художники и-маки (E-maki) разработали системы условных рисунков, которые визуально передавали эмоциональное содержание каждой сцены. Утамаро был создателем женских образов, воплощавших национальный идеал красоты («Женщина перед зеркалом») (Приложение 8, 9).

Центрами культуры и искусства позднего средневековья (оно затянулось в Японии практически до XIX века) становятся наряду с древними городами Нара и Киото новая столица Эдо (современный Токио), Осака, Нагасаки и др. Укиё-э (яп. Нельзя не отметить обусловленность уникального стиля Японии особенностями менталитета ее жителей. В период Муромати (1392-1578) соотношение между буддийской живописью, живописью в японском стиле и монохромной живописью решительно сдвигается в пользу последней. Термин суй означает изысканность в манерах поведения. По стилю они напоминают китайские картины времен династии Су (Sui) или позднего периода Шестнадцати королевств. С развитием в Японии тайных буддистских сект Шингон (Shingon) и и Тендай (Tendai) в VIII и IX веках, стали преобладать религиозные картины, чаще всего изображавшие Мандалу (Mandala).

Они больше ценились в Японии, чем в Китае. То:сю:сай Сяраку. Альбомный лист и иллюстрации на свитках (эмаки) как основные форматы живописи появились практически одновременно с ямато-э. В этом плане любопытен западный взгляд на такое состояние.

Творческая активность приходится на 1793—1794 годы. Эта традиция, несомненно, началась в период раннего средневековья под влиянием Китая, но со временем стала рассматриваться как часть японских традиций, которая существует и сегодня. Позднее, с периода Хэйан (794–1185), на гравюрах появились божества и исконно японского синтоистского пантеона, а также священные животные (черепаха, журавль, карп). Считается, что "новый стиль" живописи, появившийся в Японии около 1413 года, характеризуется изображением широких пространств, что было характерно для китайской живописи того периода. К концу XIV века одноцветные изображения пейзажей (сансьюга, sansuiga) получили одобрение правящей семьи Ашикага (Ashikaga) и стали предпочтительным жанром среди художников дзен, постепенно отходя от китайских корней и приобретая японские особенности. Наиболее известные художники периода Муромачи – священники-художники Шубун (Shubun) и Сесшу (Sesshu).

– Хсен-цу (Hsien-tzu) в момент, когда он достиг просветления. Вместе с тем влияние искусства каллиграфии на живопись Японии не следует преувеличивать. Первоначально японские художники, отчасти в связи с характером тематики, над которой они преимущественно работали (буддийская живопись), находились под сильным китайским влиянием: писали в китайском стиле или стиле кара-э. Подобные районы существовали и в Осаке и в Эдо.

Китайские мастера придерживались принципа: разнообразие — закон природы, но не композиции. В XIV веке развивается стиль суми-э (монохромная акварель), а в первой половине XVII века художники начинают печатать укиё-э — гравюры на дереве изображавшие гейш, популярных актёров театра кабуки и пейзажи. Из 64 картин 4 картины были посвящены теме сумо, а остальные — кабуки.

В произведении Минтё присутствуют все основные элементы «идеального пейзажа»: небольшая хижина с фигуркой человека, камни, омываемые горным ручьем и проступающие сквозь туманную дымку вершины гор. «неясная манера») в котором отсутствуют контурная линия и изображение имеет размытые очертания. Слово э в термине укиё-э означает «картина»., «картина, рисунок») — один из наиболее древних и изысканных из японских видов искусств, характеризуется широким разнообразием жанров и стилей. Укиё – э, как особая художественная школа, выдвинула целый ряд первоклассных мастеров.

В период Муромати (временной отрезок с первой половины XIV века по вторую половину XVI века) на первый план выходит тенденция, прославившая японскую живопись на весь мир. Несколько позднее появились многометровые живописные свитки эмакимоно, а также живописные произведения на отдельных листах альбомного формата (сооси). Она состояла из портретов актёров во весь рост. Это объединение до начала 20 века пользовалось поддержкой императорского двора. Отличается не столько качественно, сколько самим подходом идеей, философией.

«Бог ветра», Огата Корин. Первые такие картинки появились еще в начале века это были недорогие живописные работы. Восьмой сёгун Асикага симаса не интересовался политикой, а вложил все силы в развитие культуры и коллекционировал, оценивал привезенные из Китая картины и посуду для чайной церемонии.

