Картины Пабло Пикассо (Pablo Picasso) в известной мере всегда были «говорящими» и обо всём том, о чем он сам молчал, на весь мир кричали его полотна.
Каретников, вышедшая в 1967 году. Вот Мария-Тереза открывает своим ключом домик художника (ключ всегда прописывался достаточно четко) играет с мячом на пляже, забавляется с друзьями.
«Розовый период» (1904 – 1906) характеризуется более веселым стилем, оранжевыми и розовыми цветами и изображением циркачей, акробатов и арлекинов известных во Франции как «saltimbanques». К этому этапу относятся «Бидон и миски», «Женщина с веером». Она также не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942).
Обратимся к интересным фактам из жизни признанного гения. Картина «Девочка на шаре» построена на контрастах: легкость, женственность, гибкость, грация акробатки на шаре против устойчивости, твердости, мужественности атлета на кубе. Тем не менее, на первой выставке группы сюрреалистов в 1925 году Пикассо выставил работы в стиле кубизм понятие «психический автоматизм в его чистом виде», установленное в Manifeste du surralisme («Манифест сюрреализма»), никогда полностью его не интересовало.
«Герника» — скрупулезное изображение трагедий войны и страданий мирных жителей. Здесь художник «нащупывал» свой новый стиль. Картина «Девочка на шаре» построена на контрастах: легкость, женственность, гибкость, грация акробатки на шаре против устойчивости, твердости, мужественности атлета на кубе. В 1904году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо.
А. С. Пушкина Семейство комедиантов, Вашингтон, Национальная галерея). В этих обстоятельствах в начале 1902года Пикассо стал писать в стиле, по которому впоследствии период творчества художника в Барселоне в 1903—1904 годах был назван «голубым». Он стал основоположником кубизма изображая человека как ряд совмещенных плоскостей. Обучение Пикассо под руководством отца началось до 1890 года. И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Тут ему пригодилось честолюбие, желание, во что бы то ни стало завоевать Олимп.
4. «Герника» (1937) – эта картина является признаком того, что аполитичный творец Пикассо принял вызов тревожного времени. Однако же, ничего не продавал. Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток.
Мадрид хранил много других достопримечательностей. Это довольно длительный период в творчестве художника.
Наказания удалось избежать исключительно благодаря влиятельным друзьям.
Произведения, созданные в 1945—1955 годах, очень средиземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят своё выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»). Информация о Пикассо постоянно всплывает благодаря двум причинам. Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, так как сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932). Этой любви, самой чувственной в его жизни, он обязан созданием своих лучших шедевров, таких как «Обнаженная, зеленые листья и бюст» (Nu au Plateau de Sculpteur), «Сон» (Le Rve), «Чтение» (La Lecture). Художник вернулся к неоклассицизму («Портрет жены Ольги в кресле», «Купальщицы», «Женщины, бегущие по пляжу», «Портрет сына Поля»), а затем перешел к сюрреализму («Танец», «Женщина с цветком», «Девушка перед зеркалом» и другие).
Большую часть своей жизни Руис работал профессором искусства в школе ремёсел и хранителем местного музея. Оно расположено на заднем плане. Здесь изображен изогнутый слепой человек, который держит большую коричневую гитару. Родился в городе Малага в автономной области Андалузия в Испании. Все полотна мастера – а их несколько десятков тысяч.
Картина Бойня (1944-1945, Нью-Йорк, Музей современного искусства) – последнее трагическое произведение Пикассо. Она была не только его другом, но и покровителем, покупая его картины за небольшие деньги. Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе увлечённый проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия.
Пикассо оставался в Париже в период немецкой оккупации с 1940 по 1944 год. «Голубой период» Пикассо (1901-1904) характеризуется мрачными картинами, представленными в оттенках синего и сине-зелёного, которые лишь изредка согреты другими цветами. В этих работах Пикассо впервые обнаруживается настроение, которое проявилось с особой силой уже позже и которое было присуще многим художникам в период между двумя войнами: интерес к стилям прошлого, ставшим культурным архивом и необыкновенная виртуозность в их переложении на современный язык. В Валлорисе художник начал в 1954 году серию портретных изображений «Сильветт»1920. Начало оживления жизни.
