О великолепных фигуративных работах Пикассо периода классицизма и его новых кубистских натюрмортах с вином — в следующем посте. В этот период Пикассо создал «Натюрморт с порроном» (1906, Санкт-Петербург, Эрмитаж), где представил четыре непритязательных предмета крестьянского обихода — два стеклянных и два глиняных. Картина Пабло Пикассо Натюрморт: описание, биография художника, отзывы покупателей, другие работы автора.
На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано». В духе фовизма исполнено полотно «Ярмарка в день Святого Креста Господня» (1921, Музей Дали, Фигерас). Герои этих жизнерадостных полотен — циркачи и бродячие актеры, музыканты и влюбленные («Зеленый скрипач», 1923–1924, Музей Соломона Гуггенхейма, Нью-Йорк «Акробаты», 1926, частное собрание «Новобрачные у Эйфелевой башни», 1928, частное собрание «Акробатка», Национальный музей современного искусства, Париж «Влюбленные в сирени», 1930, частное собрание, Нью-Йорк).
В простой и объективной манере исполнен натюрморт «Горшок, рюмка и книга» (1908, Эрмитаж, Санкт-Петербург). В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис. В щелях старой двери жили древоточцы. Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения (Портрет художника, в подражание Эль Греко, 1950, частное собрание) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярного на юге Франции боя быков), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959-1968). Несмотря на то что композиции подобных «черных икон» составляют не мистические или аллегорические предметы, а самые обыденные, привычные в хозяйстве, они, несомненно, созданы в результате потребности самовыражения.
Вся группа вещей показана развернутой в манере Сурбарана. Художник по-своему трактует привычные художественные мотивы, основываясь на фрейдистских идеях и собственном понимании бессознательного («Призрак Вермеера Дельфтского, который можно использовать как стол (феноменологическая теория мебели-пищи)», 1934, Музей Дали, Сент-Питерсберг, Флорида «Археологическая реминисценция Анжелюса Милле», 1934–1935, частное собрание). Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1923 года (Женщины, бегущие по берегу, 1922, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Работа мастера напоминала некое драматическое действие, непрерывный театральный процесс, где могут происходить самые неожиданные для зрителя живописные события, рождаются удивительные образы, затем они могут преобразовываться или совсем исчезать иногда линии пересекаются как бы случайно, причудливо взаимодействуют красочные пятна из которых вдруг возникают новые фигуры и решительно вторгаются в развитие сюжета, разворачивающегося на полотне. Позднее, в 1928 году, Дали писал: «Пора свести счеты со стерилизованной геометрией, холодной геометрией сухих инкрустаций и плоских объемов в духе Джорджо Моранди, со всеми его натюрмортами из которых выкачан воздух во славу постоянства памяти». Композиция составлена из бутылки абсента «Перно» и рюмки, поверх которой положен кусочек сахара, стоящих на овальном деревянном столике. Но другое название картины — «Кубистический автопортрет» — говорит о том, что художник действительно представил автопортрет, расслаивающийся на холсте на множество профилей. На первом плане находится лимон, нож и вилка — на скомканной салфетке. Как часто повторяет Пикассо, художник работает «не с натуры, а подобно натуре».
Полотно теряет свойство обособленности, его границы (границы искусства) размываются. Произведения, созданные в 1945-1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо (Радость жизни). Он занимался организационной и педагогической работой. В ранний, парижский или «голубой», (1901–1904) период творчества он исполнял работы под несомненным влиянием импрессионистов — А. Тулуз-Лотрека, П. Сезанна, П. Боннара, Э. Дега. Увлечение дивизионизмом ощущается в картине «Купальщицы в Эс Льяне» (1923, частная коллекция). Из них мальчик и черпал свои первые знания. Логика новаторов проста.
Таковы «Две обнаженные» (1906, Музей современного искусства, Нью-Йорк), «Сидящая обнаженная» (1906, Национальная галерея, Прага), которым свойственна тяжеловесная иберийская или негритянская пластика. Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо. Напиток символизирует непонятость, отверженность Арлекина как художника-творца. Примером таких композиций служит натюрморт, хранящийся в Эрмитаже, — «Компотница, фрукты и рюмка» (1909). Некоторые из них (Коза, 1950 Обезьяна с малышом, 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа.