Они создали Кангакай (Общество поощрения живописи), ставшее одним из наиболее авторитетных и влиятельных среди множества художественных объединений активно возникавших в период Мэйдзи. Таких героев называли «уединенным человеком, вольным мужем», который наслаждался покоем и созерцательностью одинокой жизни в горах, предавался беседам с друзьями и размышлениям о природе. Процесс создания гравюры выглядел следующим образом. В этом стиле работали такие художники, как Ике но Таига (Ike no Taiga), Урагами Гиокудо (Uragami Gyokudo), Йоса Бусон (Yosa Buson), Таномура Чикуден (Tanomura Chikuden), Тани Бунчо (Tani Buncho) и Ямамото Баитсу (Yamamoto Baiitsu). Из-за строгой финансовой и социальной политики сёгуната Токогава дорогие произведения этих жанров и стилей были лимитированы для высших слоев общества и недоступны, даже запрещены для низших классов.

Хокусай создал индивидуальную и неповторимую манеру, творчески вобрав самые разные стили. В 1889 году переехад в Токио для учебы в школе Кано у художника Юки Масааки. Спустя век, художник Корин (Korin) переработал стиль Сотатсу и создал великолепные картины в своем собственном стиле. Другой важный жанр, появившийся в период Азучи-Момояма, но достигший пика своего развития в начале периода Эдо – Намбан (Namban), который изображал экзотичных иностранцев и использовал экзотичный иностранный стиль изобразительного искусства. Именно в Эдо (Токио), новой столице страны, началось становление нового направления в изобразительном искусстве – жанровой живописи, получившей название укиё-э («картины повседневной жизни»). Но и они поданы в броске, в движении.

Некотопые художники уже преодолели это расстояние, подобно знаменитому живописцу Шиноде Токо (Shinoda Toko). Сёгунский дом Асикага поддерживал учение Дзэн, в это время достигла расцвета «литература пяти монастырей» и из монастыря Сёкокудзи в Киото, который принадлежал дому Асикага, вышло множество монахов-художников, начиная с Дзёсэцу, Сюбуна, Сэссю и других.

В развитии декоративной живописи важную роль сыграла так называемая школа Сотацу – Корин. О жизни Тосюсая Сяраку почти ничего не известно. Transcending the Past. Но и остающиеся рассказывают современному зрителю о величии таланта Кано Эйтоку и о богатой культуре периода Адзути-Момояма. Итак, мы познакомились с основными направлениями в истории японского искусства. Но уже в 1867 году появилась одна из первых художественных организаций – Дзёунся («Объединение, подобное облаку»), в которую вошли представители всех живописных течений Киото, а также известные коллекционеры, антиквары, знатоки искусства, ученые.

Дзёунся просуществовала около 20 лет и затем была реорганизована в Косо Кёкай (Ассоциацию живописи) которая стала чисто профессиональным объединением художников Нихонга. Примером такого сочетания является живопись на ширмах.

Золотой фон подчеркивает яркость красок, делает их более звучными (Приложение 4). Сьюбокуга (Suibokuga), строгий одноцветный стиль живописи использующий чернила, появившийся в эпоху династий Сунг (Sung) и Юань (Yuan) в Китае, в значительной степени заменил собой многоцветные иллюстрации в свитках предыдущего периода, хотя многоцветная портретная живопись сохранилась, в основном в форме картин "чинзо" (chinso) монахов Дзен. В свое время, в прошлом столетии, Европа, а затем и Россия именно через гравюру впервые познакомились с феноменом японского искусства. Мастер исполнил более тридцати тысяч рисунков и проиллюстрировал около пятисот книг.

Этот термин достаточно сложен и многозначен. "Осада дворца Санджо" (Siege of the Sanj Palace) – еще один знаменитый пример этого стиля. На гравюрах изображались прекрасные гейши (бидзин-га), массивные борцы сумо и популярные актёры театра кабуки (якуся-э). Эта форма искусства стала популярной в городской культуре Эдо (современный Токио) во второй половине XVII века. Основоположником укиё-э считается японский художник и график Хисикава Моронобу Изначально гравюры были чёрно-белыми — использовалась лишь тушь, с начала XVIII века некоторые работы затем раскрашивались вручную с помощью кисти.

Живопись укиё явилась непосредственным предшественником гравюры укиё. Ясный день (Красная Фудзи)». Исходя из этого постулата, они изображали не более пяти фигур в одном месте, остальные же располагались в других местах. P. 92).