Она стала также моделью для нескольких безмятежных и величественных скульптурных бюстов исполненных в 1932 году в замке Буажелу, который он приобрёл в 1930 году. Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения («Портрет художника, в подражание Эль Греко», 1950) и элементы тавромахии (Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968). Затем же своих самых верных клиентов оставлял ждать в приемной, делая вид, что собирается все продать кому-то другому. Очень скоро родился знаменитый образ «женщины-цветка» — именно так художник видел свою новую музу. После потери Евы Гуель, у художника был роман с Габи Леспинасс. Два лета подряд Пикассо рисовал ее одну, почти всегда рядом с кабинкой для переодевания местом, где мог скрыть ее от посторонних глаз. Вдохновением для нее послужило самоубийство друга художника, Карлоса Касагемаса.
В основном затрагиваются темы смерти, печали. Он был первым ребенком дона Хосе Руиса Бласко (1838-1913) и Марии Пикассо Лопес. Это полотно было создано в Мадриде и используемый искаженный стиль напоминает Эль Греко. По Мане» (1960).
Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передаёт в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914). Третий элемент – растение филодендрона. На все претензии художник ответил в одном из своих интервью: «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по-моему ощущению это должно быть сказано».
Произведения, созданные в 1945-1955, очень среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят свое выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо (Радость жизни). Она стала его возлюбленной, а затем второй женой в 1961 году. «Нет, — ответил художник, — это сделали вы. Данная картина является ярчайшим тому примером. Наряду с другими пятьюдесятью полотнами испанского художника, приобретенными российским эмигрантом Сергеем Щукиным, картина хранится в Эрмитаже.
С той выставки картина воспринимается как настоящий мировой символ пацифистских, антивоенных сил. Будущий художник родился на Южном побережье Испании в солнечной Малаге в 1881 году. Канвейлер был немецким искусствоведом и коллекционером. Весной 1916 года Аполлинер вернулся с фронта раненным.
Этот период в жизни картин Пикассо характеризуется унынием, выражением смерти и старости, депрессией, меланхолией, грусти. По Делакруа (1955) Менины. В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал.
В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1923 года (Женщины, бегущие по берегу, 1922, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты— клоуны, танцовщики и акробаты картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905). Руис убедил чиновников в Академии разрешить его сыну сдать вступительный экзамен.
Он не выносил бездарных людей так же, как талантливых. Серо-голубая палитра постепенно сменяется розовой и охристой.
Юный художник благополучно рос в городе, который со временем считал настоящим домом. Она известна именно своей исключительной социальной значимостью, а выражение «голубь мира» стало нарицательным. «Старый гитарист». Не удостаивал вниманием равнодушных с той же миной, что и поклонников.
Эту энергию выплеснул художник на эту, пожалуй, самую узнаваемую картину Пикассо. Именно так Пикассо не рисовал больше никого. В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис. Художник в 1937 году создает полотно «Герника» в черно-белых тонах по заказу правительства Испании для Всемирной выставки в Париже. В работы мастера приходят новые оттенки: светло-розовые, красные, серовато-жемчужные, воздушные, что отличает новый период от предыдущего (голубого).
Можно было б назвать ее «Слепой музыкант», но художник сделал акцент на старости, в которой единственной отдушиной является творчество. Пожалуй, еще ни один женский образ не был так изуродован, как в серии «Плачущая женщина», где отвращение к Доре и к войне слились воедино.
«Дора Маар с кошкой». Самые известные картины «розового» периода наполнены странствующими комедиантами, циркачами, гимнастами. «Старый гитарист». Договор с Канвейлером положил конец его изгнанию из Франции.