Теме корриды был близок образ чудовищного Минотавра, в котором Пикассо видел воплощение подсознательных инстинктов человека и стихийных разрушительных природных сил (офорт «Минотавромахия», 1935, Музей Пикассо, Париж рисунки и гуаши с изображением Минотавра (1935–1936). Эти образы сами по себе являются протестом против безжалостной агрессии. Трубка. Так, осенью 1901 года Пикассо исполнил два знаменитых полотна — «Арлекин и его подружка» и «Любительница абсента». Вероятно, это объясняет красочную живописность его поздних работ и стремление создавать большие серии, где можно зафиксировать отдельные моменты, выхваченные из бесконечно льющегося творческого потока.
Заказывал здесь 7 модульных картин разных размеров. Композиция «Харчевня (Окорок)» (1912, Эрмитаж, Санкт-Петербург)— натюрморт исполненный в виде ресторанной вывески. Он возвышается на столешнице мощного неуклюжего комода с выдвижным ящиком и кажется завораживающе живым: во все стороны цветы раскинули свои «уши» и «глаза», а их лиственные аккорды громко звучат в аскетической и строгой атмосфере испанского фона. Создавая «Гернику», Пикассо писал множество отдельных мотивов и сюжетов этой композиции в виде небольших рисунков и картин. Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. Каретников, вышедшая в 1967 году.
Тот же круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску. Формы перетекают одна в другую и из темноты рождаются ускользающие образы-символы. Этот духовно близкий Пикассо человек неожиданно и безвременно умер.
В это время самыми крупными его работами являются «Мастерская в Калифорнии» (1956, Музей Пикассо, Париж), «Весна» (1956, Национальный музей современного искусства, Париж), «Бухта в Канне» (1958, Музей Пикассо, Париж), «Утренняя серенада» (1965, Малый дворец, Женева), «Кавалер с трубкой» (1970, Музей Пикассо, Париж). Воображение помогало художнику создавать необыкновенные композиции, в которых счастливые пары взмывают в воздух («День рождения», 1915, Музей современного искусства, Нью-Йорк «Над городом», 1917, Третьяковская галерея, Москва «Прогулка», 1917, Русский музей, Санкт-Петербург). Натюрморты этого времени легки и образуют несложную композицию («Горшок, рюмка, книги», Эрмитаж, Санкт-Петербург). В ранних произведениях художника отразился интерес к различным направлениям в искусстве.
На стекле — синяя надпись «Ресторан». Это на самом деле поразительно. В это же время художник продолжает экспериментировать с коллажами, где разнотипные знаки образуют сложную текстуру, наглядно демонстрирующую различные способы описания реальности. Интересны импровизации художника на темы старых мастеров и картин, ставших классикой мирового изобразительного искусства: «Алжирские женщины» (по Делакруа, 1954–1955), «Менины» (по Веласкесу, 1957), «Завтрак на траве» (по Мане, 1959–1961), «Похищение сабинянок» (по Давиду, 1961–1962), «Турецкая баня» (по Энгру, 1968).
Вероятно, это, по мнению художника, просто фантомы, когда они не наполнены. В «Авиньонских девушках» Пикассо смело использует резкие деформации и жесткие изломы. Что же касается «Пьяницы», то здесь сюжет приобретает особенно универсальный, поистине обобщающий и символический аспект, который концентрирует в себе зеленый абсент в рюмке, — зеленая горечь и скорбь. Кажется, будто об этой картине Аполлинер писал в одной из своих поэм: «Маленький дух без признаков плоти — каждый подумал».
Подобные приемы уже говорят о переходе художника к кубизму. Таковы «Сидящая купальщица» (1930, Музей современного искусства, Нью-Йорк), «Фигуры на берегу моря» (1931, Музей Пикассо, Париж). Нет, просто вино переместилось из сферы живой натуры – в сферу «мертвой». Но уже тогда его рисунки, а также методы их создания шокировали зрителей. Вероятно, это полотно много значило для самого художника, который по прошествии пятидесяти лет писал: «Хлеб по природе своей гетерогенен, ему ведь приходится терпеть и литургическое надувательство со стороны корзины и конвульсивный анархизм драпировки».