До XIXвека японцы практически не знали печатного станка. То же назначение сохранялось у них и в последующем периоде Эдо (Edo), когда сёгунат Токугава (Tokugawa) продолжил продвигать работы школы Кано как официально санкционированный вид изобразительного искусства для сёгуна, феодалов (daimyo) и императорского двора. Однако, в период Азучи-Момояма существовали и развивались художники и течения в живописи, не относящиеся к школе Кано они перенимали китайские тематикии применяли их с использованием японских традиций. Предшествующие суйбокуга техники возникли в древнем Китае. Спустя столетие в начале 15 века будет создан целый ряд произведений в жанре «сигадзику» (свитки со стихами и живописью). Простые рисунки из палочек и геометрические композиции встречаются на гончарных изделиях периода Йомон (Jomon) и на бронзовых колоколах дотаку периода Яёй (Yayoi) (300г. «Пустота» такого рода рождает образы и идеи, которые иным образом появиться не могут.

Двумя основными эстетическими принципами городской культуры периода Эдо были «ики» и «суй». Тайкан и Сюнсо, разрабывая жанр пейзажа, создали новый технический прием – моротай (букв. Тосюсай Сяраку (яп. Их издавали частным образом и для этого применяли особые краски и особую технику печати.

Мастер гравюр укиё-э. Укие-э и означает «картинки плывущего мира». При яростном динамизме сцены и яркости ее художественного решения не устаешь удивляться степени проработанности отдельных деталей. Творческая активность приходится на 1793—1794 годы. Затем изготовлялись черно-белые оттиски, на них художник наносил необходимые цвета. Картины рисуются и рисовались монохромными с использованием туши (мумии) которая делалась из древесного угля и сажи, разбавленных водой к необходимых пропорциях.

Специалисты уже давно обратили внимание на то, что искусство живописи в странах Дальнего Востока генетически граничит с искусством каллиграфии. Но вскоре ажиотаж вокруг западной живописи быстро утих и интерес к традиционному искусству резко возвратился. Эллен Конант исследовательница японской живописи, писала о том, что Маруяма Окё (1733-1795) основатель школы Маруяма, привлек много одаренных учеников и последователей и создал очень перспективное направление, которое стало доминирующим в художественном мире Киото вплоть до Реставрации Мэйдзи (1868). В этот период в Японию после долгого пребывания в Европе вернулись многие художники (включая Аришиму Икуму (Arishima Ikuma), принеся с собой техники импрессионизма и раннего постимпрессионизма. Он оставил после себя 142 картины, которые были выданы при содействии Цутаи Дзюдзабуро.

Она разделялась на два вида: театральная гравюра и бытописательная гравюра. Развил направление он уже на родине. Этот китайский стиль был заимствован японскими художниками в XIV веке и постепенно, адаптируясь к местным вкусам, превратился в основное направление японской живописи, особо почитаемое художниками-монахами. В бытописательной гравюре в качестве основоположников прославились такие выдающиеся художники, как Судзуки Харунобу («Чтение») и Китагава Утамаро (1753-1806). создать изображение бодисатвы определенного, но неизвестно какого вида.

Настроение японской живописи круто меняется. Работы Камиля Писарро (Camille Pissarro), Поля Сезанна (Paul Cezanne) и Пьера Августа Ренуара (Pierre Auguste Renoir) повлияли на живопись в начале периода Тайшо. Китайский концептуальный пейзаж сан суй («горы-воды») носил созерцательно-философский характер, его образный строй основывался на передаче в живописи идеи беспредельности пространства, в котором жизнь природы и человека сливалась в единое целое. Такой взгляд отвечал главной мысли дзэн-буддизма, рассматривавшего природу как высшее проявление истины, гармонии и красоты, а сам пейзаж представал больше культовой и философской, нежели эстетической, категорией.

Эта картина также считается самым ранним примером японского стиля живописи Ямато-и (Yamato-e), в котором изображаются местности вокруг Киото. И изначально техника не имела какой-либо эстетической стороны. – как правило, нет повествования, действия.

Эпоху Муромати можно назвать периодом расцвета японской живописи тушью. Большое значение для судеб японской живописи, равно как и скульптуры имело распространение в стране буддизма, поскольку потребности буддийской культовой практики создавали определенный спрос на произведения этих видов искусства. При этом подверглись изменению как формы «бытования» искусства, так и его общественная функция. Кано Эйтоку (Kano Eitoku) разработал способ изображения грандиозных пейзажей на скользящих дверях, огораживающих комнаты. Зачастую автор был неизвестен, а композиция непритязательна.

Соответственно в живописи возросла роль декоративных интерьеров, росписей. Типичным примером такой живописи является изображение священником-художником Као (Kao) легендарного монаха Кенсу (Kensu, в кит. Все шло к объединению Востока и Запада. До X в. в японской живописи доминировало китайское направление буддийского содержания.