Ивану Морозову она продала картину за 13 тысяч франков. Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и её кукла», 1938). Производительность мастера была настолько всеобъемлющей, что на момент смерти, 8 апреля 1973 года, на счету великого испанца было несколько десятков тысяч картин, в том числе новаторские абстрактные работы, такие как «Герника». Жаклин Роке (1927-1986) работала в гончарной мастерской Madoura в Валлорис на Лазурном берегу, где Пикассо делал и расписывал керамические изделия. Голубь изображенный на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже (1949), – наиболее действенное проявление политических убеждений художника. С 1906 года Пикассо трудился над портретом своей знакомой – Гертруды Стайн.
непосредственно перед «голубым периодом»), а 1904 год можно считать переходом между двумя периодами. Под впечатлением смерти начался «голубой период» в творчестве Пабло Пикассо. В удлиненных пропорциях героев прослеживается влияние Эль Греко. Оба оставались вместе до конца жизни Пикассо. В 1912 году Пикассо решается еще на один эксперимент и начинает украшать поверхности своих работ коллажом из клеенки, газетных вырезок и других подручных материалов. Ему заказывали картины и он с удовольствием их писал.
Этот испанский художник, безусловно, мог рисовать, как Рафаэль, но при этом добился всемирной славы и признания, рисуя непосредственные вещи как ребенок. «Авиньонские девицы», написанная в 1907 году картина относится к самым типичным примерам кубизма. В настоящее время полотно «Герника» выставлено на всеобщее обозрение в Музее королевы Софии в Мадриде. В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Для тренированного глаза это было видно с первого взгляда, для нетренированного— со второго.
Примириться с этим было невозможно и борьба с Пикассо шла по разным направлениям. Пикассо и молодая художница Франсуаза Жило познакомились в 1943 году. Когда Пабло исполнилось тринадцать, он написал натюрморт.
Но мальчик с раннего детства хотел отличаться от своего предка-художника. Особенно шокировало зрителей полотно «Авиньонские девицы» (1907 год). Правда этот переход в работе Пикассо обусловлен кубизмом и его пространственными отношениями, как пишет Маккуиллан «объединение ритуала и порыва в изображении напоминает примитивизм «Авиньонских девиц» и неуловимый психологический резонанс его символических работ». Возможно, это одна из самых известных картин Пикассо. Первый – так называемый «Сезановский». Это портреты Амбруаза Воллара, Фернанды Оливье, Канвейлера. Когда мальчик достиг семилетнего возраста, отец поручил ему дописывать фрагменты своих картин (например, лапки голубей).
Это был серьёзный удар для Пикассо. В мастерской Пикассо полотно увидел Луи Арагон. К 1905 году Пикассо стал фаворитом американских коллекционеров Лео и Гертруды Стайн. По Делакруа» (1955) «Менины. В 1930-1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса (Лежащая женщина, 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма (Мужчина с букетом, 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (Пикассо создает их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса – Конструкция, 1931).
Полотно «Девочка на шаре» можно назвать переходным. В 1956 году, через год после написания, всю её за 212 тыс., купил Виктор Ганц, знаменитый коллекционер современного искусства. Данная картина является ярчайшим тому примером. Уже нет дерзкой самоуверенности и даже всех намеков на то, что мы – зрители – находимся лицом к лицу с величайшим гением. В этот день хотелось бы вспомнить пять самых известных и дорогих картин художника. В работах этого времени ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903 Пикассо считал: «кто грустен, тот искренен») движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901 «Женщина с шиньоном», 1901 «Свидание», 1902 «Нищий старик с мальчиком», 1903 «Трагедия», 1903). Некоторые историки, однако, считают, что «Три музыканта» — это запоздалый ответ Пикассо Матиссу и его «Уроку фортепиано».
«Голубая обнаженная», как можно легко догадаться уже по названию и одному взгляду на нее, относится к голубому периоду творчества мастера. Первый выпуск был опубликован 31 марта 1901 года, когда художник начал подписывать свои работы «Пикассо» прежде он подписывал их «Пабло Руис и Пикассо». По Курбе (1950, Базель, Художественный музей) Алжирские женщины. В 1946 году первым обладателем портрета «Доры Маар с кошкой» стает влиятельный парижский дилер Пьер Колле. С 1926 года она хранится в Чикаго.
Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мёртвым ребёнком и быком за её спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. Картины его полны меланхолии. Розовый цвет становится на два года главным в творчестве Пикассо. По Мане (1960). Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо»И. Эта картина оказалась первой из произведений художника, которую приобрел музей. С осени 1901 года он написал несколько посмертных портретов Касагемаса, которые завершились мрачной аллегорической картиной La Vie («Жизнь») (1903), в настоящее время представлена в Музее искусств Кливленда.
В том же году, в возрасте 14 лет, он написал «Портрет тёти Пепы», энергичное и драматическое изображение, которое Хуан-Эдуардо Сирлот назвал «без сомнения, одним из величайших во всей истории испанской живописи». Картины этого гения являются гордостью ведущих музеев мира. Оба часто спорили.
Свой редкий талант Пабло проявил в нежном возрасте 10 лет, когда он закончил свою первую картину под названием «Желтый пикадор», на которой изображен человек верхом на лошади во время корриды. А потому избрал фамилию матери – Пикассо. Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве. Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Второй элемент полотна – изваяние Марии-Терезы в виде каменистого греческого бюста на стенде. Особенно важны в тот период скульптуры (Беременная женщина, 1950).
В это время с пониманием художник относится к оступившимся, униженным судьбой и бедностью. Его работы признаны самыми востребованными и оказались самыми дорогими в мире. Она была на 40 лет моложе его. Образ мифической Дафны характеризует ее спокойную личность и естественную красоту.
Пикассо наследует цветовую палитру французского художника. Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы: обои, куски газет, спичечные коробки. Множество стилей (кубизм, сюрреализм, графика) и сумасшедшая энергия творца вызывали восторг у публики. По словам матери, его первыми словами были «piz, piz», сокращение от «lpiz», что в переводе с испанского означает «карандаш».
Именно в этом городе он увлекся керамикой. Пикассо уставший от его любовницы Доры Маар, начал жить вместе с Жило. Большая часть работ была сожжена, чтобы обогреть маленькую комнату. В «аналитическом кубизме» предмет изображен разбитым на несколько фрагментов.
В годы испанской революции и войны Пабло Пикассо находится в Париже. В 1947 году ведущие коллекционеры из Чикаго Ли и Мери Блок покупают портрет у Пьера Колле. Самая ранняя картина Пабло Пикассо – Пикадора, которая была написана в 8 лет. Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения (Портрет художника, в подражание Эль Греко, 1950, частное собрание) и элементы тавромахии (возможно, потому, что Пикассо был страстным поклонником популярного на юге Франции боя быков), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959-1968). С 1992 года полотно хранится в музее Мадрида.
Коричневый цвет выходит за рамки общей цветовой гаммы картины. Затем творчество маэстро переживает так называемые голубой и розовый периоды, когда он предпочитал рисовать изображения из жизни бедных детей и цирковые сцены.
В 1925 начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Академический реализм легко различимый в работах середины 1890-х годов хорошо отображён в «Первом причастии» (1896), большой композиции, которая изображает его сестру Лолу. Контакты с сюрреализмом. Кубизм. «Дора Маар с кошкой».
Многие картины измождённых матерей с детьми датируются «голубым периодом», во время которого Пикассо разделил своё время между Барселоной и Парижем. «Девочка на шаре», написанная в 1905 году, одна из самых легендарных картин Пикассо относится к началу розового периода творчества художника, совпадающего с его переездом в Париж. Герои словно наклеены на полотно отдельно друг от друга, а контуры их тел будто движутся в пространстве, придавая изображению объем, динамичность. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ (Сидящая купальщица, 1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), орущих (Женщина в кресле, 1929, Париж, музей Пикассо), раздутых до абсурда и бесформенных (Купальщица, рисунок, 1927, частное собрание) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы (Фигуры на берегу моря, 1931, Париж, музей Пикассо).
Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к Метаморфозам Овидия (1930) и Аристофану (1934) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Однако его сын стал заниматься искусством в ущерб классной работе. Некоторые из них (Коза, 1950 Обезьяна с малышом, 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа.
«Голубая обнаженная», как можно легко догадаться уже по названию и одному взгляду на нее, относится к голубому периоду творчества мастера. Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приёмы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921). За закрытыми дверьми он повторял: «Приходите завтра или, лучше, через месяц», а при всех похлопывал незадачливого дилера по плечу, делая вид, что сделка состоялась. Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950). В Прадо размещены картины Диего Веласкеса, Франсиско Гойя и Франсиско Сурбарана. Среди наиболее известных его работ находятся картины в стиле протокубизм такие как «Авиньонские девицы» (1907), «Герника» (1937) и изображение бомбардировки Герники немецкими и итальянскими ВВС по приказу испанского националистического правительства во время Гражданской войны в Испании.
В следующем десятилетии из-под кисти художника выходит полотно «Резня в Корее», где были изображены американские солдаты в образе футуристических рыцарей, что собирались напасть на беременных женщин и детей. Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. В частности, картина Алжирские женщины, Version O, ушла за 32 млн. Период «синтетического кубизма» порождает серию натюрмортов. Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. Первая выставка работ произошла в Барселоне в июне 1989, в кафе Els Quatre Gats. Вдохновением для нее послужило самоубийство друга художника, Карлоса Касагемаса.
Некоторые из них («Коза», 1950 «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. Однако искусствоведы признают, что эта работа стало отправной точкой авангарда. После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго (весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам художник считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины (Портрет Канвейлера, 1910, Художественный институт).
Каждая полоса следует по своему курсу – та что справа формирует большую английскую «P», поскольку она создает петлю вокруг каменного изваяния левая полоса кружится у закинутых рук и головы Марии-Терезы, создавая вторую «P». Конечно, Пикассо это всячески отрицал. Этот образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет главную тему картины Герника, самого знаменитого его произведения, которое он пишет через несколько недель после разрушения немецкой авиацией маленького городка басков и которое знаменует начало его политической деятельности (Мадрид, Прадо до 1981 картина находилась в Нью-Йорке, в Музее современного искусства).
Этим достигал, как говорили, уродливой схожести. Полотно «Авиньонские девицы» считается одним из самых революционных произведений автора, которые положили начало кубизму и абстракционизму, стилям предпочитающим искажать натуральные изображения до геометрических форм. В то время он развивал новые образы и формальный синтаксис для эмоционального выражения себя, «выпуская насилие, психические страхи и эротизм, которые в значительной степени подавлялись или сублимировались в нём с 1909 года», – пишет историк искусства Мелисса Маккуиллан. Он написал несколько произведений на тему бродячего цирка, которым был увлечен.
Это было время, когда планета начала приходить в себя после разрушительной Мировой войны. Более семидесяти раз он переписывал картину и всякий раз был неудовлетворен результатом. Аполлинер и Жакоб были очень хорошими друзьями Пикассо в течение 1910-х годов. Осенью 1947 Пикассо начинает работать на фабрике Мадура в Валлорисе увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных (Кентавр, 1958) иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия.
Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Орта-де-Эбро», 1909), увеличивает и ломает объёмы («Портрет Фернанды Оливье», 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твёрдым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910). Ему удавалось передавать свое необычное видение привычных предметов, он постоянно искал пути воплощения своих фантазий.
В подростковом возрасте у Пикассо неплохо получались реалистичные портреты и пейзажи. В 1937 году симпатии Пикассо— на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Фрнко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолётов над позициями франкистов). Его семья была среднего класса.
Всего – 15 вариаций, которые обозначены в алфавитном порядке как Version А-О. Многое в живописи давалось ему легко, рисовал он быстро. В итоге Лео Стайн переехал в Италию. Эту энергию выплеснул художник на эту, пожалуй, самую узнаваемую картину Пикассо. Во время гражданской войны в Испании Пикассо, противник Франко, поддерживая республиканцев, написал в 1937 году серию акватинт «Мечты и ложь генерала Франко».