На полотнах Дали зритель видит чудовищные фантасмагории, устрашающие фигуры («Мрачная игра», 1929, частное собрание, Париж). Синяя Комната Пикассо (1901, Собрание Филипса, Вашингтон) отражает влияние этих художников и одновременно показывает эволюцию творчества Пикассо в голубой период, который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение последующих нескольких лет. Яков Тугенхольд так сказал об одном из натюрмортов Пикассо: «Бутылка на столе так же значительна, как религиозная картина».
Возможно, такой способ изображения закономерен из-за перспективы радужного будущего в связи с окончанием войны, отсутствием в нем костей и черепов, напоминанием о которых будут лишь натюрморты. Русский кубист Алексей Грищенко писал об этой картине: «С удивительным мастерством разрешена новая концепция картины, где формы предмета, глубоко переработанные художником, построены в ясную, стилистически завершенную и живо волнующую композицию где живописью введены и конструктивно спаяны аналитически добытые элементы в одно неразъединимое, синтетическое целое где перспектива дана реально глубинными сечениями предмета, где каждый кусочек холста вышел из-под руки настоящего живописца». Игральные карты. Что же касается предметных деформаций, то о них замечательно написал С. Аксенов: «Пикассо смотрит в упор на свои предметы так близко, как смотрят на лицо любовницы». К тому же появилась фотография.
В 1945 году Дали вновь возвратился к прежней теме, написав еще одну «Корзинку с хлебом» (Музей Дали, Фигерас). И совсем иным предстает Дали в композиции «Натюрморт в лунном свете» (1928, Центр искусств королевы Софии, Мадрид).
Здесь же был выполнен его «Живой натюрморт» (1956, Фонд Морзе, Кливленд), где предметы (стакан с вином, бутылка, нож, вазы, фрукты) по воле воображения автора парят над столом так же, как летящая над водой ласточка. Отец Сальвадора имел большую библиотеку, где было множество книг по искусству. В это время мастер создал такие выдающиеся полотна, как «Арлекин и его подружка» (1901, ГМИИ, Москва) и «Пьяница (Любительница абсента)» (1901, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Их челюсти злобно оскалены, а острые конечности угрожающе вскинуты вверх. В этой удивительно красивой картине уже заметно стремление к новому — сюрреализму.
Такова «Компотница с виноградной гроздью и грушей» (1914, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Издали фигура серым пятном выделяется на темном фоне, только голубоватый фартук и красноватые блики на плече и у ног несколько оживляют и освещают полотно. Его живописные портреты начала 1920-х годов изящны и напоминают о графичности Энгра. В это же время Дали создает произведения, где формы наслаиваются друг на друга и образы получают неоднозначное истолкование («Метаморфоза Нарцисса», 1937, галерея Тейт, Лондон «Возникновение лица и фруктовой вазы на пляже», 1938, Уэдсворт, Атенеум «Рынок рабов с невидимым бюстом Вольтера», 1940, Музей Дали, Сент-Питерсберг, Флорида).
Фрагменты человеческих тел соединены с неживыми предметами. Художник никогда не имел заранее намеченного плана. В 1922 году художник оставил Россию и уехал за границу. Формы скрипки, ритмически дробясь, постепенно расходятся к краям картины.
В самом деле современники считали подобные произведения некими «черными иконами», которые, хотя и составлялись из обычных хозяйственных предметов, но существовали исключительно для потребности художника в самовыражении. В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Реалист видит форму только с одной точки, кубист видит ее сразу отовсюду.
Ягоды выглядели такими реальными, что хотелось протянуть руку и взять их. В подобном ключе исполнена и еще одна, более ранняя картина — «Кубистическая фигура» (ок. (Бокал – любимый предмет. В подобные «витражные» произведения, названные так из-за сильного и гибкого темного контура, делящего пространство картины на крупные планы, мастер включает элементы натюрморта, создающие и концентрирующие настроение полотен.