Шедевры японской живописи этого периода оказали большое влияние на европейскую живопись. С целью сохранения и возрождения старых живописных школ эпохи Эдо в 1879 году при участии правительства было организовано Рютикай («Общество Драконового пруда») в 1887 году преобразованное в Японскую ассоциацию искусства.

Меньше красочности, картины не столь насыщены, господствует минимализм. Художник делал контурный рисунок тушью на тонкой прозрачной бумаге. С начала XVIII в. в Японии в моду входит стиль бундзинга – буквально «просвещенная живопись». Важную роль в жизни городов играли так называемые «веселые кварталы», бывшие единственным местом, где горожанин мог ощутить себя свободным, независимым человеком, которому доступны все земные радости. С постоянным развитием буддизма в Япониив направлениинового течения "Девственная земля" (Pure Land) в секте Джодо (Jodo) в X веке, в живопись добавился новый важный жанр: райгозу (raigozu), который изображает Будду Амиду (Buddha Amida), встречающего души верующих в своем Западном Раю (Western Paradise).

Несомненной находкой Кано Масанобу стало соединение в рамках одного произведения элементов двух классических жанров — пейзажа и катёга («цветы-птицы»). Иногда их было больше тридцати.

Последняя серия картин включала 12 рисунков, написанных в феврале 1795 года, на которых были изображены борцы сумо и актёры. О жизни Тосюсая Сяраку почти ничего не известно. И-маки также являются одними из самых ранних и великолепных примеров стилей живописи отоко-и (otoko-e, мужские картины) и онна-и (onna-e, женские картины). Следует отметить, что в Японии понятие Нихонга обозначает всю национальную живопись со времени ее появления в эпоху Хэйан (794-1185), оставляя в стороне Кара-э («китайскую живопись») и иностранную живопись, в том числе и произведения японских художников, выполненные в западной манере.

Возникшая в XVIIвеке в среде набиравшего силу «третьего сословия» – горожан, ремесленников, торговцев – ксилография отражала их взгляды на искусство. Высочайшего уровня жанр японской гравюры достиг в творчестве Кацусика Хокусая (1760 – 1849). Слово укиё, дословно переводящееся как «плывущий мир», является омофоном к буддистскому термину «мир скорби», но записывается другими иероглифами. Этот мастер соединил черты школ Кано, Тоса, Маруяма и китайской живописи периода Мин (1365-1644) и Цин (1644-1912). Во время данного периода в Японии грянуликолоссальные политические перемены.

О древней японская живописи можно судить лишь по упоминаниям в письменных документах. Многие его картины включены в число Национальных сокровищ Японии. Transcending the Past. А также особые природные явления (частые землетрясения и тайфуны), что выразилось в своеобразном отношении японцев к природе как к живому созданию.

Среди немногих (около 40) сохранившихся работ художника — портрет священника Сойти (1202—1280), основателя этого монастыря, отличающийся высокой драматичностью и реалистичностью изображения. Так, с X века с целью распространения среди верующих знаний о событиях буддийской священной истории в массовом порядке создавались так называемые эмакимоно (длинные горизонтальные свитки), на которых изображались сцены из буддийской священной истории или из связанных с нею притч. Укиё-э («картинки плывущего мира») — один из популярнейших стилей японского изобразительного искусства периода Эдо, появился он в первой половине XVII века, а во второй половине XIX века пришёл в упадок. Рисунки на этих свитках проникнуты своеобразным юмором. Самым известным мастером гравюры конца XVIII – первой половины XIX вв. Золотым веком укиё-э считается конец XVIII — начало XIX веков.

Картины тогда создавались простыми мазками туши. Директором ее стал Тэнсин.

После абстракционизма 1960-х, 1970-е застали возвращение к реализму под влиянием таких течений, как "оп" и "поп", которые воплотились в 1980-х в великолепных работах Шиохары Ушио (Shinohara Ushio). В период Хэйан (794-1185) в буддийской живописи получили широкое распространение иконы-мандалы, представляющие собой символические схемы мироздания. Главной темой картинок были дешевые проститутки и известные куртизанки. Однако преобладающим жанром на протяжении XIV-XV вв. Интересна судьба упомянутой выше гравюры на дереве — укиё-э.

В юности он ушел в монастырь, где принял учение Дзэн. Художник Сотатсу (Statsu) развивал декоративный стиль живописи, воссоздавая сюжеты классической литературы используя блестяще раскрашенных персонажей и картины природы, противопоставленные фону из позолоты. С именами Судзуки Харунобу и Утамаро Китагава связана также японская эротическая живопись. В их основе лежала идея Пустоты.