Пикассо создал более чем 20 тысяч работ. Это «Семья акробатов с обезьянкой», «Шут», «Молодой Арлекин». «Авиньонские девицы», написанная в 1907 году картина относится к самым типичным примерам кубизма. Так назвал картину сам автор, хотя во всём мире она известна под названием «Голубь мира».
В этом стиле написаны полотна «Любительница абсента», «Свидание», «Нищий с мальчиком», «Трагедия». Это гораздо ценнее, это и есть высшее творчество. Стиль этот будет развиваться уже в Барселоне, когда художник возвратиться. После эпикурейского изящества 1920-х годов (Танец, Лондон, галерея Тейт) в творчестве Пикассо появляется атмосфера конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов.
Пабло учился в Барселоне, Мадриде, неоднократно ездил в Париж, где посетил все музеи. Оба имели сына Пауло, который вырос распущенным мотогонщиком, а позже стал шофёром отца.
Тема быков возникла в творчестве Пикассо, вероятно, во время его двух поездок в Испанию в 1933 и 1934, причем облекаются они в достаточно литературные формы: образ Минотавра, который то и дело возникает в красивой серии гравюр исполненных в 1935 году (Минотавромахия). По Веласкесу» (1957) «Завтрак на траве. Никто из критиков не смог дать удовлетворительного объяснения этим странным, дерзким композициям, даже если это были действительно превосходные картины (Менины, 17 августа 1957, Барселона, музей Пикассо). Можете забрать на память».
В 1930—1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создаёт их с помощью своего друга испанского скульптора Хулио Гонсалеса— «Конструкция», 1931). В 1913 году ее приобрел коллекционер и потомок Саввы Морозова у писательницы Гертруды Стайн, которая открыла для молодого художника двери в богемную жизнь.
Это были времена крайней нищеты, холода и отчаяния. Светлые и тёмные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. Oливье появляется во многих его картинах «розового периода», на большую часть из которых повлияли их тёплые отношения, наряду с интенсивным изучением французской живописи. На каждой картине под этим названием изображен Арлекин, Пьеро и монах.
С 1968 по 1971 года он создал множество картин и сотни медных гравюр. Техника исполнения так потрясла отца, что он бросил рисовать. Синяя Комната Пикассо (1901, Собрание Филипса, Вашингтон) отражает влияние этих художников и одновременно показывает эволюцию творчества Пикассо в голубой период, который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение последующих нескольких лет. Вот таким образом он отказывал в визитах как конкурентам, так и друзьям. Общеизвестная картина Пикассо «Три музыканта» написана в стиле кубизма. О художнике Пабло Пикассо слышали даже люди, практически не интересующиеся живописью. В своей книге 1964 года «Жизнь с Пикассо» Жило описывает его жестокое обращение и бесчисленные измены, которые привели к тому, что она бросила его, забрав детей.
Яркими образчиками этого этапа являются полотна «Натюрморт с плетеным стулом», «Столик в кафе», «Скрипка и гитара». Тот же круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску. Надо сказать, что возвращение в Испанию мастеру не планировалось. Переполненный отвращением к войне, художник написал гигантское обвинение фашизму: так родилась на свет «Герника» (Guernica), картина тираническая, пугающая и многословная. С одной стороны— коммунист, прогрессивный деятель, борец за мир и трогать его было опасно с другой Дело не в том, что, с их точки зрения, он был «буржуазный формалист», с этим еще можно было примириться, главное— он был великий мастер и при сопоставлении с его работами все великие достижения советского искусства меркли и отбрасывались на столетие назад. Пикассо нарисовал портрет Гертруды и её племянника Алана Стейна.
На данный момент за работы Пикассо должен был взяться арт-дилер Леон Розенберг. Как часто это бывало раньше, все изменила женщина. В этом же номере впервые в Европе была опубликована копия картины Les Demoiselles («Авиньонские девицы»). Он подошел к проекту с большим энтузиазмом, спроектировав неоднозначную и несколько спорную скульптуру. Вместе с тем, каждый уважающий себя человек видел (хотя бы в иллюстрациях) «Девочку на шаре», «Бег» и «Гернику».