Это полотно восходит к творчеству Карло Карра и Джорджо Моранди. Во-вторых, на мой запрос отреагировали очень быстро. Символы давно прошедшего времени предстают на полотне «Постоянство памяти (Мягкие часы)» (1931, Музей современного искусства, Нью-Йорк). После окончания ранних, «цветных», периодов творчества и вплоть до 50-х годов, то есть на протяжении почти полувека, Пикассо уже почти не пишет людей с вином – ни жанровых сцен, ни портретов. 1927, Музей Дали, Фигерас).
Руки героини и, возможно, чересчур длинные хрупкие пальцы не нарушают гармонии облика. Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к Метаморфозам Овидия (1930) и Аристофану (1934) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Оно словно является откликом на стихотворение Бодлера: «Я воспеваю грязного пса пса-комедианта». Бутылка вина.
Художника привлекает женская нагота, простая, как само понятие «женщина». Натюрморты становятся объемными почти скульптурно. После эпикурейского изящества 1920-х годов (Танец, Лондон, галерея Тейт) в творчестве Пикассо появляется атмосфера конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов.
Натюрморты воссоздают конкретную и реалистичную вещественность той эпохи. Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выражал прямо, но придавал своим картинам тревожную тональность и мрачность.
В 1906 году лирический «Розовый период» сменяется монументальностью и обобщенностью мощных форм. Дали писал: «Когда я покажу вазочку кружащейся в пространстве вместе с веером и фруктами, цветной капустой, птицей, бокалом, бутылкой из которой изливается содержимое и ножом напротив окна, а за окном будет простираться бескрайняя морская гладь, покрытая зыбью, когда я выставлю руку, сжимающую в пальцах рог носорога, — все это будет означать, что я решился и начал постигать пространство-время путем созерцания левитации, которая разрушает энтропию». А. С. Пушкина Семейство комедиантов, Вашингтон, Национальная галерея). Сальвадор доставал насекомых из древесины и заменял их плодовыми червями. Пикассо вслед за Бодлером хочет «воспеть славных псов которых всякий гонит от себя, как заразу, кроме бедняка, цыгана и уличного акробата, которому они сотоварищи и поэта, который смотрит на них взглядом собрата».
Новые веяния психического автоматизма и «конвульсивной красоты» в полной мере проявились в таких его произведениях, как «Мастерская модистки» (1926, Национальный музей современного искусства, Париж), «Большой натюрморт на круглом столе» (1931, Музей Пикассо, Париж). Ему пришлось срочно выехать из Германии и возвратиться в Россию. И собирает заново.
Пачка табака. Я не знаю более страшной картины, чем эта натюрморт Пикассо». Ранние работы Пикассо свидетельствуют о его глубокой связи с испанской культурой, сосредоточенности на внутреннем мире изображаемого человека. Все в этих композициях символично. Портвейн. Расположение предметов очень непринужденно натюрморт похож на ресторанный столик, беспорядочно и изобильно заставленный едой.
В это время он полностью определился со своими художественными пристрастиями. То, что я искал, было совсем другое». В 1900 году Пикассо в первый раз попал в Париж. В 1895 году Пикассо поступил в Академию художеств «Ла Лонха» в Барселоне.
Замечательно полотно «Мальчик с собакой» (1905, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Изображать максимально реалистично на холсте форму, цвет и свет мы уже умеем. Картина «Столик в кафе (Бутылка Перно)» (Эрмитаж, Санкт-Петербург) была исполнена весной 1912 года. Оккупация не ослабила деятельности Пикассо: портреты, скульптуры (Человек с агнцем), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи (Натюрморт с бычьим черепом, 1942, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия). Один из силуэтов — эбеновый — кларнет, а кофейный, с прожилками дерева — скрипка. Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер.
Так и в Натюрморте главенствуют преимущественно синие и сиреневые тона. Итогом творческих исканий живописца стала его «Композиция с черепом» (1908, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Так, «Домик в саду» трехмерен и осязаем. Сначала он жил в Берлине, а в 1923 году переехал в Париж.