Вот таким образом первым шагом должно быть изучение основного устройства формы. Красавицы, запечатленные в живописи, утрачивали индивидуальные черты, поскольку художникам важно было передать в создаваемом образе идеализированное представление о прекрасной женщине, отстраненное от обыденности реальной жизни (рис. 72). Примером такой картины является изображение бодисатвы, сохраняющего государство из храма Конгобудзи. На гравюрах изображались прекрасные гейши (бидзин-га), массивные борцы сумо и популярные актёры театра кабуки (якуся-э). Практиковались и многие старые школы, особенно периода Токугава. Эти огромные ширмы и настенные рисунки должны были украшать дома и дворцы военной знати.

«Водяная мельница в Ондене») (Приложение 11). Самое ранее из подобных изображений датируется 1053 годом и находится в Бёдо-ин (Byodo-in), храмеУджи (Uji) вКиото. Произведение Дзёсэцу выполнено в монохромных тонах, с несколькими акцентами красной краски (на тыкве-горлянке). Но со временем в противовес картинам в китайском стиле кара-э стали появляться светские по тематике картины в японском стиле или стиле ямато-э (живопись Ямато).

кайга. В его созданиях, как бы причудливы и экзотичны они ни казались на первый взгляд, проступают общечеловеческие, присущие всякому народному искусству идеи и средства выражения. Раньше картины передавали оптимистичную, легкую и радостную атмосферу. Первое время дзэн-буддизм в Японии находился под сильным китайским влиянием.

Японская живопись (яп. Для продолжения работы в этом направлении, в 1931 году была сформирована Независимая ассоциация искусств (Independent Art Association, Dokuritsu Bijutsu Kyokai). Во время Второй мировой войны контроль и цензура со стороны правительства означали, что допускались только патриотические сюжеты. Художников этого направления – их иногда называют «японскими импрессионистами» – вдохновляла южно-китайская живопись эпохи династии Юань, называемая в Японии нанга. Широко распространено изображение портретов важных государственных деятелей.

Дед мастера, Кано Мотонобу, был придворным художником сегунов Асикага. p. 104). Темой укиё-э стали также исторические сюжеты: изображения знаменитых самураев (жанр муся-э), особенно эпохи Сэнгоку Дзи-дай, батальные сцены, сцены кровопролития изображенные очень натуралистично, пожары и борьба с огнем, а также мир признаков и демонов, фантастические гротески и т. д. Широкое распространение получили и пародии на изысканный стиль ямато-э: куртизанки изображались в одеяниях и позах знатных дам Хэйанской эпохи дзэнский святой Дарума – в одеянии куртизанки а божества изображались предающимися различным удовольствиям.

Тэнсин считал, что подлинное развитие национальной живописи на новом историческом витке должно происходить посередине между позициями консервативных традиционалистов и приверженцев европейского искусства и назвал эту концепцию «третьим поясом». Вероятно, жил между 1763 и 1820 годами. Важнейшее значение для Кангакай и будущей Нихонги имело привлечение в него Окакура Тэнсина (1862-1913) известного также как Окакура Какудзе, видного художественного критика, писателя, активного сторонника сохранения корневых основ традиционной культуры. Уже из первых его учеников вышли такие крупные мастера Нихонга как Тайкан кояма (1868-1958), Сюнсо Хисида (1874-1911) и Кандзан Симамура (1878-1930).

В первой половине XVII века появляется укиё-э (картины повседневного мира) – гравюры на дереве (ксилография) изображавшие гейш, популярных актёров театра кабуки и пейзажи. второе поколение художников Никонга образовало Академию японского изобразительного искусства (Japan Fine Arts Academy, Nihon Bijutsuin), чтобы составить конкуренцию финансируемому правительством Бантен и хотя они продолжали использовать традиции ямато-и использование западных способов изображения перспективы и западных представлений о пространстве и освещении постепенно уменьшало разницу между нихонгой и йогой. В Стране восходящего солнца техника стала популярна в XIV веке.

Так, в 1865 году завершился затянувшийся средневековый период Эдо (с 1603 года) и начался период Мэйдзи (по имени императора), первый этап новой истории стран, который ознаменовался колоссальными переменами в жизни всего общества, связанными с освоением достижений западного мира. Сохраняется даже портретное сходство. Это привело к серьезным изменениям и во внутренних делах стран, таким как ликвидация сёгуната (военного режима) и восстановление императорского правления.

Распространились также портреты военачальников и монахов. Вскоре японские пейзажи стали одной из предпочтительных тем для изображения. Для таких свитков особенно характерны благопожелательные сюжеты и природные мотивы. Живопись в традиционном стиле (нихонга) продолжала оставаться модной, обновляя техники изображения, при этом сохраняя свойственные им особенности.

---