Однажды нацистский офицер увидев фотографию Герники спросил у Пикассо: Это вы сделали. За такой резкий переход от кубизма к классицизму Пикассо многие критиковали. Он воспользовался возможностью, чтобы сделать несколько рисунков композитора.
Несмотря на то, что Пикассо был крещеным католиком, позже он стал атеистом. В 1902 году его друг совершил суицид. В 1953 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся18. «Голубая обнаженная» – эту картину можно отнести к самым общеизвестным холстам Пикассо, несмотря на то, что она является одним из ранних его полотен (1902 год). В тот же период, когда Пикассо сотрудничал с труппой Дягилева, он и Игорь Стравинский работали над балетом «Пульчинелла» в 1920 году. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником как символом надежды.
Кубизм развивается в совершенно ирреальные и сюрреалистические образы. Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточённостью увенчанные нелепыми шляпами, лица изображённые в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассечённые потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942).
С последней картиной, на которой изображены ужасы войны, связана одна известная история. Именно он стал одним из первых щедрых покупателей Пикассо и помог ему выбраться из нищеты. И только когда военный режим пал, картина наконец-то вернулась на родину.
Под конец розового периода Пикассо увлекся античными мотивами. Здесь нет места привычной для зрителя женственности. Символом войны у Пикассо становится изображение быка Минотавра с большими безразличными глазами.
Это не просто обычная картина, а еще и сильное политическое заявление. По мнению искусствоведов, картина открывает «голубой период» творческой деятельности Пикассо, наполненного драматическими событиями в его жизни. Он говорил, что изображает мир не таким, каким его видит, а каким представляет.
Пикассо отказался от оплаты в 100000, пожертвовав всю сумму жителям города. Оно прославило Пабло Пикассо. Первый раз художник покинул Испанию в 1900 году, предприняв расширенную поездку в Париж. Но он понимал, что путь художника к вершине славы труден и долог.
Из-за этой скандальной картины с Пикассо порвал Матисс. Вот таким образом его подразделяют на несколько этапов. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имён возлюбленных, названий улиц, кабачков.
Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неравны по качеству («Мастерская в Каннах», 1956). Это довольно большая картина по размеру – ширина и высота ее более 2 метров. С 1 июля 1963 года владельцами стает другая пара из Чикаго Адель и Уиллард Джидвиц. Между 1900 и 1902, Пикассо совершил три поездки в Париж и окончательно обосновался там в 1904. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря.
Однажды увидев репродукцию «Герники», гестаповцы спросили: «Это вы сделали. ». Он часами заставлял своих покупателей ждать в приемной и, пока чинный дворецкий утверждал, что «мсье очень занят», сам наотрез отказывался вылезать из кровати. Пабло Руис и Пикассо, также известный как Пабло Пикассо (25 октября 1881 – 8 апреля 1973), был испанским художником, скульптором, гравёром, керамиком, театральным художником, поэтом и драматургом, который провел большую часть своей жизни во Франции. Он преступил грани натурализма, осмелился отказаться от познавательной функции искусства.
Все это взывает к сюрреалистическим, биоморфным мотивам. Так постепенно к нему пришло осознание своей исключительности. Сюрреализм возродил тягу Пикассо к примитивизму и эротизму.
«Голубая обнаженная» — эту картину можно отнести к самым общеизвестным холстам Пикассо, несмотря на то, что она является одним из ранних его полотен (1902 год). На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931). Многие его произведение получили место в рейтинге самых дорогих картин в мире. Они возобновили свою дружбу, но Пикассо стал часто посещать новые социальные круги.
Немецкая оккупация не могла испугать Пикассо: он оставался в Париже с 1940 по 1944 год. Всегда и во всем он должен был быть единственным. Оккупация не ослабила деятельности Пикассо: портреты, скульптуры (Человек с агнцем), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи (Натюрморт с бычьим черепом, 1942, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфалия). – знают разве что его биографы.