Замечателен натюрморт Пикассо «Букет цветов в сером кувшине и рюмка с ложкой», где пышный букет напоминает о полотнах Руссо Таможенника: такая же вызывающая экзотичность и таинственность. В 1950–1960-е годы мастер продолжал активно работать. О сути своих предметных композиций сам Пикассо высказался так: «Бутылка на столе так же значительна, как религиозная картина», вероятно имея в виду драматизм окружающего пространства («Зеленая миска и черная бутылка», «Бидон и миски», обе — в 1908, Эрмитаж, Санкт-Петербург).
В это время Пикассо увлекается натюрмортами и наделяет их глубоким философским значением. Это — каминная полка, где расположена сама компотница и визитная карточка художника. Их отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. Мир балета не мог не оказать влияния на дальнейшее творчество художника. Именно в этом городе он увлекся керамикой. Пабло Руис Пикассо (Picasso Pablo) испанский художник и скульптор, с 1904 года проживавший во Франции. Но есть и замечания (привожу в порядке увеличения их серьёзности): 1) на одном из модулей не было крепления (учитывая, что всего модулей было, кажется, 26, это, конечно, пустяки, но уж если указывать, то всё) 2) картины ехали чуть больше, чем было обещано (опять же ничего критичного, это именно чуть и я понимаю, что это было вызвано тем, что я живу в глуши) Но повторюсь, все эти упреки не изменяют моей в целом положительной оценки и всей компании и работы менеджера Александра, с которым я общался, так что ставлю твёрдую четвёрку.
Экзамен высшей ступени обучения Пабло выдержал блестяще. Искусству следует искать новые пути в будущее. Вероятно, молодой художник прекрасно знал и метафизическое искусство Джорджо Де Кирико. Далее в течение шести лет они вместе разрабатывали эстетику кубизма, главной целью которого являлась материализация пространства, а лучше всего эту позицию мог объяснить жанр натюрморта.
1925–1926 годы были ознаменованы для Пикассо встречей с сюрреалистами. Бокал. По Делакруа (1955) Менины.
Ранняя форма кубизма (1908–1912) называется аналитической. Образование живописца Дали получил в Мадридской академии художеств. Первые уроки живописи он получил у своего отца.
Спустя два года появился абсолютно непохожий на прежние натюрморт «Корзинка с хлебом» (1926, Музей Дали, Сент-Питерсберг, Флорида, США). Абсолютно другим художник предстает после написания «Авиньонских девушек» (1907, Музей современного искусства, Нью-Йорк). Любовь и женитьба в 1915 году на Белле Розенфельд, ставшей главной моделью художника, способствовали появлению картин с фигурами влюбленных («Зеленые любовники», после 1914, частное собрание, Москва). К чему добиваться этих различий однообразными мазками масляной живописи и пытаться «передать» видимое через множество мучительных и риторических условностей: перспективу и т. п. В композиции присутствуют всего три предмета и три плоскости.
В этом году словно произошло перерождение Пикассо. Пикассо, как и прежде, предпочитал работать сериями: «Жаклин в профиль» (1959), «Художник и модель» (1963–1965), «Художник» (1964), «Мушкетер с трубкой» (1968). Набор вещей молодого человека, представителя парижской богемы начала века.
Художник находился в Берлине, когда началась Первая мировая война. Книга. Вершиной аналитического кубизма считается «Портрет Амбруаза Воллара» (1909–1910, ГМИИ, Москва).
Пишет Пикассо и свои излюбленные натюрморты с гипсовыми античными слепками, которые кажутся героями классических драм в модернизированных постановках («Натюрморт с античной головой», 1925, Национальный музей современного искусства, Париж «Мастерская с гипсовой головой», 1925, Музей современного искусства, Нью-Йорк). Одному только ему посвящены десятки живописных работ, хватит на отдельную обширную подборку. ) Предлагаем сейчас проследить эволюцию «винного» натюрморта «с участием» бутылок и бокалов в живописи Пикассо периода кубизма, 1907-1917. Если вы помните эпизод с авангардным портретом главного злодея из детского фильма «Принц Флоризель», то это отсылка именно к этому периоду творчества Пикассо.
Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике Мадура в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных (Кентавр, 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Это «Коррида» (1934, частное собрание), «Коррида. Скорее всего, эти натюрморты тоже не писались с натуры. В этот период даже портретные работы Пикассо напоминают натюрморты, а фигуры становятся неким подобием механических монстров, словно созданных из отполированных, гладко выточенных деталей: «Сидящая купальщица» (1930, Музей современного искусства, Нью-Йорк), «Фигуры на берегу моря» (1931, Музей Пикассо, Париж).
Подобное обстоятельство, естественно, не могло оставить живописца равнодушным. Никто из критиков не смог дать удовлетворительного объяснения этим странным, дерзким композициям, даже если это были действительно превосходные картины (Менины, 17 августа 1957, Барселона, музей Пикассо). Испанский художник Сальвадор Дали родился в городке Фигерасе (Каталония) в семье нотариуса.
Партитура. В 1907 году Пикассо 26 и он работает с Жоржем Браком. В 1930-1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса (Лежащая женщина, 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма (Мужчина с букетом, 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (Пикассо создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса – Конструкция, 1931). В 1906 году лирически прозрачный «розовый» период художника ушел в прошлое и на его полотнах появились монументальные обнаженные фигуры.
Он свободно меняет пропорции и ракурсы, в результате чего большие фигуры оказываются расчлененными на отдельные фрагменты («Женщины, бегущие по пляжу», 1922 «Флейта Пана», 1923, обе — Музей Пикассо, Париж). Своей кульминации новый художественный метод достигает на полотне «Авиньонские девицы» (1907, Музей современного искусства, Нью-Йорк), где резкие деформации знаменуют собой переход к кубизму. Здесь он объявил о своей приверженности к католической религии и создал несколько проникнутых мистическим чувством композиций на религиозные сюжеты — стилизации в духе барочного искусства («Мадонна де Порт-Льигат», 1950, частное собрание «Христос Хуана де ля Круса», 1951, Художественная галерея и музей, Глазго «Тайная вечеря», 1955, Национальная галерея, Вашингтон). Как в «Пьянице», так и в «Арлекине» Пикассо понял смысл спиртного, во-первых, как способ сублимации и замены отвратительной реальности призрачной внутренней духовностью, во-вторых, как идентичность алкоголя и «проклятых» артистов (например, Аполлинер, близкий Пикассо по духу, назвал один из сборников своих стихов «Алкоголи»), в-третьих, напитка прозрения и глубочайшей меланхолии.
«Портрет Абруаза Воллара» недаром всегда называли шедевром психологического реализма. Палитра художника становится более светлой, а линии — плавными и легкими. В 1925 начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Картина Бойня (1944-1945, Нью-Йорк, Музей современного искусства) – последнее трагическое произведение Пикассо. Однако в Мадриде художник оставался недолго и предпочел вернуться в Барселону, где мог общаться в богемных обществах художников и литераторов.
Дробит, рассекает на блоки, плоскости и грани. Этот образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет главную тему картины Герника, самого знаменитого его произведения, которое он пишет через несколько недель после разрушения немецкой авиацией маленького городка басков и которое знаменует начало его политической деятельности (Мадрид, Прадо до 1981 картина находилась в Нью-Йорке, в Музее современного искусства). Тема быков возникла в творчестве Пикассо, вероятно, во время его двух поездок в Испанию в 1933 и 1934, причем облекаются они в достаточно литературные формы: образ Минотавра, который то и дело возникает в красивой серии гравюр исполненных в 1935 году (Минотавромахия). Поза женщины несколько усталая, но ее нежный взгляд и бережное движение придают сцене ни с чем не сравнимую лиричность. Ниже — самые характерные картины этого периода, в том числе и натюрморты с вином. Например, каждое из 58 полотен «Менин» (все — Музей Пикассо, Барселона) представляет собой моментальный снимок, остановившийся на миг в непрерывно меняющемся сознании кадр, а также каждый раз новое прочтение художником великого Веласкеса.