Потом началась Первая мировая война, перевернувшая сознание миллионов. Так появились полотна «Мальчик, ведущий коня» и «Девочка с козлом». Их отчасти удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко. В том же 1904 году художник встретил Фернанду Оливье, которая стала его первой музой. На момент начала Первой мировой войны (август 1914 года) Пикассо жил в Авиньоне.
Их старший брат Майкл Стайн и его жена Сара также коллекционировали его работы. Все средства он тратил на то, чтобы дать сыну самое лучшее образование. От образа на картине веет одиночеством и покинутостью, он угловат, будто поломан, поза скованна, а слишком большая правая рука будто отгораживает женщину от мира ищет уединения, защиты. По Курбе» (1950) «Алжирские женщины.
В 1956 году на французские экраны вышла документальная лента о художнике «Таинство Пикассо». Ему было поручено сделать макет для огромной общественной скульптуры 50 футов (15 м) в высоту, которую должны были построить в Чикаго и обычно известную как Чикагский Пикассо.
С творчеством импрессионистов Пабло познакомился позднее, после того как уехал в Париж. После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создаёт атмосферу конвульсий и истерии ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить отчасти влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935 и театральной пьесе, созданной во время войны. А одно лишь полотно работы мастера уходит на аукционе более чем за 100 миллионов долларов. Полное имя, которое будущий художник получил при крещении— Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано14 (Криспиниано15) де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо. После этого картина не показывалась на публику около 40 лет. Среди них— Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937). Превысив все ожидания, портрет «Доры Маар с кошкой» ушел с молотка за 95, 216, 000.
Его предки были незначительными аристократами. На данный момент расположено в выставочном зале Мадрида Museo Reina Sofia в Испании. Сейчас полотно хранится в музее Чикаго.
Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Он стал одним из ведущих дилеров французского искусства XX века.
Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неровны по качеству (Мастерская в Каннах, 1956, Париж, музей Пикассо). С ранних лет Пикассо показывал страсть и способности к рисованию. Пабло Пикассо стал, пожалуй, самым известным художником 20 века. Пикассо находился под влиянием поездки по Испании и самоубийства друга Карлоса Касагемаса, что привело к строгому использованию цвета и подчас страдальческих сюжетов, частыми объектами которых являлись проститутки и нищие. Одним словом Пикассо начал вращаться в светской среде, что ранее ему было чуждо. И этим восхищал. Художник Ж. Брак так высказался об «Авиньонских девицах» : «Складывается такое впечатление, будто нас хотели попотчевать паклей и напоить керосином».
Родился в Малаге 25 октября 1881 года. Свой знаменитый шедевр «Герника» Пикассо написал для ярмарки в Париже, которая состоялась в 1937 году. Талант у юного художника проявился рано. Первое, что он воскликнул, когда Пикассо привел ее в гости: «Дорогая, если бы я рисовал ваш портрет, волосы были бы зелеными». По Веласкесу (1957) Завтрак на траве. Чувством неудовлетворения собственным творчеством отмечена серия интерпретаций и вариаций на темы знаменитых картин Девушки на берегу Сены.
За два месяца Пикассо создаёт свою «Гернику»— громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. После освобождения. Пабло Руис Пикассо (Picasso Pablo) испанский художник и скульптор, с 1904 года проживавший во Франции. Идея подарить Франсуазе зеленые волосы принадлежала Матиссу.
В течение первых пяти месяцев 1901 года Пикассо жил в Мадриде, где со своим другом анархистом Франциско де Асис-Сольером основал журнал Arte Joven («Молодое искусство»), у которого вышли пять номеров. Учился рисовать Пикассо у своего отца, который был учителем рисования. Родившийся в 1881 году Пабло Диего Хосе должен был бы по отцу носить фамилию Руис.
Согласно устным высказываниям Блока, он заплатил 15 000., на что тот ему ответил: Это сделали вы. На момент поступления Пикассо было только 13 лет.