Цветовая гамма в основном серая, зеленая, охристая. Ему было всего 16 лет, но уже в этом возрасте юный художник демонстрировал поистине абсолютное владение приемами академической живописи, о чем ярко свидетельствовали полотна «Первое причастие» (1895–1896, музей Пикассо, Барселона), «Знание и милосердие» (1897, музей Пикассо, Барселона). Особенно важны в тот период скульптуры (Беременная женщина, 1950). Герника и отличающийся мрачностью. В произведениях периода синтетического кубизма (1912–1915) мастер начинает широко дополнять живописные элементы графическими изображениями — разнообразными буквенными надписями, цифрами, нотами или рисунками игральных карт.
— Скрипка. Художник в это время усиленно анализирует форму, раскладывая её на отдельные составляющие элементы, показывает их одновременно с разных точек зрения, предлагая зрителю проделать самостоятельную «сборку» целостного образа. К концу 1908 года настроение «скорби последних дней» сменяется ясной созерцательностью. Не оставлял художник и манеры кубизма.
Контакты с сюрреализмом. Один из замечательных образцов натюрмортов — «Букет цветов в сером кувшине и бокал с ложкой» (1908, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Интересны композиции «Три музыканта» (1921, Музей современного искусства, Филадельфия) и «Танец» (1925, Галерея Тейт, Лондон), где накладываются одна на другую цветные плоскости. В Испании мастер написал также целый ряд полотен исторической и мифологической тематики («Атомная Леда», 1949, Музей Дали, Фигерас «Открытие Америки Христофором Колумбом», 1958–1959, Музей Дали, Сент-Питерсберг, Флорида). Таким образом, каждый компонент коллажей Пикассо становится метафорой и иносказанием.
Он подходил к холсту или листу бумаги и немедленно начинал на нем импровизировать. Вероятно, этот предмет, по-французски называющийся jarr, то есть «глиняный горшок», является посвящением литератору с созвучной фамилией — Альфреду Жарри. Пикассо создал более чем 20 тысяч работ.
Смерть тореро» (1933, Музей Пикассо, Париж). По Веласкесу (1957) Завтрак на траве. Кажется, что мастер просто зачарован подобной нежизненностью восковых растений. Типичным образцом подобных композиций можно назвать полотна «Ольга Хохлова» (1917, Музей Пикассо, Париж), «Сидящий Арлекин» (1923, Национальный музей современного искусства, Париж). Классические мотивы претерпевают под кистью художника экспрессивные деформации.
Персонажи этих полотен изображены за столиком в кафе. Одной из первых работ данного цикла стала «Скрипка» (1912, ГМИИ, Москва). Новый художник не отображает реальность, он анализирует ее, разбирает ее на части. В 1920 году Шагал переехал из Витебска в Москву.
Еще мгновение и он превратится в драгоценный камень. Так возникает атмосфера уютной, наполненной светом комнаты. По Мане (1960). Пикассо использует колорит, основанный на теплых, почти солнечных оттенках. После Октябрьской революции художник был вовлечен в бурную жизнь изменившейся страны.
Таковы картины «Две обнаженные» (1906, Музей современного искусства, Нью-Йорк), «Сидящая обнаженная» (1906, Национальная галерея, Прага), «Гертруда Стайн» (1906, Метрополитен-музей, Нью-Йорк). Утренняя газета. Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо»И. Из всеобъемлющей концепции выбивается лишь череп золотистого оттенка. Пикассо оставался в Париже в период немецкой оккупации с 1940 по 1944 год. Перед черепом расположен неожиданно экстравагантный предмет, то ли ведерко, то ли горшок. В самом центре Пикассо разместил роскошный розовый окорок.
И вот уже там его – предостаточно. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ (Сидящая купальщица, 1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), орущих (Женщина в кресле, 1929, Париж, музей Пикассо), раздутых до абсурда и бесформенных (Купальщица, рисунок, 1927, частное собрание) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы (Фигуры на берегу моря, 1931, Париж, музей Пикассо). Почти половину полотна занимает атлет, на другой половине колеблется девочка посреди безжизненного пейзажа, словно тонкий стебелек, с поднятыми вверх, похожими на тонкие ветви, худыми руками. Искусствоведы склонны рассматривать сюжет картины в качестве вариации на тему vanitas («суета сует»), распространенную в работах старых мастеров. Родился в Малаге 25 октября 1881 года. Как бог. Голубь изображенный на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже (1949), – наиболее действенное проявление политических убеждений художника.
После освобождения. Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве. Положительных эмоций, несомненно, больше. К тринадцати годам он уже освоил академическую программу.
Наиболее интересной представляется композиция «Кларнет и скрипка» с ее черным планом, отступающим за коричневый, связанный с ним небольшим кремовым квадратиком.
Эти произведения действительно воспринимались как некие религиозные откровения. Это было более чем влияние, это было посвящение в таинство. По Курбе (1950, Базель, Художественный музей) Алжирские женщины.
Малага. Брак говорил: «В начале всего — контакт с Сезанном. Подобная зримая метафора была в свое время разъяснена как поэтический образ Гарсиа Лоркой: он «основан на взаимообмене обличьем, назначением и функциями различных предметов природы и ее идей». Сюжета в картине практически нет и все происходящее скорее похоже на ритуал: атлет подобен статуе, ни одна эмоция не трогает его лицо а легкая улыбка девочки полна загадочности. Формы этих персонажей кажутся вырубленными мощными взмахами прямых линий, с моделировкой «насечкой».
В композиции «Компотница с гроздью винограда и разрезанная груша» (1914, Эрмитаж, Санкт-Петербург) использован вертикально наклеенный кусок бумаги, который представляет фарфоровую компотницу снизу приклеена выкройка из серой бумаги. В этом произведении сочетается аскетизм Сурбарана и условность византийской иконописи. Мастер говорил: «В то время я работал совсем без всякой модели. Ваза с фруктами. За такой резкий переход от кубизма к классицизму Пикассо многие критиковали.
Силуэты артистов словно колеблются, что вызывает у зрителя ассоциации с дрожащим пламенем свечи или вьющимся побегом растения («Актер», 1904, Метрополитен-музей, Нью-Йорк «Девочка на шаре», 1905, ГМИИ, Москва «Семья акробатов с обезьяной», 1905, Художественный музей, Гётеборг). После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам художник считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины (Портрет Канвейлера, 1910, Художественный институт). Таковы «Композиция с виноградной гроздью и грушей» (1914, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Человек с трубкой» (1914, Музей Пикассо, Париж). В натюрморты. Зачем повторяться. Обычная, ничем не примечательная жизнь провинциальных городков и деревушек трансформируется в необыкновенное, чудесное зрелище, где предметы и человеческие фигуры как будто парят в пространстве («Крестьянская жизнь», 1925, галерея Олбрайт-Нокс, Буффало «Петух», 1929, Музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид).
Одинаково показан поворот голов человека и животного, ритмы композиции синхронны. Он очень рано проявил способности к рисованию. Замечательно показана волнистая текстура и медовые тона инструмента исполнены изящества детали — эфы и прогибы деки. Как для Жоржа Брака, так и для Пикассо учителем натюрморта являлся Поль Сезанн. Изображение становится более целостным, гармоничным, цветным и декоративным.
В 1948 году Дали вернулся на родину, в Испанию. Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. Образы, созданные Сальвадором Дали, поражают своей абсурдностью. Это произведение «Голубого периода» передает испытываемое человеком острое одиночество во враждебном мире, где на искреннюю любовь способны только матери, дети и животные.
Особенно выразительной представляется работа «Семья бродячих акробатов» (1905, Национальная галерея, Вашингтон), которая буквально пронизана ощущением одиночества и отрешенности несколько странных персонажей, облаченных в артистические костюмы среди безлюдных пустынных дюн. Кажется, что на пространстве стола происходит встреча двух пар — глиняной (приземистый горшочек под крышкой и простая глиняная крынка) и стеклянной (изящный графинчик и треугольный поррон). Гитара. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неровны по качеству (Мастерская в Каннах, 1956, Париж, музей Пикассо). Леонардо да Винчи, Рембрандт, Караваджо. Кубизм. Мандолина.
Старый коньяк. Образ скрипки в этой работе формируется уже самой овальной границей картины.